Selbst die allerbesten Jazz-Gitarristen erhalten selten die Aufmerksamkeit und den Beifall, den die Bläser des Genres – insbesondere Saxophonisten und Trompeter – erhalten. Vielleicht liegt das daran, dass die Gitarre, die das Banjo in den Rhythmusgruppen des Jazz ablöste, traditionell vor allem als unterstützendes und begleitendes Instrument wahrgenommen wurde und nicht als brauchbares Vehikel für Soloimprovisationen.
Ein weiterer Grund, warum das Rampenlicht in den Anfangsjahren der Musik nicht auf Jazzgitarristen fiel, war, dass ihr Instrument akustisch war und nicht die Fähigkeit hatte, sich durch den Rest des Ensembles zu schneiden, wie es Blech- und Holzblasinstrumente konnten. Während sich die Bläser im Rampenlicht sonnten, mussten sich die Gitarristen damit begnügen, Akkorde zu klimpern und im Hintergrund zu komponieren.
Aber die elektrische Verstärkung veränderte alles für die Rolle der Gitarre im Jazz. Die 1931 eingeführte E-Gitarre mit hohlem Korpus wurde sofort von Gitarristen begehrt, die in der Swing-Ära der blechlastigen Bigbands darum kämpften, gehört zu werden. Nun aber war nicht nur ihre perkussive Rhythmusarbeit im Verhältnis zum Rest des Ensembles deutlich hörbar, sondern auch die Möglichkeit, Solopassagen zu spielen, war eine greifbare Realität geworden. Dennoch waren den besten Jazzgitarristen der Ära – wie Freddie Greene von der Count Basie Band, einem der herausragenden Axtmänner der Swing-Ära – aufgrund des treibenden Charakters des Big-Band-Swing und seiner Betonung des Zusammenspiels der Bläser nur selten Solopassagen vergönnt oder gar erwünscht.
Aber es gab Ausnahmen. Da wäre Django Reinhardt, der revolutionäre belgische Zigeunergitarrist, der sich in kleineren Ensembles einen Namen machte und die Rolle der Gitarre im Jazz neu definierte. Seine phänomenale Griffbrettarbeit war eine Inspiration für Gitarristen auf der ganzen Welt und brachte eine neue Generation von Jazzgitarren-Stars hervor: virtuose Solisten ebenso wie solide Männer der Rhythmusgruppe.
Charlie Christian war der nächste bedeutende Gitarrist im Jazz. Als Teil von Benny Goodmans Band verblüffte er mit seiner Fähigkeit, Soli mit einzelnen, fließenden melodischen Linien wie ein Hornist zu spielen. Christians fortschrittliche harmonische Konzeption nahm die Entwicklung des Bebop vorweg, der zwar eine von Bläsern angeführte Klangrevolution war (seine Hauptarchitekten waren der Saxophonist Charlie Parker und der Trompeter Dizzy Gillespie), aber dennoch einigen der besten Jazzgitarristen der 40er und 50er Jahre ein wenig das Rampenlicht ersparte.
In den 50er Jahren wuchsen sie über sich hinaus, doch der Gitarrist, der über allen anderen stand, war ein bescheidenes Genie aus Indianapolis namens Wes Montgomery, der in den 50er und 60er Jahren zu Ruhm gelangte. Montgomery konnte, wie sein Idol Charlie Christian, Single-Note-Linien wie ein Hornist spielen, aber auch Akkorde und Oktaven in seine Soli einbauen. Seine atemberaubenden Fähigkeiten ließen ihn übermenschlich erscheinen und er wurde bald als einer der besten Jazzgitarristen gefeiert, die je auf diesem Planeten gewandelt sind.
Montgomerys Einfluss war tief und weitreichend, aber in den 60er Jahren kam eine neue Art von Jazzgitarristen auf (man denke an Larry Coryell und John McLaughlin), die die komplexe harmonische Sprache des Jazz mit der hochdeziblen Dynamik der Rockmusik kombinierten.
Seitdem sind Jazzgitarristen (Pat Metheny, zum Beispiel) im Allgemeinen eine eklektischere Rasse, die eine Reihe von Einflüssen, Klängen und Stilelementen aus allen möglichen musikalischen Quellen absorbiert. Aber eine Sache, die sie alle eint, ist ihre Schuld gegenüber den frühen Pionieren, die die Jazzgitarre aus dem Schatten ins Licht holten.
Während Sie lesen, hören Sie sich hier unsere Playlist der besten Jazzgitarristen an.
Hier ist unsere Übersicht der 50 besten Jazz-Gitarristen aller Zeiten…
50: John Pizzarelli (geb. 1960)
Der Vater, ein bekannter Gitarrist (Swing-Spezialist Bucky Pizzarelli), beschleunigte zweifellos die musikalische Entwicklung dieses Griffbrett-Spielers aus New Jersey; er spielte schon als Teenager mit Größen wie Benny Goodman und Clark Terry. Pizzarellis geschmackvolle Gitarrenarbeit zierte Aufnahmen von so unterschiedlichen Musikern wie Stephane Grappelli, Rosemary Clooney und Paul McCartney und brachte ihm einen Namen als einer der besten Jazzgitarristen seiner Generation ein.
49: Norman Brown (geb. 1970)
Jimi Hendrix und die Isley Brothers waren die ersten Einflüsse dieses in Kansas City geborenen und mit einem Grammy ausgezeichneten Gitarristen, aber er änderte seine Richtung, nachdem er Wes Montgomery gehört hatte. In den 90er Jahren begann Brown seine Solokarriere, in der er eine geschmackvolle Mischung aus George Benson-ähnlichen melodischen Linien über tuckernden, sinnlichen Smooth-Jazz-Grooves servierte.
48: Mary Osborne (1921-1992)
Frauen an der Gitarre sind im Jazz selten, aber diese Saitenzupferin aus North Dakota, deren musikalische Wurzeln Ragtime und Country-Musik miteinander verbanden, konnte es mit den männlichen Gitarristen mehr als aufnehmen. Osborne eroberte New York in den 40er Jahren im Sturm, nahm aber nur wenige Platten unter ihrem eigenen Namen auf.
47: Russell Malone (geb. 1963)
Dieser Gitarrist aus Georgia ist zwar ein gefragter Sideman (er spielte u.a. mit Jimmy Smith, Diana Krall, Roy Hargrove, Harry Connick Jr. und Sonny Rollins), hat aber auch eine Reihe von guten Soloalben vorzuweisen. Malone wählt einen traditionelleren, geradlinigen, Bop-angehauchten Ansatz für die Jazzgitarre, bevorzugt einen satten, weichen Ton und kombiniert Grant Green-eske, bläserähnliche Melodien mit subtilen Akkordfolgen.
46: Emily Remler (1957-1990)
Ein tragischer Herzinfarkt beraubte die Welt des Talents dieser in Manhattan geborenen Gitarristin, die im Alter von 10 Jahren zu spielen begann. Obwohl sie ihren Vorbildern Wes Montgomery und Joe Pass verpflichtet war, hat sich Remler ihren Platz unter den besten Jazzgitarristen der Geschichte verdient, dank der Entwicklung ihres eigenen Stils, der eine träge Anmut und emotionale Intelligenz mit virtuoser Griffbrettarbeit verband.
45: Charlie Hunter (geb. 1967)
Der aus Rhode Island stammende Hunter begnügt sich nicht mit der normalen sechssaitigen Gitarre, sondern spielt lieber auf speziell angefertigten sieben- und achtsaitigen Instrumenten, auf denen er Basslinien spielen und kontrapunktische Muster erzeugen kann. In den frühen 90er Jahren war er Mitglied von Michael Frantis The Disposable Heroes Of Hiphoprisy, doch schon bald darauf startete er eine Solokarriere und verbrachte fünf Jahre bei Blue Note. Indem er seine Jazz-DNA mit Funk-, R&B-, Rock- und Pop-Elementen verbindet, ist Hunter der Autor eines unklassifizierbaren Sounds und Stils, der ihn zu einer einzigartigen Stimme unter den weltbesten Jazzgitarristen macht.
44: Kurt Rosenwinkel (geb. 1970)
Nicht abgeneigt, eine Reihe von Effektpedalen und Gitarrensynthesizern zu benutzen – ein Gräuel für die meisten geradlinigen Jazzgitarristen – geht dieser Sohn Philadelphias auch gerne kreative Risiken ein und experimentiert in verschiedenen musikalischen Umgebungen. Berühmt wurde er durch seine Zusammenarbeit mit der Hip-Hop-Gruppe A Tribe Called Quest und ihrem Anführer Q-Tip. Ein unberechenbarer Spieler, der immer wieder überrascht.
43: Julian Lage (geb. 1987)
Der aus Santa Rosa, Kalifornien, stammende Lage ist ein Wunderkind, das schon als Teenager mit dem Vibraphon-Maestro Gary Burton zusammenarbeitete und zur Avantgarde der neuesten Generation von Jazzgitarren-Stars gehört. Obwohl er erst vier Soloalben veröffentlicht hat, wächst Lages Ruf dank seines Könnens, seiner Vorstellungskraft und der Kreation eines ganz eigenen Sounds. Obwohl er noch sehr jung ist, hat er das Zeug zu einem Talent, das in den kommenden Jahren in die Riege der weltbesten Jazzgitarristen aufsteigen könnte.
42: Earl Klugh (geb. 1953)
Der in Detroit geborene Klugh, ein Schüler der nylonsaitigen spanischen Gitarre, wurde zum Instrument inspiriert, nachdem er den Country-Star Chet Atkins im Fernsehen sah. Als frühreifes Talent wurde er von der Jazzgröße Yusef Lateef gefördert und spielte dann mit George Benson, bevor er sich in den späten 70er Jahren als Solokünstler etablierte. Klugh ist ein geschmackvoller, sensibler Musiker, dessen klare Filigranität auf dem Griffbrett anmutig wiedergegeben wird. Sein markanter Sound ist eine Mischung aus Schlichtheit und Eleganz.
41: James „Blood“ Ulmer (geb. 1940)
Anfänglich ein orthodoxer Rhythm’n’Blues-Axtschwinger, änderte Ulmer seinen Stil in den frühen 70er Jahren radikal, als er in den Bann des Free-Jazz-Meisters Ornette Coleman und dessen revolutionärem Harmolodic-Konzept (ein einzigartiges System für kollektive Improvisation) geriet. Als Ergebnis schuf Ulmer ein diskursives Idiom, das durch kratzige Akkorde und zerklüftete melodische Splitter definiert ist. In jüngerer Zeit hat Ulmer seine Blues-Wurzeln erforscht, obwohl seine sui generis Herangehensweise an die Jazz-Gitarre unter den besten Jazz-Gitarristen der Geschichte unvergleichlich bleibt.
40: Eric Gale (1938-1994)
Ein produktives Session-Ass mit perfektem Gehör, dessen musikalische Hauptdomäne R&B und Funk war, konnte Gale – wie einige seiner Soloalben bewiesen – auch eine gemeine und geschickte Bop-beeinflusste Jazzgitarre spielen. An der Wurzel seines Sounds lag ein tiefer Blues-Kern, der sich in einem klagenden, BB King-esken, weinenden Ton manifestierte.
39: Eddie Lang (1902-1933)
Ein entscheidender Architekt in der Entwicklung der Bigband-Swing-Gitarre (er spielte in den frühen 30er Jahren in den großen Ensembles von Paul Whiteman und Bing Crosby), Lang (geboren als Salvatore Massarro) verdient seinen Platz unter den weltbesten Jazz-Gitarristen dank der entscheidenden Rolle, die er dabei spielte, die Gitarre als ein brauchbares Jazz-Instrument zu akzeptieren (und das traditionelle Banjo zu ersetzen). Als großer Einfluss auf Django Reinhardt wird Eddie Lang zu Recht als der „Vater der Jazzgitarre“ bezeichnet.“
38: Larry Carlton (geb. 1948)
Wie seine Zeitgenossen Steve Khan und Lee Ritenour war Larry Carlton in den 70er Jahren ein gefragter Session-Gitarrist und sein unverwechselbarer, vom Jazz beeinflusster Blues-Rock-Sound prägte bahnbrechende Alben wie Steely Dans The Royal Scam und Joni Mitchells Hejira. Carltons eigene Arbeit war eher fusionsorientiert, wobei seine frühen Alben ein Vorläufer dessen waren, was heute als Smooth Jazz bezeichnet wird.
37: Laurindo Almeida (1917-1995)
Der aus São Paulo stammende Autodidakt Almeida kam in die USA, indem er den lukrativen Song „Johnny Peddler“ schrieb, der ein Hit für die Gesangsgruppe The Andrews Sisters wurde. Danach schloss er sich der Band von Stan Kenton an und fand neben seinen zahlreichen Aufnahmen auch viel Arbeit als Session-Musiker an der Westküste. Almeida, der sowohl auf der akustischen als auch auf der elektrischen Gitarre zu Hause war, war ein Pionier, der den Jazz mit den Klängen und Stilen Brasiliens verband.
36: George Van Eps (1913-1998)
Dieser in New Jersey geborene Gitarrist mit seinem weichen, abgerundeten Ton wurde als Jugendlicher zunächst vom Banjo angezogen, wechselte aber zur Gitarre, nachdem er Eddie Lang in einer Big Band spielen hörte. Mit 13 Jahren debütierte er im Radio, und in den 30er Jahren, als sein Bekanntheitsgrad zunahm, spielte er in mehreren Big Bands, unter anderem in der von Bennie Goodman. Van Eps entwarf seine eigene siebensaitige Gitarre, die tiefere Basstöne hinzufügte und ihm erlaubte, seinen eigenen Finger-Picking-Stil zu entwickeln.
35: Sonny Sharrock (1940-1994)
Nicht viele der weltbesten Jazzgitarristen können auch von sich behaupten, in den 50er Jahren mit Doo-Wop angefangen zu haben. So begann der New Yorker Warren „Sonny“ Sharrock seine Karriere, obwohl er in den 60er Jahren zu einem der führenden Köpfe der avantgardistischen Jazzgitarre wurde. Das Saxophon war sein bevorzugtes Instrument (er hatte sich in den Sound von John Coltrane verliebt), aber sein Asthma hinderte ihn daran, ein Holzblasinstrument zu spielen. Stattdessen wandte er sich der Gitarre zu, und sein charakteristischer Stil – der laut und funky war – verwendete bläserähnliche Lead-Linien sowie rockige Verstärker-Rückkopplungen.
34: Howard Roberts (1929-1992)
Er stammte aus Phoenix, Arizona, und nahm seine erste Gitarre im Alter von acht Jahren in die Hand und arbeitete bereits mit 15 Jahren professionell. Er zog nach Los Angeles und war bald ein gefragtes Session-Ass, das schließlich mit der Elitegruppe der Sessioneers, bekannt als The Wrecking Crew, zusammenarbeitete. Als Anhänger der „coolen Schule“ der Westküste verband Roberts‘ Stil eine distanzierte emotionale Zurückhaltung mit fingerfertiger technischer Virtuosität. Er nahm nicht nur viele Soloalben für eine Vielzahl von Labels auf, sondern arbeitete auch als Plattenproduzent. Außerhalb des Jazz wirkte Roberts auf Songs von The Monkees und The Electric Prunes mit.
33: Kevin Eubanks (geb. 1957)
Der Neffe des Jazzpianisten Ray Bryant, der in Philadelphia geborene Eubanks, kam zur Gitarre, nachdem er sich an der Geige und Trompete versucht hatte. Sein großer Durchbruch kam, als er 1980 nach New York zog und mit Art Blakey spielte. 1983 erschien Eubanks‘ Debütalbum und seither nimmt er regelmäßig auf. Als geschickter Gitarrist, der sich sowohl mit elektrischen als auch mit akustischen Instrumenten wohlfühlt, kombiniert Eubanks fließende melodische Linien mit knackigen perkussiven Effekten und einem üppigen harmonischen Gehalt.
32: Bill Connors (geb. 1949)
Obwohl seine Zeit bei Return To Forever kurz war und von der Ankunft seines extravaganten Ersatzes Al Di Meola 1974 überschattet wurde, spielte Connors auf dem bahnbrechenden Hymn Of The Seventh Galaxy-Album der Gruppe und nimmt seinen Platz unter den weltbesten Jazz-Gitarristen ein, dank seiner Bedeutung für die Entwicklung der Jazz-Rock-Gitarre. Der Gitarrist aus Los Angeles schuf einen unverwechselbaren Stil, der Jazz-Chromatik und fortgeschrittene Akkordwechsel mit Elementen des Blues und Rock verbindet.
31: Steve Khan (geb. 1947)
Der Sohn des berühmten Songwriters Sammy Cahn, Steve Khan, zeichnete sich als vielseitiger Studio-Sideman aus (seine Referenzen reichen von Steely Dan und Bob James bis zu Billy Joel und Aretha Franklin), während er eine Solokarriere verfolgte, die ihm zwei Grammy-Nominierungen einbrachte. In den 70er Jahren verschmolz Khan erfolgreich Jazz mit Rock und fügte später pikante Latin-Aromen hinzu, um seine stilistische Palette zu erweitern. Khan nimmt immer noch regelmäßig auf und ist einer der herausragenden Jazzgitarristen der Gegenwart.
30: Lee Ritenour (geb. 1952)
Der in LA geborene Ritenour, der den Spitznamen Captain Fingers trägt, nahm schon als Teenager mit The Mamas & The Papas auf, bevor er zu einem gefragten Session-Ass wurde, zu dessen Kunden Frank Sinatra, Barry White und Aretha Franklin gehörten. Ritenours Solokarriere startete 1976, als er einen Fusion-Pfad einschlug, der funkiger, leichter und weniger grandios war als Bands wie Return To Forever. Er ist auch ein ehemaliges Mitglied der einflussreichen Smooth-Jazz-Gruppe Fourplay.
29: Pat Martino (geb. 1944)
Dieser Axt-Meister aus Philadelphia (geb. Pat Azzara) ist ein musikalischer Gestaltwandler, der mit einem Plektrumklick von Straight-Ahead-Jazz zu Fusion und Post-Bop wechseln kann. Er ging bei den Soul-Jazzern Willis Jackson, Brother Jack McDuff und Richard „Groove“ Holmes in die Lehre, bevor er in der zweiten Hälfte der 60er Jahre seine Solokarriere startete. Um sein Wissen weiterzugeben, hat Martino auch Lehrbücher über das Gitarrenspiel geschrieben.
28: Ralph Towner (geb. 1940)
Obwohl er heute zu den weltbesten Jazz-Gitarristen gehört, war die Gitarre nicht Ralph Turners erstes Instrument der Wahl. Er begann auf der Trompete, wechselte dann zum Klavier und landete schließlich bei der klassischen Gitarre, die er zwei Jahre lang in Österreich studierte. Nachdem er sich im Paul Winter Consort die Zähne ausgebissen hatte, gründete Towner 1970 Oregon, eine rein akustische Band, die Kammerjazz mit östlichen Klängen mischte und ein Vorläufer der New Age Musik war. Obwohl die Band heute noch aktiv ist, hat Towner auch eine fruchtbare Solokarriere genossen, und seine markante Gitarrenarbeit – klar und kristallin – bleibt eine Sache der Schönheit.
27: John Abercrombie (1944-2017)
Der gebürtige New Yorker, der seit den 70er Jahren für Manfred Eichers Münchner ECM-Label aufnahm, nannte Chuck Berry und Barney Kessel als seine Einflüsse. Als Mitglied der bahnbrechenden Jazz-Rock-Band Dreams spielte Abercrombie in den 70er Jahren mit Größen wie Gil Evans und in der Supergroup Gateway, während er einen warmen, pastellfarbenen Sound entwickelte, der von einer melodischen Lyrik durchdrungen war.
26: Bill Frisell (geb. 1951)
Als Schüler der Jazzgitarren-Größen Johnny Smith und Jim Hall hat der in Maryland geborene Frisell seine eigene stilistische Nische gefunden, indem er Jazz mit Elementen aus Country, Folk und Rockmusik mischt. Seine Fähigkeit, mit Effekten eine bestimmte Stimmung oder Atmosphäre heraufzubeschwören, ist ebenfalls Teil seines charakteristischen Stils. Ein eklektischer, vielseitiger Gitarrist, der dazu beigetragen hat, die Grenzen des Instruments zu erweitern.
25: Freddie Greene (1911-1987)
Der aus South Carolina stammende Green war ein langjähriges Mitglied der Count Basie Band und verbrachte fast ein halbes Jahrhundert mit dem Jazz-Aristokraten. Er begann auf dem Banjo, bevor er zur sechssaitigen Gitarre wechselte, und erlangte in der Big-Band-Swing-Ära großen Ruhm. Greene übernahm selten Soli, sondern zog es vor, die Rhythmusgruppe mit einer fließenden und hart swingenden Akkordbegleitung voranzutreiben.
24: Herb Ellis (1921-2010)
Der Bebop-Stil dieses bekannten texanischen Gitarristen hat einen leichten, aber spürbaren Country-Twang, der den meisten Jazz-Liebhabern durch seine unentbehrliche Präsenz im Oscar Peterson Trio in den 50er Jahren aufgefallen ist. Zusammen mit seinen Kollegen Joe Pass, Charlie Byrd und Barney Kessell war Ellis Mitbegründer der Jazzgitarren-Supergruppe The Great Guitars.
23: Al Di Meola (geb. 1954)
Ein wahrer König der Griffbrettgeschwindigkeit, Di Meola aus New Jersey, verschmolz die leidenschaftliche, fingerfertige Intensität der Flamenco-Musik mit dem viszeralen Crunch des Santana-esken Latin-Rock. Er wurde im Alter von 19 Jahren aus der Versenkung geholt, als er Bill Connors in Chick Coreas Return To Forever ersetzte, und startete dann eine erfolgreiche Solokarriere.
22: Lenny Breau (1941-1984)
Der aus Auburn, Maine, stammende Breau, der in eine Familie von Country-Musikern hineingeboren wurde, war als Teenager mehrere Jahre lang Mitglied der Band seiner Familie, verließ sie aber, nachdem er seinen Vater mit einem jazzbetonten Solo verärgert hatte. Danach wandte sich der technisch brillante Breau dem Jazz zu und nahm auch Flamenco-Musik auf, was zu einem unverwechselbaren persönlichen Stil führte, der seine Country-Wurzeln nie vergaß.
21: Mike Stern (geb. 1953)
Der als Mike Sedgwick in Boston geborene Stern spielte in den 70er Jahren in der Fusion-Band von Schlagzeuger Billy Cobham, bevor er sich 1981 dem wiedererstarkten Miles Davis anschloss. Nachdem er Miles ’83 verlassen hatte, begann Stern eine Solokarriere, die ihn zu einem Allround-Gitarristen aufblühen ließ, der die viszerale Kraft von Blues und Rock mit dem fortgeschrittenen Vokabular des Jazz verbinden kann.
20: John Scofield (geb. 1951)
Wie sein Zeitgenosse Mike Stern spielte der in Ohio geborene Scofield Fusion mit Billy Cobham und schloss sich dann zwei Jahre lang einem verjüngten Miles Davis an (er war Sterns Ersatz). Mit seinem bissigen Ton und seinen blueslastigen Saitenzügen entwickelte Scofield einen sofort erkennbaren Stil und hat eine atemberaubende Vielfalt an Stilen aufgenommen (von Jam-Band-Funk über orchestralen Jazz bis hin zu Country-Musik).
19: Charlie Byrd (1925-1999)
Der in Virginia geborene Byrd, ein Verfechter der akustischen, nylonsaitigen, klassischen Gitarre, studierte bei dem spanischen Meister Andre Segovia und begann dann in den späten 50er Jahren, sich einen Namen als Plattenkünstler zu machen. Sein größter Durchbruch im Mainstream war das innovative Album Jazz Samba, das er 1962 zusammen mit dem Saxophonisten Stan Getz aufnahm und auf dem er Jazz-Improvisationen mit gewundenen brasilianischen Rhythmen verschmolz, was ihn sofort zu einem der besten Jazzgitarristen der Welt machte. Byrds Sound mit seinen filigranen Fingerpicks ist einzigartig im Jazz.
18: Allan Holdsworth (1946-2017)
Dieser überirdische britische Jazzgitarrist war so etwas wie ein musikalischer Universalgelehrter, der das Vokabular seines Instruments durch die Verwendung ungewöhnlicher Skalen und die Übernahme von Elementen aus dem Progressive Rock (einschließlich Effektpedalen) weiterentwickelte. Obwohl er oft ein kunstvolles Fingerpicking verwendete, artikulierte er Melodien gerne in einem sanften Legato-Stil, was sein Interesse am Klang des Saxophons widerspiegelte.
17: Larry Coryell (geb. 1943-2017)
Der in Galveston geborene Coryell (richtiger Name Laurence Van DeLinder III) wurde manchmal als Ersatz für Gabor Szabo in der Band von Chico Hamilton bezeichnet und machte sich in den späten 60er Jahren einen Namen als Verfechter einer neuen musikalischen Mischform namens Jazz-Rock. In den 70er Jahren leitete er seine eigene Fusion-Band, Eleventh House, und schloss sich später mit John McLaughlin und Paco de Lucía zu The Guitar Trio zusammen. Als ein äußerst einflussreicher Axt-Gott, der die Kluft zwischen Jazz und Rock überbrückte, wird Coryell für immer als einer der besten Jazz-Gitarristen in Erinnerung bleiben, der jemals das Instrument in die Hand nahm.
16: Jimmy Raney (1927-1995)
Der aus Kentucky stammende Raney, der Tal Farlow im Red Norvo Trio ersetzte, wurde Mitte der 50er Jahre zum Bandleader und triumphierte in dieser Zeit zweimal bei der Wahl zum besten Gitarristen des DownBeat Magazine. Sein eloquenter Stil mit klaren melodischen Linien und coolen Harmonien verschaffte ihm viele Fans. Zu seinen zahlreichen Referenzen gehören Aufnahmen mit Stan Getz, Oliver Nelson, Lalo Schifrin und Eddie Harris.
15: John McLaughlin (geb. 1942)
Miles Davis war von McLaughlins Gitarrenspiel so angetan, dass er einen Song nach ihm benannte (auf Bitches Brew). Davor machte sich der aus Yorkshire stammende Axt-Gott einen Namen als Session-Musiker der ersten Stunde in London während der 60er Jahre, als er auf unzähligen Pop- und R&B-Platten auftrat. Er spielte mit Tony Williams‘ Lifetime, bevor er in den 70er Jahren die einflussreiche Jazz-Rock-Supergruppe Mahavishnu Orchestra mitbegründete. McLaughlin kombiniert technische Brillanz mit emotionaler Tiefe und einer echten Wertschätzung der indischen Musik. Er bleibt einer der besten Jazzgitarristen der Welt und ist seit fünf Jahrzehnten wegweisend für den Jazz-Rock.
14: Gabor Szabo (1936-1982)
Mit seiner Mischung aus ungarischer Zigeunermusik, ausgedehnten modalen Vamps, indischen Ragas und psychedelischen Färbungen übte dieser vielseitige, in Budapest geborene Gitarrist einen großen Einfluss auf den mexikanischen Axtgott Carlos Santana aus. Sein Aufstieg zum Ruhm wurde durch seine Anwesenheit in Chico Hamiltons wegweisender Jazzgruppe in den frühen 60er Jahren beschleunigt, bevor er eine erfolgreiche Solokarriere startete.
13: Johnny Smith (1922-2013)
Ursprünglich aus Birmingham, Alabama, stammend, war Smith ein frühreifer, talentierter Musiker, der das Gitarrenspiel als Vorschulkind erlernte, während er in örtlichen Pfandhäusern herumhing. Seine Vielseitigkeit (er tourte mit einer Hillbilly-Band, bevor er sich dem Jazz zuwandte und alles von Swing über Bebop bis hin zu avantgardistischer klassischer Musik spielen konnte) machte ihn zu einem gefragten Musiker. Smith war auch ein bekannter Komponist: Sein klassischer Song „Walk, Don’t Run“ aus dem Jahr 1954 wurde zu einem instrumentalen Standard und war ein Hit für Chet Atkins und später, 1964, für The Ventures.
12: Stanley Jordan (geb. 1959)
Bereits 1985 sorgte der aus Chicago stammende Griffbrett-Zauberer, damals gerade 26 Jahre alt, mit seiner Debüt-LP „Magic Touch“ von Blue Note für Aufsehen, die Jordans bemerkenswert unorthodoxe Technik des Gitarrenspiels zeigte, bei der er das Griffbrett mit den Fingerspitzen anschlägt, um Töne zu erzeugen. Jordans digitale Fingerfertigkeit war so groß, dass er, ähnlich wie ein Pianist, Melodien und Akkorde gleichzeitig mit beiden Händen artikulieren konnte. Ein phänomenales Talent, das seinen Platz unter den weltbesten Jazz-Gitarristen mehr als verdient hat.
11: Tal Farlow (1921-1998)
Der aus North Carolina stammende Talmadge Farlow war ein autodidaktischer Gitarrist, der in seinen frühen Tagen tagsüber als Schildermaler und nachts als Musiker arbeitete. Er wurde dazu inspiriert, seine erste elektrische Gitarre selbst zu bauen, nachdem er Charlie Christian mit der Benny Goodman Band gehört hatte. Seine Solokarriere nahm Mitte der 50er Jahre Fahrt auf und er erwarb sich schnell den Spitznamen „The Octopus“, der sich auf die Kombination aus seinen großen Händen und seinen atemberaubenden technischen Fähigkeiten bezog.
10: Pat Metheny (geb. 1954)
Dieser chamäleonhafte Griffbrett-Zauberer aus Missouri – dessen Album-Credits von David Bowie und Joni Mitchell bis zu Ornette Coleman reichen – nennt den Einfluss von Wes Montgomery und Jim Hall als Schlüsselkomponenten in der Grundlage seines eigenen einzigartigen Stils. Lyrisch, harmonisch reichhaltig und doch auch darauf bedacht, musikalische Grenzen aufzulösen, ist Methenys formverändernde Musik schwer einzuordnen, aber das hat ihn nicht davon abgehalten, 20 Grammy-Auszeichnungen zu erhalten. Metheny ist nicht nur einer der besten Jazz-Gitarristen der Geschichte, sondern zweifellos auch der progressivste Gitarrist im Jazz.
9: Joe Pass (1929-1994)
Der in New Jersey geborene Pass (geboren als Joe Passalaqua) begann im Alter von neun Jahren mit dem Gitarrenspiel und machte so schnell Fortschritte, dass er bereits mit 14 Jahren Auftritte hatte. Als äußerst vielseitiger Gitarrist patentierte er einen einzigartigen und innovativen Stil, mit dem er melodische Linien mit geschickten Sequenzen von Akkordprogressionen artikulieren konnte. Pass begleitete viele Jahre lang die Sängerin Ella Fitzgerald und spielte auch viel mit dem Pianisten Oscar Peterson.
8: Kenny Burrell (geb. 1931)
Der in Detroit geborene Burrell, der sowohl als Sideman als auch als eigenständiger Künstler auftrat, ließ sich von der Bluesmusik ebenso inspirieren wie von Charlie Christian und Django Reinhardt. Er begann im Alter von 12 Jahren mit dem Gitarrenspiel und machte acht Jahre später sein Aufnahmedebüt mit dem Trompeter Dizzy Gillespie. Burrell wurde zu einer Schlüsselfigur der Hard-Bop-Bewegung und kann sowohl gefühlvoll spielen als auch hart swingen. Seine unzähligen Credits reichen von Sonny Rollins und Donald Byrd bis zu Billie Holiday und Tony Bennett.
7: Barney Kessell (1923-2004)
Als Mitglied der 60er-Jahre-LA-Session-Mafia, genannt „The Wrecking Crew“, stammte dieser Gitarrenmeister ursprünglich aus Tuskegee, Oklahoma, und wurde in den 50er-Jahren sowohl als Leader als auch als Sideman bekannt (er begleitete die Sängerin Julie London auf ihrer 1955er LP „Julie Is Her Name“, auf der „Cry Me A River“ zu hören war). Wie es sich für einen der besten Jazzgitarristen der Geschichte gehört, spielte Kessell mit den Großen und Guten der Jazzwelt (von Billie Holiday bis Sonny Rollins) und war bekannt für seinen sanften Sound und seine kluge Akkordwahl.
6: Grant Green (1935-1979)
Der in St. Louis geborene Green, der in den 60er und frühen 70er Jahren für Blue Note aufnahm und von den Bebop-Bläsern beeinflusst wurde, verfolgte einen linearen Ansatz auf der Gitarre und bevorzugte einzelne melodische Linien gegenüber Akkordbegleitungen. Seine minimalistische, weniger-ist-mehr-Ästhetik mit ihrer Blues-beeinflussten Phrasierung wurde oft in einem Orgel-Trio hervorgehoben.
5: George Benson (geb. 1943)
Beeinflusst von Charlie Christian und gefördert von Wes Montgomery (er wird oft als dessen Erbe angesehen – es gibt kein schöneres Kompliment für einen der weltbesten Jazzgitarristen), war dieser in Pittsburgh geborene Gitarrist ein Wunderkind, das in den 70er Jahren zum Jazz- und Soul-Superstar wurde, als er sich als Sänger neu erfand. Als geschickter Griffbrett-Spieler der Soul-Jazz-Schule ist es Bensons Visitenkarte, einen Scat-Gesang zu spielen, während er die Melodie auf der Gitarre verdoppelt. Wahrscheinlich ist er der größte lebende Jazz-Gitarrist.
4: Jim Hall (1930-2013)
Der in Buffalo, New York, geborene und in Ohio aufgewachsene Hall begann im Alter von 10 Jahren mit dem Gitarrenspiel und hatte eine lebensverändernde Erleuchtung, als er zum ersten Mal Charlie Christian hörte, der einen großen Einfluss auf seinen eigenen Stil hatte. Bekannt für seinen warmen, weichen Sound, ist Hall ein Meister darin, Raum zu nutzen und tonale Kontraste zu schaffen. Er verdient seinen Platz unter den weltbesten Jazzgitarristen dank einer eklektischen Auswahl an Kollaborateuren und einer großen Bandbreite an musikalischen Einstellungen, die dazu beitrugen, das Lexikon der Jazzgitarre zu erweitern.
3: Charlie Christian (1916-1942)
Ein wahrer Jazzgitarren-Revolutionär, der in Texas geborene Christian stieg in den Jahren 1939-41 in Benny Goodmans Band zu Ruhm auf. Er leistete Pionierarbeit für die E-Gitarre im Jazz, was in Kombination mit seiner Vorliebe für Single-Note-Linien (wie bei einem Bläser) das Instrument aus der Rhythmusgruppe in den Vordergrund rückte und es zu einem vollwertigen Soloinstrument machte. Er war ein früher Vertreter dessen, was sich zum Bebop entwickelte, und starb im Alter von nur 25 Jahren an Tuberkulose.
2: Django Reinhardt (1910-1953)
Der Gründervater des vom Swing beeinflussten europäischen „Hot“-Jazz in den 30er Jahren, dieser in Belgien geborene Rumäne, rühmte sich einer erstaunlichen technischen Fähigkeit, obwohl er nur mit seinem Daumen und seinen beiden Mittelfingern spielte (nachdem ein Feuer seine anderen beiden Ziffern lahmgelegt hatte). Er war in der Lage, Geschwindigkeit, Präzision und eine verblüffende manuelle Geschicklichkeit mit Fantasie und tiefem Gefühl zu kombinieren. Ein wahrer Jazz-Gigant, dessen Spiel nie aufhört zu verblüffen.
1: Wes Montgomery (1923-1968)
An der Spitze unserer Liste der besten Jazz-Gitarristen aller Zeiten steht ein verehrtes und zutiefst einflussreiches Genie aus Indianapolis, das keine einzige Note lesen konnte. Montgomery benutzte nur einen schwieligen Daumen, um Noten zu greifen. Er wurde von der Bebop-Horn-ähnlichen Phrasierung seines Idols Charlie Christian inspiriert, bot aber einen fortschrittlicheren harmonischen Stil an, der Blockakkorde und die Verwendung von parallelen Oktaven einschloss. Er starb zu jung, aber seine Musik und ihr Einfluss leben weiter.
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