Jamaika: the mento
TM, ®, Copyright © 2003 Piero Scaruffi Wszelkie prawa zastrzeżone.
(Patrz: Tło: XX wiek)
Pierwsze jamajskie studio nagrań zostało otwarte w 1951 roku i nagrywało muzykę „mento”, fuzję europejskiej i afrykańskiej ludowej muzyki tanecznej.Wyspa była zalana płytami rhythm’n’bluesowymi importowanymi przez tak zwane „sound systemy”, ekscentryczne wędrowne dance-hale prowadzone przez nie mniej ekscentrycznych DJ-ów, takich jak Clement Dodd („Downbeat”) i Duke Reid („Trojan”).Biedni ludzie z jamajskich gett, których nie było stać na wynajęcie zespołu na swoje przyjęcia, musieli zadowolić się tymi „systemami dźwiękowymi”. „Selekcjonerzy”, jamajscy disc-jockeys, którzy obsługiwali te systemy dźwiękowe, stali się prawdziwymi konferansjerami. Selektor obracał płyty i „wznosił toasty” nad nimi. Sztuka „wznoszenia toastów”, która zazwyczaj polegała na rymowaniu wzorców wokalnych, a wkrótce przerodziła się w komentarz społeczny, stała się równie ważna jak muzyka, która była odtwarzana.
W 1954 roku Ken Khouri założył pierwszą wytwórnię płytową na Jamajce, „Federal Records”.Zainspirował Reida i Dodda, którzy zaczęli nagrywać lokalnych artystów dla swojego systemu dźwiękowego.Pod koniec lat 50-tych amatorzy zaczęli tworzyć zespoły, które grały muzykę karaibską i nowoorleański rhythm’n’blues, oprócz lokalnego mento. Doprowadziło to do grup „bluebeat”, które w zasadzie były Jamajka wersja dźwięku New Orleans. W ich skład wchodziły zazwyczaj saksofon, trąbka, puzon, fortepian, perkusja i bas.
Wkrótce bas stał się dominującym instrumentem, a brzmienie ewoluowało w „ska”. Tak naprawdę rytm „ska” został wymyślony przez Roscoe Gordona, pianistę z Memphis, w utworze No More Doggin' (1951). Utwory „ska” charakteryzowały się szybkim tempem, sekcją rogową, afroamerykańskimi harmoniami wokalnymi, jazzującymi riffami i staccato na gitarze.
Ska
TM, ®, Copyright © 2003 Piero Scaruffi Wszelkie prawa zastrzeżone.
(Patrz The Age of Revivals)
Theophilus Beckford wyciął pierwszą płytę „ska”, Easy Snapping, w 1959 roku,ale Prince Buster (Cecil Campbell), właściciel systemu dźwiękowego „Voice of the People”, był tym, który około 1961 roku zdefiniował cechy somatyczne ska raz na zawsze (on i jego gitarzysta Jah Jerry).
The Wailers, w skład których wchodzili młody Bob Marley, Peter Tosh i Bunny Livingston, zwolnili rytm w Simmer Down (1963), a My Boy Lollipop Millie Small (1964) był pierwszym światowym hitem ska.Charyzmatycznymi liderami ruchu ska byli Skatalites, grupa weteranów, byłych jazzmanów, kierowana przez saksofonistę Tommy’ego McCooka, z wirtuozem puzonu Donem Drummondem i saksofonistą tenorowym Rolando Alphonso, która formalnie istniała tylko w latach 1964-1965 (Ball O' Fire, 1965; Phoenix City, 1966; instrumentalny Guns Of Navarone, 1967), ale gwiazdą ska był Desmond Dekker (Dacres), któregoIsraelites (1968) zapoczątkował jeszcze szybszy „poppa-top”, a007 Shanty Town (1967) iRude Boy Train podsyciły mitologię „niegrzecznego chłopca”.Muzyka ska była stosunkowo pogodna i optymistyczna, stanowiła naturalną ścieżkę dźwiękową dla tego wieku pokoju i dobrobytu, nieco podobną do muzyki „swingującego Londynu”.
Jamajka stała się niepodległym krajem w 1962 roku, ale problemy społeczne mnożyły się.W połowie lat sześćdziesiątych muzyka ska ewoluowała w kierunku „rock steady”, stylu leniwego, nazwanego tak od przeboju Altona Ellisa Rock Steady (1966), który podkreślał tematy społeczno-polityczne, zaadoptował instrumenty elektryczne, zastąpił rogi gitarami i awansował bas na instrument wiodący (praktycznie zacierając perkusję).Innymi słowy, ska zmutowało pod wpływem muzyki soul. Rock steady utożsamiany był z rzeszą młodych przestępców (tzw. „niegrzecznych chłopców”), którzy naśladowali brytyjskich „modsów” i amerykańskich „punków”, a jego pokoleniowymi hymnami były: Judge Dread (1967) Prince’a Bustera, The Tide Is High (1966) Johna Holta Paragons, Rivers Of Babylon (1969) Melodians. To przyczyniło się do dominacji grup wokalnych: Wailers, Paragons, Maytals (nowa nazwa Wikingów ze ska hitu Halleluja, 1963), Pioneers,Melodians, Heptones, etc.
Reggae
TM, ®, Copyright © 2003 Piero Scaruffi Wszelkie prawa zastrzeżone.
(Patrz Re-alignment)
Słowo „reggae” zostało ukute około 1960 roku na Jamajce, aby zidentyfikować „poszarpany” styl muzyki tanecznej, który nadal miał swoje korzenie w nowoorleańskim rhythm’n’bluesie.Jednakże, reggae wkrótce przejęło lamentujący styl śpiewu i podkreśliło synkopowany rytm. Wyraźnie zaznaczył się też związek z podziemnym światem „rastafarian” (adeptów tysiącletniej wiary afrykańskiej, wskrzeszonej przez Marcusa Garveya, który postulował masową emigrację do Afryki), zarówno w tekstach, jak i w zawłaszczeniu afrykańskiego stylu gry na bębnach nyah-bingi (styl naśladujący bicie serca, z jego schematem „thump-thump, pauza, thump-thump”).W porównaniu z muzyką rockową, muzyka reggae w zasadzie odwróciła rolę basu i gitary: ten pierwszy był prowadzącym, ten drugi wybijał typowy rytm czkawką. Paradoks reggae polega oczywiście na tym, że ta „jedyna w swoim rodzaju muzyka Jamajki” tak naprawdę w ogóle nie jest jamajska, ma swoje podstawy w USA i Afryce.
Niezależna wytwórnia Island rozprowadzała jamajskie płyty w Wielkiej Brytanii przez całe lata sześćdziesiąte, ale reggae stało się popularne w tym kraju dopiero wtedy, gdy Al Capone (1967) Prince’a Bustera zapoczątkował krótki „szał taneczny”.Muzyka jamajska była zjawiskiem charakterystycznym dla gett, kojarzonym z przemocą w stylu gangów, ale Jimmy Cliff w utworze Wonderful World Beautiful People (1969) połączył reggae z filozofią „pokoju i miłości” hippisów, które to skojarzenie nie przeminęło.W USA utwór Red Red Red Wine (1967) Neila Diamonda był pierwszym przebojem reggae wykonanym przez muzyka pop.Wkrótce potem Hold Me Tight (1968) Johnny’ego Nasha wprowadził reggae na listy przebojów.Do The Reggay (1968) Tootsa (Hibberta) i The Maytals to płyta, która dała tej muzyce nazwę. Styl wokalny Fredricka Tootsa Hibberta był w rzeczywistości bliższy gospel, co potwierdzają inne przeboje (54-46, 1967; Monkey Man, 1969; Pressure Drop, 1970).
Mało zauważalne wydarzenie miało daleko idące konsekwencje: w 1967 roku jamajski disc-jockey Rudolph „Ruddy” Redwood zaczął nagrywać instrumentalne wersje przebojów reggae. Duke Reid, który był już właścicielem wytwórni Trojan, jako pierwszy wykorzystał ten pomysł: zaczął wydawać płyty z dwoma stronami: oryginalną piosenką i instrumentalnym remiksem na odwrocie. Zjawisko to podniosło status dziesiątek inżynierów nagrań.
Muzyka reggae została spopularyzowana głównie przez Boba Marleya (1), najpierw jako współlidera zespołu Wailers, który wypromował wizerunek miejskiej partyzantki utworem Rude Boy (1966) i wydał pierwszy album z muzyką reggae Best Of The Wailers (1970); a później jako polityczny i religijny (rasta) guru ruchu, co uczyniło z niego gwiazdę, szczególnie po jego nawróceniu na pop-soulmelody z balladami takimi jak Stir It Up (1972), I Shot The Sheriff (1973) i No Woman No Cry (1974).
Wśród grup wokalnych reggae, Satta Massa Gana (1971) Abyssinians jest reprezentatywna dla nastroju epoki.
W 1972 r. reggae stało się podstawą zachodnich stacji radiowych dzięki filmowi The Harder They Come.
Dub
TM, ®, Copyright © 2003 Piero Scaruffi Wszelkie prawa zastrzeżone.
Coraz więcej inżynierów studyjnych remiksowało strony B singli reggae 45 RPM, usuwając wokal i podkreślając instrumentalną strukturę utworu. Inżynierowie stawali się coraz bardziej wykwalifikowani w udoskonalaniu tekstur instrumentalnych, zwłaszcza gdy zaczęli stosować wyrafinowane urządzenia studyjne.Ostatecznie, „dub” stał się sztuką samą w sobie.Pierwsze single dubowe pojawiły się w 1971 roku, ale człowiekiem, któremu powszechnie przypisuje się „wynalezienie” tego gatunku jest Osbourne Ruddock, lepiej znany jako King Tubby (2), inżynier nagrań, który w 1970 roku przypadkowo odkrył atrakcyjność pozbawiania piosenek ścieżki wokalnej, i który stworzył pierwszą płytę dubową, Carl Patterson’s Psalm Of Dub (1971).Kiedy połączył siły z producentem Lee „Scratch” Perrym, powstała Blackboard Jungle (1973): pierwszy album stereo „dub”. Był to przewrót kopernikański: inżynier i producent stali się ważniejsi od kompozytora. Był to również punkt końcowy „spowolnienia” muzyki jamajskiej, procesu, który prowadził od ska przez reggae do rock steady. W porównaniu z oryginałem, dub był jak wersja w zwolnionym tempie. Współpraca z grającym na melodice Augustusem Pablo zaowocowała kolejnym przełomowym dziełem, King Tubby Meets Rockers Uptown (1976).
Rainford Hugh Perry, lepiej znany jako Lee „Scratch” Perry (3), który opiekował się Wailersami, ustanowił standard odniesienia dla kolejnych pokoleń dzięki Double Seven (1974), pierwszemu albumowi reggae, na którym wykorzystano syntezatory, Revolution Dub (1975) i Super Ape (1976), jednemu z arcydzieł gatunku.
Wirtuoz melodyki Augustus Pablo (2), alias Horace Swaby, jest autorem instrumentalnych albumów This Is Augustus Pablo (1973) iEast of the River Nile (1977), dwóch najbardziej nastrojowych dzieł gatunku.
Talk-over
TM, ®, Copyright © 2003 Piero Scaruffi Wszelkie prawa zastrzeżone.
„Rapowanie” wywodzi się z komplementarnej tradycji „talk-over”.disc-jockeys systemów dźwiękowych używane do towarzyszenia utworów tanecznych z improwizowanych melodyjnych i mówionych wokali, często po prostu dodać entuzjazm do tańca. W końcu stało się to sztuką samą w sobie.U-Roy (Edwart Beckford) był prawdopodobnie pierwszym wielkim artystą talk-over, człowiekiem, który przekształcił dub w wysoce efektywny nośnik agit-propowych przekazów (Dynamic Fashion Way, 1969; Runaway Girl, 1976; Wake the Town, Wear You to the Ball).Innymi pionierami rapowania byli Dennis „Alcapone” Smith, z Forever Version (1971), Prince Jazzbo i I Roy.Big Youth (Manley Buchanan) podniósł stawkę swoimi dzikimi socjopolitycznymi rapsami (S-90 Skank, 1972; The Killer, 1973; House Of Dread Locks, 1975; Every Nigger Is A Star, 1976), najbardziej efektywnie w Dreadlocks Dread (1975).Początkowo technika tych „tosterów” polegała na remiksowaniu cudzych utworów, usuwaniu oryginalnych wokali, podkreślaniu podstawy rytmicznej i dogrywaniu własnych rymowanych historyjek do powstałego w ten sposób utworu.
Złota era reggae
TM, ®, Copyright © 2003 Piero Scaruffi Wszelkie prawa zastrzeżone.
W miarę jak reggae stawało się światową atrakcją, style mnożyły się i inbredowały z gatunkami amerykańskimi.
Burning Spear (1), projekt rastafariańskiego wizjonera Winstona Rodneya, uwolnił naładowanego Marcusa Garveya (1976), być może najwyższe osiągnięcie artystyczne muzyki reggae.
Wokalne trio Culture Josepha Hilla było równie namiętne, a tytułowy utwór z Two Sevens Clash (1977) stał się hymnem rasta-punkowców i ukuł miano „rockers reggae”.
Ijahman Levi (Trevor Sutherland) był chyba najbardziej uduchowionym wokalistą swojego pokolenia. Jego piosenki były religijnymi hymnami (Jah Heavy Lord, 1975; I’m A Levi, 1978; Are We A Warrior, 1978).
Ex-Wailers Peter Tosh, czyli Winston Hubert McIntosh, przekroczył rockowe terytorium z Legalize It (1976).
Inne popularne klasyki to Police And Thieves Juniora Marvina (1976)i Love Is Overdue Gregory’ego Isaacsa (1974).
Jamajskie odrodzenie w Wielkiej Brytanii
(Patrz: British Graffiti)
Reggae i ska cieszyły się dużym odrodzeniem w Wielkiej Brytanii w czasach punka.Począwszy od połowy lat 70-tych, zespoły takie jak Aswad, Steel Pulse, Matumbi iUB40 oferowały zachodnią wersję muzyki jamajskiej, która była raczej bez polotu, ale miały to szczęście, że publiczność znalazła podobieństwa do domyślnych tematów protestu politycznych punków.W tym samym czasie, brytyjskie sensacje odrodzenia ska obejmowały Specials i Madness.Brytyjska muzyka dub była poważniejszą sprawą i trwało to dłużej, zanim się pojawiła. Jednak w dłuższej perspektywie to właśnie muzyka dub, a nie ska czy reggae, utrzymała się na rynku dzięki wysokiej jakości produkcjom Adriana Sherwooda (mózg African Headcharge, Dub Syndicate i New Age Steppers), Jah Shaka i urodzonego w Gujanie Neila Frasera, znanego lepiej jako Mad Professor, który napisał Beyond the Realms Of Dub (1982), a nawet własny New Chapter of Dub (1982) Aswada.Artystyczne szczyty osiągnęli pionier dubu i eksperymentator Keith Hudson z Pick A Dub (1976) oraz malarz dźwięku instrumentalnego Dennis Bovell (były członek Matumbi, inżynier, który ukuł fuzję soul-reggae zwaną „Lovers Rock”) zeStrictly Dubwise (1978), I Wah Dub (1980), prawdopodobnie jego najbardziej intensywnym wydawnictwem, oraz Brain Damage (1981), kosmopolitycznym dziełem, które łączyło również calypso, rock i funk.Linton Kwesi Johnson, jamajski poeta mieszkający w Anglii, przetransponował nastrój reggae na dubowe kazania, zaaranżowane przez Dennisa Bovella, dotyczące współczesnych problemów lumperproletariatu, podobnie jak inny poeta dubu, Mutabaruka. Ci dubowi poeci byli tak samo muzykalni, jak ich producenci. Kwesi wiele zawdzięczał Bovellowi.
Muzyka jamajska w latach 80-tych
(Patrz: The New Age i World-music)
Wokalne trio Black Uhuru, wspierane przez sekcję rytmiczną Sly’a Dunbara i Robbiego Shakespeare’a, opakowało reggae i rastafarianizm w zgrabną produkcję maszyn perkusyjnych i syntezatorów, zwłaszcza na płycie Red (1981).
Third World oferował komercyjną fuzję reggae, funku i soulu.
Innowatorami następnej generacji byli: toaster i turntablista Yellowman (Winston Foster), pionier „dancehallu” (muzyki reggae z rockową perkusją), który zyskał sławę dzięki płycie Mister Yellowman (1982), artyści crossoverowi, tacy jak Eddy Grant, z elektroniczną fuzją afro-rock-reggae-funk na płycieWalking on Sunshine (1979), Eek-a-Mouse (Ripton Joseph Hylton), który wymyślił unikalną technikę wokalną, która nawiązywała do wczesnych dni toastu, jak pokazano na Wa Do Dem (1982), iMikey Dread (Michael Campbell), który spreparował African Anthem/ At The Control Dubwise (1979), z pomocą Scientist, King Tubby, Augustus Pablo i Sly & Robbie, i World War III (1981), z pomocą Scientist, po współpracy z punk-rockowym zespołem Clash.
Jeśli chodzi o dub, King Tubby wychował całe pokolenie inżynierów nagrań, którzy stali się innowatorami muzyki jamajskiej, jak Prince Jammy (Lloyd James), który stworzył całkowicie cyfrowe reggae Under Me Sleng Teng (1985), uważane za wynalazek „ragga” (fuzja reggae, rapu i elektronicznej muzyki tanecznej), oraz Scientist (Overton Brown).
Do popularnych muzyków reggae lat 80. należała Judy Mowatt, która jako wokalistka wspierająca Marleya była jedną z pierwszych kobiet w reggae, a jako solistka przekroczyła granice popowo-soulowej ballady,Alpha Blondy (Kone Seydou), społeczno-polityczny bard z Wybrzeża Kości Słoniowej, oraz David „Ziggy” Marley, syn proroka, który sprzedał mit ojca międzynarodowym tłumom disco-popu.Dancehallowy toster Shabba Ranks (Rexton Gordon) i Shinehead (Carl Aiken) byli gwiazdami ragga hip-hopu.
Gwiazdą lat 90. byłBuju Banton (Mark Anthony Myrie), ujawniony przez Til Shiloh (1995).