Ein historischer Überblick über Wandmalereien

Wandmalereien werden im weitesten Sinne als ein Gemälde oder ein anderes Kunstwerk definiert, das direkt auf einer Wand, Decke oder einer anderen permanenten Oberfläche ausgeführt wird. Ein einzigartiger Aspekt von Wandmalereien ist, dass die physische Architektur der Oberfläche in das Kunstwerk einbezogen wird. Die frühesten bekannten Wandmalereien stammen aus dem Paläolithikum und wurden in Höhlen in Südfrankreich, ca. 30.000 v. Chr., entdeckt. Weitere historische Beispiele für Wandmalereien sind ägyptische Hieroglyphen-Grabmalereien, minoische Paläste, Ajanta-Höhlen und im Stadtstaat Pompeji. Die Marouflage-Technik, bei der bemalte Leinwände an den Wänden befestigt werden, ist 3.000 Jahre alt und ein früher Vorläufer der modernen Methode des Weizenkleisterns.

Im Mittelalter wurden Wandmalereien typischerweise auf Trockenputz ausgeführt. Die 500-jährige maurische Besatzung Spaniens brachte künstlerische und ästhetische Einflüsse mit sich, wie z.B. den Zellij oder geometrische Muster, die auf mathematischen Formeln basieren und schließlich die europäische Kunst während der Renaissance beeinflussten. Im 14. Jahrhundert entwickelten italienische Maler die Technik des Fresco Secco, Wandmalereien auf nassem Putz – eine bedeutende Entwicklung in der Qualität der Kunstwerke. Zu den berühmten Wandgemälden aus der Renaissance gehören Leonardo Da Vincis „Das letzte Abendmahl“ und Michaelangelos „Die Erschaffung Adams“, „Das Jüngste Gericht“ und die Decke der Sixtinischen Kapelle. Da Künstler oft von reichen, politisch einflussreichen Mäzenen wie den Medicis unterstützt und/oder von der katholischen Kirche selbst in Auftrag gegeben wurden, spiegeln viele der klassischen Werke der Renaissance christliche Themen wider, einschließlich einer Faszination für das griechisch-orthodoxe Christentum, die sich nach dem Fall Konstantinopels an das Osmanische Reich entwickelte. Das erneute Interesse an griechischen Ideen und eine aufkeimende intellektuelle und künstlerische Bewegung führten jedoch im 15. Jahrhundert zur Etablierung des Humanismus, der sich schließlich in ganz Europa ausbreitete und sich von der Kirche als Zentrum von Religion, Politik und Kultur entfernte.

Im frühen 20. Jahrhundert brachte die mexikanische Wandmalerei-Bewegung, die mit Diego Rivera assoziiert wird, eine neue Stufe der Raffinesse in die Wandmalerei, indem sie Einflüsse des Kubismus und des Post-Impressionismus aufnahm und soziale und politische Kommentare einbezog, die in Europa oft unterdrückt worden waren. Rivera trug dazu bei, die Wandmalerei in ganz Mexiko, Mittelamerika und den Vereinigten Staaten zu popularisieren, und seine Werke begannen, ein radikal linkes politisches Bewusstsein sowie traditionelle aztekische Einflüsse zu reflektieren.

Der Fokus der mexikanischen Wandmalerei-Bewegung auf soziale und politische Botschaften – ursprünglich von der Regierung nach der Revolution von 1910 gefördert – wurde wiederum zu einem Haupteinfluss auf die Chicano-Kunstbewegung in den 1960er Jahren – ein mexikanisch-amerikanisches Bestreben, postkoloniale Ideologien mit präkolumbianischen Traditionen und einer eindeutig chicanischen Identität zu verbinden.

Auch in den 60er Jahren entstand die Wandmalerei-Bewegung der afroamerikanischen Community. Die Hauptinspiration für diese Bewegung waren die Bürgerrechts- und Post-Bürgerrechts-Befreiungskämpfe und der Fokus auf kulturelle und künstlerische Ästhetik des Black Arts Movement und des Black Panther Kulturministers und Künstlers Emory Douglas. Die kommunale Wandmalerei-Bewegung begann mit der Wall of Respect in Chicago, die nicht nur durch die Darstellung schwarzer Ikonen revolutionär war, sondern auch dadurch, dass die Gemeinschaft kollektives Eigentum an dem Werk war. Die Wall of Respect führte zu vielen ähnlichen Walls in Chicago, viele von William Walker gemalt, und zu einer Welle von gemeinschaftsorientierten Wandmalereien in vielen amerikanischen Großstädten, darunter Detroit, Los Angeles, San Francisco, Portland und St. Louis.

Die kommunale Wandmalerei-Bewegung war zeitgleich mit dem, was von Nicht-Praktizierenden als „moderne Graffiti-Bewegung“ bezeichnet wurde (Praktizierende bezeichnen sich selbst oft nicht als Graffiti-Künstler, sondern bevorzugen die Begriffe „Style Writer“ oder „Aerosol-Künstler“), die in Philadelphia und New York begann und das Medium der Sprühfarbe sowie zuvor unübliche Oberflächen nutzte: U-Bahn-Waggons, Handballplätze, Autobahnunterführungen. Die Ursprünge der Bewegung liegen in unerlaubten Guerilla-Wänden und drehten sich zunächst um Tags, die den Künstler identifizierten, wie z. B. Coco 144 oder Lee 163d, entwickelten sich aber schließlich zu aufwendigen kalligraphischen Schriften, Charakteren – einschließlich Yosemite Sam und Vaughn Bodes Cheech Wizard – und lebhaften, mehrfarbigen Konturen und Hintergründen. Ein besonderer Evolutionsschritt war die Verwendung von „Fat Caps“ durch einen New Yorker Schreiber namens Super Kool 223; die breite Düse ermöglichte breitere Sprühstöße und dickere Buchstaben, ähnlich wie ein dickerer Pinsel mehr Fläche abdeckt. Die Stile entwickelten sich ständig weiter, und die Schreiber bildeten Crews – sowohl um sich zu schützen und von anderen Crews abzugrenzen, als auch um sich in einer Umgebung mit sehr territorialen Straßengangs zurechtzufinden.

Die erste Graffiti-Kunstausstellung 1972 wurde in der New York Times besprochen, was zu weiteren Ausstellungen und dem Interesse von Kunstsammlern und dem nächsten neuen Trend führte. Während der gesamten 70er Jahre fuhren die Graffiti-Künstler fort, Züge und Wände zu bemalen, und einige der talentierteren Writer hatten auch begonnen, Leinwände mit dem Aerosol-Medium zu gestalten.

Anfänglich eine Bewegung für sich, wurde die Aerosol-Kunstbewegung mit der aufkommenden Hip-Hop-Kultur in New York identifiziert, durch Pionierwriter wie Phase 2, die auch B-Boys oder Hip-Hop-Tänzer waren. Als bahnbrechende DJs wie Kool Herc, Afrika Bambaataa und Grandmaster Flash zu lokalen Berühmtheiten wurden, fügten Künstler wie Phase 2 ihrem Lebenslauf Grafikdesign hinzu, indem sie Flyer für die DJ-Partys entwarfen.

Trotz ihrer künstlerischen und ästhetischen Innovation existierte die Aerosol Art-Bewegung am Rande der Gesellschaft und war durch und durch gegenkulturell. Kein Wunder, dass das Konsequenzen hatte. Die Polizei verprügelte oft jeden, den sie mit Sprühfarbe antraf, und malte dem Verfasser sogar das Gesicht damit ein. Bürgerliche Empörung gegen Vandalismus führte zu Geldstrafen (und schließlich zu Gefängnisstrafen). Die New Yorker Metropolitan Transit Authority gab zig Millionen Dollar aus, um Züge zu verschönern; 1977 war die Ära der U-Bahn zu Ende, was einige Künstler dazu veranlasste, sich anderen Beschäftigungen zuzuwenden, während andere, wie Lee Quinones, begannen, Wandbilder auf Handballplätzen zu machen.

In den 1980er Jahren, als sich der Hip-Hop von einer New Yorker Subkultur zu einer globalen Bewegung ausweitete, wurde die Sprühkunst als eines ihrer vier Kernelemente betrachtet. Ihr Status in der Popkultur wurde durch die Veröffentlichung von zwei Bildbänden, „Subway Art“ und „Spraycan Art“, und durch die Filme „Wild Style“ und „Style Wars“ erheblich gefördert. „Subway Art“ konzentrierte sich auf die erstaunlich innovativen Guerilla-Kunstproduktionen der New Yorker Aerosol-Künstler im öffentlichen Raum, die von selbstbeweihräuchernden, auf Schriftzügen basierenden Werken bis hin zu abstrakten Arbeiten reichten, in denen Hintergründe und Gesamtkomposition in den Vordergrund gestellt wurden. „Spraycan Art“ dokumentierte die wachsende internationale Popularität von Graffiti-Kunst und Aerosol-Wandbildern, bei denen Writer von der Bay Area bis Europa ihre künstlerischen Inspirationen nachahmten – und manchmal sogar übertrafen. Der Dokumentarfilm „Style Wars“ personifizierte mehrere ikonische Writer, während „Wild Style“ alle vier Kernelemente des Hip-Hop zeigte und auch eine Nebenhandlung enthielt, die im wahrsten Sinne des Wortes die Verführung von Straßenkünstlern in die Mainstream-Kunstwelt darstellte.

Aerosol-Stil-Kalligraphie spielte 1984 eine wichtige Rolle in der TV-Show „Graffiti Rock“, die von WPIX in NYC ausging und landesweit auf CBS ausgestrahlt wurde. Das Logo der Show, die als Hip-Hop-Version von „American Bandstand“ konzipiert war, zeigte wilde Schriftzüge und wurde als Kulisse für das Set verwendet. Die Show enthielt auch Kunstwerke von Brim. „Graffiti Rock“ erhielt seinen Titel von einer Veranstaltung, die von dem Fotografen und Filmemacher Henry Chalfant kuratiert wurde, dem Co-Produzenten von „Style Wars“ und Co-Autor von „Subway Art“ und „Spraycan Art“. Doch obwohl die Show gute Einschaltquoten hatte, wurde „Graffiti Rock“ unerklärlicherweise nicht in den Verleih aufgenommen – und damit die Möglichkeit, alle kulturellen Elemente des Hip-Hop gemeinsam zu präsentieren, beendet. Eine interessante Randnotiz: Der Produzent der Show, Michael Holman, schrieb später das Drehbuch für den Kinofilm „Basquiat“ über das Leben des Künstlers Jean-Michel Basquiat, der seine Karriere als Straßenkünstler unter dem Pseudonym „SAMO“ begonnen hatte.“

In den späten 1980er und frühen 1990er Jahren gab es viele Verbindungen und Überschneidungen zwischen den Subkulturen Wandmalerei, Street Art und Graffiti Art.

In der Bay Area entwickelte sich der Mission District von San Francisco zu einem Mekka für Wandmalereien, von denen viele unter der Leitung der Organisation Precita Eyes entstanden. Die Anti-Apartheid-Bewegung brachte eine Flut von Wandbildern und Figuren mit politischen Themen hervor, und 1992 starteten Spie und Dream von der TDK-Crew eine Protestkampagne zum Jahrestag der Reisen von Kolumbus mit dem Titel „500 Years of Resistance“. Die Kampagne fiel mit einer Ausstellung namens „No Justice, No Peace“ zusammen, die sich mit der Polizeibrutalität nach der Verprügelung von Rodney King durch das LAPD auseinandersetzte.

In den 1980er Jahren waren Graffiti-Maler Teil des Fresh Fest, einer der ersten nationalen Hip-Hop-Touren, und Futura 2000 malte live Hintergründe und entwarf Grafiken für The Clash. Der Künstler Keith Haring, der eine Reihe ikonografischer Kreide-Wandbilder in New Yorker U-Bahn-Stationen schuf, wurde in der Kunstwelt berühmt und entwarf eine Reihe von Uhren für Swatch (die heute Sammlerstücke sind). Der Aerosol-Veteran Haze entwarf ikonische Logos für EPMD und Def Jam, und Cover im Graffiti-Stil erschienen auf Rap-Platten von Mantronix und Just-Ice (Gnome und Gemini), den Boogie Boys (Phase 2) und anderen. In dieser Zeit entstanden auch Kalligraphien und Schriftzeichen im Graffiti-Stil, die direkt auf Jeans und Jeansjacken gemalt wurden – quasi als personalisierte Wandbilder, die die kulturelle Identifikation mit Hip-Hop ausdrückten.

In den 1990er Jahren malte Dream TDK Kulissen für das jährliche Summer Jam-Konzert von KMEL, und Doze TC5/GM5/RSC waren häufig als Live-Painter bei Hip-Hop- und Turntablist-Shows zu sehen. Das „Wild Style“-Logo – ursprünglich von einem U-Bahn-Wandbild von Dondi inspiriert und von Zephyr, Revolt und Sharp für den Film gemalt – wurde für eine Reissue-Serie des Hip-Hop-Labels Wild Pitch verwendet.

Auch in den 1990er Jahren wechselten mehrere Grafikdesigner mit Wandmalerei-Hintergrund in die Hip-Hop-Mode, darunter Haze, Marc Ecko, Futura, Doze und andere, während die Graffiti-Ästhetik die Produktlinien von Firmen wie Conart, Third Rail, 594 Gear (ein Verweis auf das Anti-Graffiti-Gesetz im kalifornischen Strafgesetzbuch) und PNB beeinflusste. Zeitschriften wie die International Graffiti Times, Stress, 4080 und On the Go berichteten regelmäßig über Aerosol-Wandmaler, ebenso wie The Source, während eine Reihe von Dokumentarfilmen namens „Graffiti Verite“ die Kultur und ihre Geschichte weiter dokumentierte. Viele Aerosol-Writer begannen mit Airbrush oder Tattooing, um ihre Rechnungen zu bezahlen. Am Ende des Jahrzehnts stellte der SF-Straßenkünstler Barry „Twist“ McGee im SFMOMA aus, Futura entwarf Plattencover für Mo‘ Wax, Shephard Fairey schmierte „Obey“ mit Weizen und der britische Künstler Banksy entwickelte seine Agitprop-Kunst vom Sprayen zum Schablonieren weiter.

In den ersten beiden Jahrzehnten des neuen Jahrtausends hat sich die Wandmalerei als lebensfähige und innovative Form der öffentlichen Kunst behauptet. Im Jahr 2002 veröffentlichte Ivor Miller die definitive akademische Darstellung der Graffiti- und Muralistenkultur, „Aerosol Kingdom“, und Muralisten haben vom Oakland Museum of California über das Block Museum in Chicago und Sotheby’s in London bis hin zum Westjordanland von Gaza Hof gehalten. Es ist nicht ungewöhnlich, dass bekannte Wandmaler wie Apex aus SF große Aufträge für Unternehmen an Land ziehen, während sie gleichzeitig kleinere Projekte in der Nachbarschaft durchführen. Die Liste der aktuellen Wandmalerkollektive ist viel zu lang, um sie alle aufzuzählen, und es gibt zahlreiche Wandmaler-Organisationen, darunter das Community Rejuvenation Project, die als gemeinnützige Organisationen eingetragen sind.

Als Teil der Street Art-, Community Mural- und Graffiti-Bewegung haben sich Wandmaler weiter in den öffentlichen Kunstsektor und die Mainstream-Kunstwelt vorgearbeitet, wobei sie oft die Glaubwürdigkeit der Straße und die Verbindung zu den Gemeinschaften, die sie repräsentieren, beibehalten. Die Wandmalerei-Bewegung hat sich zu einer globalen Bewegung entwickelt, die in ihren langjährigen Zentren wie New York, Chicago, Philadelphia, Detroit, St. Louis und der Bay Area, aber auch in Yokohoma, Tokio, Montreal, Halifax, London, Edinburgh, Melbourne, Sydney, Berlin, Mexiko-Stadt und Sao Paulo gut vertreten ist. Das Schreiben an Wänden ist eine der ältesten kulturellen Traditionen der Menschheit, und es gibt keine Anzeichen dafür, dass es auf dem Weg ins 21.