Songs wie ‚Summertime‘, ‚Someone to Watch Over Me‘, ‚My Funny Valentine‘, ‚Let’s Face The Music And Dance‘ und ‚Some Enchanted Evening‘ sind so bekannt, dass sie Teil des kulturellen Gefüges Amerikas zu sein scheinen. Sie sind nur fünf Meisterwerke in einem Kanon, der heute weithin als The Great American Songbook bekannt ist. Dabei handelt es sich nicht um ein echtes Buch, sondern eher um einen Begriff, der sich auf Melodien des Broadway-Musiktheaters, der Hollywood-Filmmusicals und der Tin Pan Alley (dem Zentrum des Songwritings, das die Musikverlegerzeile in der New Yorker West 28th Street war) bezieht. Die Songs wurden zum Kernrepertoire von Jazzmusikern während dieser Periode, die sich ungefähr von 1920 bis 1960 erstreckte.
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Die Entstehung der „Standards“ im frühen 20. Jahrhundert
Die „Standards“ sind heute genauso beliebt wie vor mehr als einem halben Jahrhundert; die Musik transzendiert einfach die Ära, in der die Songs geschrieben wurden. Sie zeichnen sich durch geschickte und witzige Texte aus, die die Idee von High-Society-Raffinesse heraufbeschwören. Jahrhunderts – das Jazz-Zeitalter der 20er Jahre, die große Depression, die melancholischen Kriegsjahre – hatten etwas an sich, das eine Musik hervorbrachte, die wahrhaft erhebend und herrlich sentimental war.
Nur als das Geld am Broadway nach der Depression knapp wurde, zogen einige Top-Songwriter nach Hollywood, wo die Filmstudios boomten und gutes Geld für Songs zahlten. George und Ira Gershwin zogen 1934 nach Beverly Hills, wo sie Songs für die Filme mit Fred Astaire und Ginger Rogers schrieben. Es war der Ort, an dem George mit nur 37 Jahren an einem Gehirntumor starb. Harry Warren war ein weiterer Songwriter, der nach Los Angeles zog, wo er eine glanzvolle Karriere machte. Er gewann drei Oscars und komponierte eine Reihe denkwürdiger Songs, darunter „Jeepers Creepers“, „That’s Amore“, „Chattanooga Choo Choo“ und „We’re In The Money“.
Obwohl die meisten der Top-Songwriter Männer waren, war Dorothy Fields eine weibliche Vorreiterin. Fields, die 1974 starb, verdiente sich ihren ersten Durchbruch als Co-Autorin mit Jimmy McHugh. Zusammen schrieben sie Klassiker wie „I Can’t Give You Anything But Love“ (ein Song, den Billie Holiday mit so viel Elan vorträgt) und „On The Sunny Side Of The Street“. Fields schrieb Spezialnummern für Cotton Club-Revuen, von denen viele später von Duke Ellington aufgenommen wurden; in den 50er Jahren kam sie zu ihrem Recht und schrieb für den Broadway. Zu ihren 400 Songs gehörten die Standards ‚The Way You Look Tonight‘ und ‚A Fine Romance‘.
Bandleader und Pianist Ellington hatte die seltene Fähigkeit, Nostalgie einzufangen, und seine bahnbrechenden Songs wie ‚Sophisticated Lady‘, ‚Mood Indigo‘, ‚Prelude To A Kiss‘ und ‚In A Sentimental Mood‘ zeigten seine Qualitäten als Songwriter über mehr als 50 Jahre hinweg. „Praktisch alles, was wir schrieben“, sagte Ellington, „sollte ein Bild von etwas sein, ein repräsentativer Charakter.“
Was kam zuerst? Die Musik oder die Texte?
Was kam also zuerst, die Musik oder die Texte? Das kam auf das Autorenteam an. Im Allgemeinen kam die Musik von Richard Rodgers vor den Worten von Lorenz Hart, aber es war umgekehrt, wenn Rodgers mit Oscar Hammerstein zusammenarbeitete. Obwohl viele der berühmten Kompositionen von einem Duo geschrieben wurden (einer komponierte die Musik und einer schrieb den Text), gab es drei Genies, die regelmäßig ihren eigenen Text komponierten und schrieben: Irving Berlin, Cole Porter und Noël Coward.
Porter schrieb in den 40er und 50er Jahren auch Songs für große Hollywood-Filme, unter anderem für „High Society“, in dem Bing Crosby, Frank Sinatra und Grace Kelly die Hauptrollen spielten. Porter hatte nie Angst davor, clever zu sein, wie er in ‚Brush Up Your Shakespeare‘ für das Musical Kiss Me Kate von 1948 zeigte, das die ehrgeizig originellen Zeilen enthielt: „Just declaim a few lines from Othello/And they think you’re a helluva fella.“
Viele Songwriter (wie Jerome Kern und Richard Rodgers) waren klassisch ausgebildet. George Gershwin, dessen „Rhapsody In Blue“ ein Höhepunkt der Musikgeschichte bleibt, war unnachgiebig, dass es keine unüberbrückbare Kluft zwischen ernster und populärer Musik geben muss, und er wollte Zuhörer beider Geschmäcker ansprechen.
Solch hochwertige Songs sind das perfekte Vehikel für die Interpretation und Improvisation eines Interpreten, und manche Nummern bleiben eher wegen des Sängers als wegen des Schreibers in Erinnerung. Wenn man „Over The Rainbow“ erwähnt, denken die Leute eher an Judy Garlands schwebende Version für den Film „Der Zauberer von Oz“ aus dem Jahr 1939 als an die großartige Arbeit der Komponisten Harold Arlen und Yip Harburg.
Nur wenige Sängerinnen haben es jemals mit Ella Fitzgerald als Interpretin von Songs aufgenommen. Ihre Serie von Alben, die das Great American Songbook erkunden, Songwriter für Songwriter, ist eine der bemerkenswertesten Serien von Aufnahmen in der Geschichte der populären Musik. Der Umfang der Auswahl ist vielleicht nie erreicht worden (und es gab brillante Arrangements von Leuten wie Buddy Bregman), als sie die Arbeit von Porter, Berlin, Kern, Ellington, Rodgers & Hart, Arlen, Mercer und den Gershwins feierte.
Ella Fitzgerald erkundet das Great American Songbook
Fitzgerald war während der gesamten Sessions entspannt und für gewöhnlich gründlich vorbereitet (wie auch Frank Sinatra, der oft tagelang über den Texten brütete). Ihr einziger ängstlicher Moment kam, als Duke Ellington in letzter Minute mit auf einem Umschlag skizzierten Arrangements ins Studio kam. Obwohl Fitzgerald in Tränen ausbrach, konnte nichts eine so vollendete Sängerin zurückhalten, und ihre Version von „Don’t Get Around Much Anymore“ aus dieser Session ist eine ihrer besten Aufnahmen überhaupt. Selbst für eine so talentierte Sängerin wie Fitzgerald war die Qualität der Songs etwas Seltenes und Schönes. „All diese Songbooks halfen mir, in Bereiche vorzudringen, die ich vorher nie spielen konnte“, sagte sie.
Fitzgeralds Interpretationen von Porter-Songs wie ‚Let’s Do It (Let’s Fall In Love‘) und ‚Ev’ry Time We Say Goodbye‘ sind ein reines Vergnügen, weil sie in der Lage war, das Beste aus den ausgefeilten Texten herauszuholen, die oft mit raffinierten Reimen versehen waren. Einige der Texte waren auch witzig und gewagt. Porters Song „Love For Sale“ zum Beispiel, in dem es um eine New Yorker Prostituierte geht, wurde in den 30er Jahren als zu explizit für das Radio erachtet, ist aber dennoch zu einem Standard geworden, der unter anderem von Holiday und Elvis Costello gesungen wurde. (Ella und Billie, die beiden großen Damen des Jazz, haben oft denselben Song gecovert, und es ist Geschmackssache, wessen Version von „Summertime“ man bevorzugt. A Fine Romance‘ oder ‚Embraceable You‘ Sie bevorzugen.)
Eine Stimmung einzufangen oder einfach eine originelle Phrase zu erfinden war der Kern vieler erfolgreicher Songbook-Klassiker. Cry Me A River“ wurde ursprünglich für Fitzgerald geschrieben, um in dem Film „Pete Kelly’s Blues“ von 1955 zu singen, wurde aber aus dem Film gestrichen. Der Autor des Songs, Arthur Hamilton, sagte, dass er die Phrase noch nie zuvor gehört hatte, ihm aber die Kombination der Worte gefiel – und die Art und Weise, wie sie von der amerikanischen Sängerin Julie London vorgetragen wurden, hatte etwas Verführerisches an sich. Ihre schwüle, schwelende Version (unterstützt von einer schönen Jazzgitarre von Barney Kessel) wurde 1955 ein Riesenhit. Es war der Song, der ihre Karriere begründete.
Jazz und das Great American Songbook
Manchmal begann ein Standard als Flop, wie bei „Here’s That Rainy Day“. Jimmy Van Heusen und Johnny Vurke schrieben den Song 1953 für das Musical Carnival In Flanders, aber die Show wurde nach nur sechs Aufführungen eingestellt. Erst Sinatras Version, sechs Jahre später, machte den Song zum Klassiker, der später von Hunderten von Künstlern aufgenommen wurde, vom Country-Sänger Kenny Rogers bis zu den Jazz-Instrumentalisten Coleman Hawkins und Chet Baker.
Jazz und das Great American Songbook sind untrennbar miteinander verbunden. Die Songwriter, vor allem Berlin, Porter und Gershwin, verstanden das Genre, und die Musiker, wie Lester Young, Benny Carter und Oscar Peterson, waren in der Lage, echtes Gefühl in ihre Interpretationen der Songs zu bringen. Sie nahmen auch Versionen mit atemberaubenden Improvisationen auf – einige der besten davon waren auf Instrumentalstücken zu hören. In diese Kategorie fallen Charlie Parkers Version von Porters „What Is This Thing Called Love“, John Coltranes hypnotische, unnachahmliche Version von „My Favorite Things“, Bill Evans‘ opulentes „What Is This Thing Called Love?‘ und Thelonious Monks mitreißende Bebop-Version von ‚Tea For Two‘, die so ganz anders war als die Art und Weise, wie der Song von Fats Waller oder Gene Krupa gecovert wurde.
Der Trompeter und Sänger Louis Armstrong hatte seine eigene erfolgreiche Beziehung zum Great American Songbook. Bing Crosby etablierte im August 1931 die süße Ballade „Stardust“ als Popsong. Drei Monate später reagierte Armstrong auf Crosbys einschmeichelnden Bariton mit einer Interpretation, die sowohl Melodie als auch Text seinen eigenen, einzigartigen Entwürfen unterwarf. Der Song, in diesen zwei verschiedenen Versionen, illustriert die Interpretationsmöglichkeiten des Songbooks in Bezug auf Pop und Jazz. Crosby und Armstrong gaben auch herrlich unterschiedliche Versionen von „Just A Gigolo“, einer Wiener Melodie, die von Irving brillant für das Englische adaptiert wurde. Der Song bleibt eine von Satchmos herausragenden Aufnahmen, während seine Zusammenarbeit mit Fitzgerald bei einigen der Songbook-Klassiker ebenfalls unverzichtbar ist.
Crosbys Stimme hatte einen großen Einfluss auf Sinatra – beide Männer hatten einen Hit mit „I Guess I’ll Have To Change My Plan“ – und es war wohl Sinatra, der viele der heute klassischen Songs bei Zuhörern populär machte, die keine eingefleischten Jazz-Fans waren. Er hob die Bedeutung der Texte mit seiner kraftvollen Diktion und Phrasierung hervor, während einige der Arrangements seiner Klassiker auf jeder Ebene erhaben sind – und Sinatra konnte mit ihnen mithalten, weil er die Fähigkeit hatte, sich in einen Song hineinzuversetzen. Er nahm Alec Wilders Klassiker „I’ll Be Around“ aus dem Jahr 1942 zweimal auf, und obwohl es von zahlreichen Größen wie Cab Calloway und Peggy Lee gute Versionen des Songs gab, war Wilder der Meinung, dass Sinatras Gespür für die erzählerischen Aspekte des Songs seiner Aufnahme den Vorzug als beste Coverversion gab.
Sinatra übt noch lange nach seinem Tod 1998 einen starken Einfluss aus. Der Nobelpreisträger Bob Dylan, der drei Alben mit Auszügen aus dem Great American Songbook veröffentlicht hat, sagte: „Wenn du anfängst, diese Songs zu machen, musst du an Frank denken. Denn er ist der Berg. Das ist der Berg, den man erklimmen muss, auch wenn man nur einen Teil des Weges dorthin schafft. Und es wäre schwer, einen Song zu finden, den er nicht gemacht hat.“
Andere ikonische Sänger des 20. Jahrhunderts sind Lena Horne, Sarah Vaughan, Al Jolson, Dean Martin und Mel Tormé. Der in Chicago geborene Tormé, der den Spitznamen „The Velvet Fog“ trug, war ein begnadeter Sänger und Scat-Vokalist, der einige großartige Jazz-Platten für Verve machte. Er sang sich in den 50er Jahren durch das Great American Songbook, aber erst in den 70er Jahren erlangte er die Anerkennung, die er verdiente.
Rock’n’Roll kommt
Mit dem Aufkommen des Rock’n’Roll veränderte sich die Musik in den 50er und 60er Jahren grundlegend, eine Zeit, die mit dem Zusammenbruch der Notenindustrie zusammenfiel. Die Tradition der guten Songwriter-Partnerschaften (beispielhaft durch die „That’s Entertainment!“-Schöpfer Arthur Schwartz und Howard Dietz) wurde jedoch in der Nachkriegszeit fortgesetzt, als eine neue Generation von Songwritern begann, ihre eigenen Versionen klassischer amerikanischer Songs für einen modernen Rock- und Pop-Markt zu schreiben. Zu dieser neuen Generation von Songwritern gehörte vor allem der äußerst talentierte Burt Bacharach, besonders wenn er mit dem Texter Hal David zusammenarbeitete.
Burt Bacharach und Hal David führten die Tradition des Great American Songbook in die 60er Jahre. Unterschiedlicher hätten die beiden Männer kaum sein können. David, der sieben Jahre älter als Bacharach war und Songs für Sinatra geschrieben hatte, war ein altmodischer Familienmensch, der jeden Tag von seinem Haus auf Long Island nach New York pendelte. Bacharach war ein kultivierter Frauenheld, doch ihre Partnerschaft sollte eine der fruchtbarsten in der Geschichte der populären Musik werden, beginnend mit dem Song „Magic Moments“ von 1957, einem Hit für Perry Como. Ein weiteres Duo, das wunderbare Songs für eine neue Ära schuf, war der Texter Jerry Leiber und der Komponist Mike Stoller.
Die Wiederbelebung des Great American Songbook
Die erstaunliche Wiederbelebung des Great American Songbook kam im 21. Jahrhundert, aber die Saat wurde in den 70er Jahren gesät, einer Zeit, in der der Singer-Songwriter begann, sich durchzusetzen. Man sollte Ringo Starr Anerkennung zollen, der als erster „moderner“ Musiker versuchte, den Klassikern neues Leben einzuhauchen. Der wiederbelebte Trend begann mit dem 1970er-Album Sentimental Journey des Beatles-Schlagzeugers, das Songs von Porter und Carmichael enthielt, die zu den Lieblingsliedern seiner Mutter gehört hatten. Es folgten das Album von Carmen McRae aus dem Jahr 1972 und dann Willie Nelsons bahnbrechendes Album Stardust aus dem Jahr 1978, das Dylans spätere Platten stark inspirierte.
Nelson, der mit den Songs der 40er und 50er Jahre aufgewachsen war, erhielt 2015 den renommierten Library Of Congress Gershwin Prize For Popular Song. Vielleicht davon inspiriert, kehrte der Country-Musik-Star 2016 mit dem Album Summertime an den Brunnen zurück: Willie Nelson Sings Gershwin, das ein Duett mit Cyndi Lauper auf „Let’s Call The Whole Thing Off“ enthält.
Auch die Country-Sängerin Linda Rondstadt hat 1983 mit „What’s New“ einen Weg eingeschlagen. Das Besondere an Ronstadts Songbook-Album war, dass sie mit dem Arrangeur Nelson Riddle zusammenarbeitete, dem Mann, der mit seinen eleganten Streicherarrangements so viel für die Musik von Frank Sinatra getan hatte.
Nicht alle Musiker, die sich in den letzten 40 Jahren mit dem Great American Songbook auseinandergesetzt haben, haben sich für den vollen Big-Band-Sound der Blütezeit der Musik entschieden, aber es gab viele interessante Inkarnationen, darunter Alben von Joni Mitchell, Luciano Pavarotti, Dinah Washington, Harry Nilsson, Carly Simon, Bette Midler, Rufus Wainwright, Dr. John, Annie Lennox, Nina Simone, Sinead O’Connor, Harry Connick Jr., Diana Krall, Paul McCartney und die äußerst populären Alben von Rod Stewart.
Michael Bublé, der von seinem Großvater in die Standards eingeführt wurde, besteht darauf, dass die Anziehungskraft der Songs nicht nur eine Frage der Nostalgie ist. Der kanadische Sänger sagte: „Ich war immer von diesem Stil angetan. Mel Tormé oder Ella Fitzgerald oder Frank Sinatra als Kind zu hören, war so großartig, weil sie diese liebliche Klangqualität hatten, die ich bei modernen Sängern nicht gehört hatte.
Die verstorbene Natalie Cole, die 1991 mit dem Tribute-Album „Unforgettable“ (und dem 2008 erschienenen Nachfolger „Still Unforgettable“) große Erfolge feierte, hatte offensichtlich die Inspiration ihres Vaters Nat King Cole vor Augen, der zu einer Zeit, als seine Tochter noch ein Kleinkind war, großartige Songs wie „Fly Me To The Moon“ im neuen Medium Fernsehen popularisierte.
Als er in den 70er Jahren in den Siebzigern war, beklagte sich der verstorbene Harold Arlen, dass „niemand mehr Melodien will“. Vielleicht hätte ihn das Revival klassischer Songs ermutigt, das sogar dazu geführt hat, dass sich der alte Maestro Tony Bennett mit Lady Gaga auf dem 2014 erschienenen Album „Cheek To Cheek“ zusammengetan hat. Vielleicht hätte Arlen darüber gelächelt, wie eine neue Generation junger Zuhörer (über eine moderne Pop-Ikone wie Gaga) an das Werk von Berlin herangeführt wird, mit zeitlosen Texten wie „Heaven, I’m in Heaven/And the cares that hang around me through the week/Seem to vanish like a gambler’s lucky streak/When we’re out together dancing, cheek to cheek.“
Die Namen einiger der größten Texter verblassen möglicherweise (wie viele Leute hören sich „Heart And Soul“ oder den weihnachtlichen Dauerbrenner „Baby, It’s Cold Outside“ an und wissen, dass sie nur zwei der Klassiker sind, die von Frank Loesser geschrieben wurden?), aber die schier atemlose Qualität der Texte ist der Grund, warum so viele der Songs selbst nie vergessen werden. Mittlerweile gibt es sogar die The Great American Songbook Foundation, die 2017 ihre achte jährliche Sommerakademie für begabte junge Musiker durchführen wird.
Das Great American Songbook ist eine der speziellsten und einzigartigsten Schöpfungen der amerikanischen Kultur. Lasst uns alle der Musik ins Gesicht sehen und tanzen.
