A Historical Overview of Murals

Murals są szeroko zdefiniowane jako obraz lub inne dzieło sztuki wykonane bezpośrednio na ścianie, suficie lub innej trwałej powierzchni. Jednym z unikalnych aspektów murali jest to, że fizyczna architektura powierzchni jest włączona do dzieła sztuki. Najwcześniejsze znane murale istniały w epoce paleolitu i zostały odkryte w jaskiniach w południowej Francji, około 30.000 lat p.n.e. Inne historyczne przykłady murali to egipskie hieroglificzne malowidła grobowe, pałace minojskie, jaskinie Ajanta oraz miasto-państwo Pompeje. Technika Marouflage, polegająca na przymocowywaniu malowanych płócien do ścian, sięga 3000 lat wstecz i jest wczesnym prekursorem nowoczesnej metody przyklejania pszenicy.

W średniowieczu murale były zazwyczaj wykonywane na suchym tynku. 500-letnia mauretańska okupacja Hiszpanii przyniosła ze sobą artystyczne i estetyczne wpływy, takie jak zellij, czyli geometryczne wzory oparte na matematycznych formułach, które ostatecznie wpłynęły na sztukę europejską w okresie renesansu. W 14 wieku, włoscy malarze rozwinęli technikę fresco secco, murale malowane na mokrym tynku – znacząca ewolucja w jakości dzieł sztuki. Wśród słynnych fresków powstałych w okresie renesansu znajdują się „Ostatnia Wieczerza” Leonarda Da Vinci, „Stworzenie Adama” Michała Anioła, „Sąd Ostateczny” oraz sufit Kaplicy Sykstyńskiej. Ponieważ artyści byli często wspierani przez bogatych, wpływowych politycznie mecenasów, takich jak Medyceusze, i/lub zamawiani przez sam Kościół katolicki, wiele z klasycznych dzieł okresu renesansu odzwierciedla tematykę chrześcijańską, w tym fascynację greckim ortodoksyjnym chrześcijaństwem, która rozwinęła się po upadku Konstantynopola na rzecz Imperium Osmańskiego. Jednak ponowne zainteresowanie greckimi ideami oraz rozwijający się ruch intelektualny i artystyczny doprowadziły do powstania humanizmu w XV wieku, który ostatecznie rozprzestrzenił się w całej Europie i oddalił się od Kościoła jako centrum religii, polityki i kultury.

Na początku XX wieku meksykański ruch muralowy związany z Diego Riverą wniósł nowy poziom wyrafinowania do murali, czerpiąc wpływy z kubizmu i postimpresjonizmu, a także włączając komentarze społeczne i polityczne, które często były tłumione w Europie. Rivera pomógł spopularyzować murale w całym Meksyku, Ameryce Środkowej i Stanach Zjednoczonych, a jego prace zaczęły odzwierciedlać radykalnie lewicową świadomość polityczną, jak również tradycyjne wpływy Azteków.

Meksykański ruch murali skupiający się na społecznych i politycznych przesłaniach – początkowo sponsorowany przez rząd po rewolucji 1910 roku – stał się z kolei głównym wpływem na ruch sztuki Chicano w latach 60. XX wieku – meksykańsko-amerykańskie wysiłki, by połączyć ideologie postkolonializmu z prekolumbijskimi tradycjami i wyraźnie chicanowską tożsamością.

W latach 60. pojawił się również ruch muralowy społeczności afroamerykańskiej. Główną inspiracją dla tego ruchu były walki wyzwoleńcze o prawa obywatelskie i post-prawa obywatelskie oraz nacisk na estetykę kulturalną i artystyczną Czarnego Ruchu Artystycznego i ministra kultury Czarnych Panter oraz artysty Emory’ego Douglasa. Ruch murali społecznych rozpoczął się od Wall of Respect w Chicago, który był rewolucyjny nie tylko ze względu na przedstawienie czarnych ikon, ale także w tym sensie, że społeczność była współwłaścicielem dzieła. Mur Szacunku doprowadził do powstania wielu podobnych murali w Chicago, w tym wielu namalowanych przez Williama Walkera, a także do gwałtownego wzrostu liczby murali zorientowanych na społeczność w wielu dużych amerykańskich miastach, takich jak Detroit, Los Angeles, San Francisco, Portland i St.

Ruch murali społecznych był zbieżny z tym, co przez niepraktykujących nazywane jest „nowoczesnym ruchem graffiti” (praktykujący często nie nazywają siebie artystami graffiti, preferując określenia „style writers” lub „aerosol artists”), który rozpoczął się w Filadelfii i Nowym Jorku i wykorzystywał medium farby w sprayu, jak również wcześniej nieczęsto spotykane powierzchnie: wagony metra, boiska do piłki ręcznej, przejścia podziemne przy autostradach. Początki ruchu sięgają partyzanckich, niedozwolonych murów i początkowo skupiały się wokół tagów identyfikujących artystę, takich jak Coco 144 czy Lee 163d, ale ostatecznie ewoluowały w kierunku dodawania wyszukanych kaligraficznych skryptów, postaci – w tym Yosemite Sama i Cheecha Wizarda Vaughna Bode’a – oraz żywych, wielobarwnych konturów i tła. Szczególnym krokiem ewolucyjnym było zastosowanie „grubych czapek” przez nowojorskiego pisarza o pseudonimie Super Kool 223; szeroka dysza pozwalała na szersze rozpylanie i grubsze litery, podobnie jak grubszy pędzel pokrywa większą powierzchnię. Style ewoluowały nieustannie i ciągle, a pisarze tworzyli załogi – zarówno po to, by chronić i odróżniać się od innych załóg, jak i po to, by pomóc w poruszaniu się w środowisku bardzo terytorialnych gangów ulicznych.

Pierwsza wystawa sztuki graffiti, w 1972 roku, została zrecenzowana w New York Times, co doprowadziło do kolejnych wystaw i zainteresowania ze strony kolekcjonerów sztuki i kolejnego nowego trendu. Przez całe lata 70. grafficiarze nadal muralowali pociągi i ściany, a kilku bardziej utalentowanych pisarzy zaczęło również tworzyć płótna w aerozolu.

Początkowo ruch sam w sobie, ruch sztuki w aerozolu stał się utożsamiany z rodzącą się kulturą hip-hopu w Nowym Jorku, dzięki pionierskim pisarzom, takim jak Phase 2, którzy byli również b-boyami, czyli tancerzami hip-hopu. Gdy pionierscy DJ-e, tacy jak Kool Herc, Afrika Bambaataa i Grandmaster Flash, stali się lokalnymi gwiazdami, artyści tacy jak Phase 2 dodali do swoich życiorysów projektowanie graficzne, tworząc ulotki na imprezy DJ-ów.

Mimo swojej artystycznej i estetycznej innowacyjności, ruch sztuki aerozolowej istniał na marginesie społeczeństwa i był kontrkulturowy do samego rdzenia. Nic dziwnego, że trzeba było ponieść konsekwencje. Policja często biła każdego, kogo znalazła z farbą w sprayu, czasami malując pisarzowi twarz. Oburzenie społeczne wobec wandalizmu prowadziło do kar pieniężnych (a w końcu do wyroków więzienia). Nowojorska Metropolitan Transit Authority wydała dziesiątki milionów dolarów na odświeżenie pociągów; do 1977 roku era metra dobiegła końca, co spowodowało, że niektórzy artyści przenieśli się do innych dziedzin, podczas gdy inni, jak Lee Quinones, zaczęli robić murale na boiskach do piłki ręcznej.

W latach 80-tych, kiedy hip-hop rozszerzył się z nowojorskiej subkultury do globalnego ruchu, sztuka w aerozolu została uznana za jeden z jego czterech podstawowych elementów. Jej status w popkulturze został znacznie wzmocniony przez publikację dwóch książek fotograficznych, „Subway Art” i „Spraycan Art”, oraz przez filmy „Wild Style” i „Style Wars”. „Subway Art” skupiał się na zadziwiająco innowacyjnych, partyzanckich produkcjach sztuki publicznej nowojorskich artystów aerozolowych, które sięgały od samozadowolenia i autorefleksji opartych na stylach literniczych, po abstrakcyjne prace, w których tło i ogólna kompozycja były ważniejsze. „Spraycan Art” dokumentował rosnącą międzynarodową popularność sztuki w stylu graffiti i murali w aerozolu, ponieważ pisarze od Bay Area po Europę naśladowali, a czasem nawet przewyższali, swoje artystyczne inspiracje. Dokument „Style Wars” przedstawił kilku ikonicznych pisarzy, podczas gdy „Wild Style” pokazał wszystkie cztery podstawowe elementy hip-hopu, a także zawierał wątek, który dosłownie przedstawiał uwodzenie artystów ulicznych w świecie sztuki głównego nurtu.

Kaligrafia w aerozolu pojawiła się w 1984 roku w programie telewizyjnym „Graffiti Rock”, który powstał w nowojorskiej stacji WPIX i był emitowany w CBS. Pomyślany jako hip-hopowa wersja „American Bandstand”, jego logo zawierało napisy w dzikim stylu i było wykorzystywane jako tło na planie. W programie pojawiła się również grafika autorstwa Brima. „Graffiti Rock” wziął swój tytuł od wydarzenia, którego kuratorem był fotograf i filmowiec Henry Chalfant, współproducent „Style Wars” i współautor „Subway Art” oraz „Spraycan Art”. Jednak mimo dobrych wyników oglądalności, „Graffiti Rock” w niewytłumaczalny sposób nie został przyjęty do dystrybucji – tym samym kończąc szansę na zaprezentowanie wszystkich elementów kultury hip-hopu razem wziętych. Ciekawostka: producent programu, Michael Holman, napisał scenariusz do filmu „Basquiat” o życiu artysty Jeana-Michela Basquiata, który rozpoczął swoją karierę jako artysta uliczny znany pod pseudonimem „SAMO”.”

Pod koniec lat 80. i na początku lat 90. istniało wiele wzajemnych powiązań i nakładania się subkultur muralu, sztuki ulicznej i sztuki graffiti.

W Bay Area, Mission District w San Francisco stała się mekką murali, z których wiele powstało pod kuratelą organizacji Precita Eyes. Ruch antyapartheidowy spowodował wysyp murali i postaci o tematyce politycznej, a w 1992 roku Spie i Dream z ekipy TDK rozpoczęli kampanię protestacyjną przeciwko rocznicy podróży Kolumba, nazwaną „500 lat oporu”. Kampania zbiegła się w czasie z wystawą „No Justice, No Peace”, która dotyczyła brutalności policji po pobiciu Rodneya Kinga przez policję w Los Angeles.

W latach 80. muraliści grafficiarze byli częścią Fresh Fest, jednej z pierwszych krajowych tras hip-hopowych, a Futura 2000 malowała tła na żywo i projektowała grafiki dla The Clash. Artysta Keith Haring – który stworzył serię ikonograficznych murali kredowych na stacjach nowojorskiego metra, zdobył sławę w świecie sztuki i zaprojektował serię zegarków dla firmy Swatch (które są obecnie przedmiotami kolekcjonerskimi). Weteran aerozolu Haze zaprojektował kultowe loga dla EPMD i Def Jam, a okładki w stylu graffiti zaczęły pojawiać się na rapowych płytach Mantronixa i Just-Ice’a (Gnome and Gemini), Boogie Boys (Phase 2) i innych. Ten okres był również godny uwagi dla kaligrafii w stylu graffiti i znaków, które były malowane bezpośrednio na dżinsach i kurtkach dżinsowych, tworząc w efekcie spersonalizowane murale, które przemawiały do kulturowej identyfikacji z hip-hopem.

W latach 90-tych, Dream TDK malował tła dla corocznego koncertu KMEL Summer Jam, a Doze TC5/GM5/RSC często malował na żywo na pokazach hip-hopowych i turntablistycznych. Logo „Wild Style” – pierwotnie zainspirowane muralem w metrze autorstwa Dondiego i namalowane przez Zephyra, Revolta i Sharpa na potrzeby filmu – zostało przywłaszczone do serii reedycji, które kupiła hip-hopowa wytwórnia Wild Pitch.

W latach 90. również kilku grafików z murali przeniosło się do mody hip-hopowej, w tym Haze, Marc Ecko, Futura, Doze i inni, podczas gdy estetyka graffiti wpłynęła na linie produktów takich firm jak Conart, Third Rail, 594 Gear (odniesienie do ustawy anty-graffiti w kalifornijskim kodeksie karnym) i PNB. Magazyny takie jak International Graffiti Times, Stress, 4080 i On the Go regularnie opisywały muralistów tworzących w aerozolu, podobnie jak The Source, a seria filmów dokumentalnych „Graffiti Verite” dodatkowo dokumentowała kulturę i jej historię. Wielu twórców aerozolu zajęło się malowaniem aerografem lub tatuażem, aby opłacić rachunki. Pod koniec dekady uliczny artysta z SF Barry „Twist” McGee wystawiał w SFMOMA, Futura projektowała okładki albumów dla Mo' Wax, Shephard Fairey przyklejał „Obey”, a pochodzący z Wielkiej Brytanii artysta Banksy ewoluował w swojej agitacyjnej sztuce od malowania sprayem do szablonowania.

Przez pierwsze dwie dekady nowego tysiąclecia muralizm nadal był realną i innowacyjną formą sztuki publicznej. W 2002 roku Ivor Miller opublikował definitywny akademicki opis graffiti i kultury muralistycznej, „Aerosol Kingdom”, a muraliści sprawują władzę w Oakland Museum w Kalifornii, Block Museum w Chicago, Sotheby’s w Londynie i na Zachodnim Brzegu Gazy. Nie jest rzadkością, że znani artyści murali, tacy jak Apex z SF, otrzymują duże zlecenia dla korporacji, a jednocześnie realizują mniejsze projekty w sąsiedztwie. Lista obecnych kolektywów muralistów jest zbyt długa, by ją wymienić, a ponadto istnieje wiele organizacji muralistów, w tym Community Rejuvenation Project, które zostały zarejestrowane jako organizacje non-profit.

Jako część ruchu street art, community mural, i graffiti, muraliści dokonali dalszego wtargnięcia do sektora sztuki publicznej i świata sztuki głównego nurtu, często zachowując uliczną wiarygodność i związek ze społecznościami, które reprezentują. Ruch muralowy stał się ruchem globalnym, dobrze reprezentowanym w swoich odwiecznych centrach, takich jak Nowy Jork, Chicago, Filadelfia, Detroit, St. Louis i Bay Area, ale także w Yokohomie, Tokio, Montrealu, Halifaksie, Londynie, Edynburgu, Melbourne, Sydney, Berlinie, Mexico City i Sao Paulo. Pisanie na ścianach jest jedną z najwcześniejszych tradycji kulturowych ludzkości i nie wykazuje oznak zaprzestania tego procederu w miarę jak wkraczamy w XXI wiek.