Dieser Artikel enthält Spoiler zur Handlung von „Mother!“
Seit seiner Ankündigung war das Hauptverkaufsargument für Darren Aronofskys neuen Film „Mother!“ zweierlei: dass er mit Jennifer Lawrence, einer der berühmtesten Schauspielerinnen der Gegenwart, besetzt ist, und dass die Einzelheiten der Handlung ein völliges Geheimnis sind. Nun, nach Monaten der Geheimhaltung, kam der Film letztes Wochenende in die Kinos, und das Publikum hat endlich die Chance, über dieses bizarre, chaotische Werk des Horrors zu rätseln.
Aronofskys Geschichte ist unverblümt, fantastisch und offensichtlich voller Symbolik, aber für mich ist das größte Vergnügen an mother! Mein Kollege Christopher Orr hat in seiner Kritik die Offenheit des Films für mehrere Interpretationen diskutiert und dabei sowohl die biblischen Anspielungen der Geschichte als auch den offensichtlich selbstreferenziellen Tonfall über die Schwierigkeiten des Lebens als Künstler und wie monströs Schöpfer werden können, hervorgehoben. Jetzt, wo „mother!“ herausgekommen ist, lohnt es sich, die große Debatte, die bereits über die Bedeutung des Films entstanden ist, weiter zu vertiefen.
Die Handlung von „mother!“ ist sehr einfach – zumindest bis sie anfängt, aus den Fugen zu geraten. Er beginnt mit einer Aufnahme des weinenden Gesichts einer Frau inmitten eines riesigen Infernos, woraufhin ein Mann (Javier Bardem) einen Kristall in einen Sockel steckt und das verbrannte Haus um ihn herum auf magische Weise repariert. Schnitt zu: einer namenlosen Frau (Jennifer Lawrence), die mit ihrem Mann (Bardem) in diesem prächtigen Haus mitten im Nirgendwo lebt. Er ist ein bekannter Dichter, der an seinem nächsten großen Werk arbeitet (obwohl er unter einer Schreibblockade zu leiden scheint). Sie renoviert hingebungsvoll ihr Haus, streicht die Wände und so weiter, und scheint eine mystische Kraft zu haben, das Herz des Hauses zu „fühlen“, indem sie die Wände berührt und sich ein riesiges, pumpendes Organ vorstellt.
Nach kurzer Zeit taucht ein anderer Mann (Ed Harris) auf, der sich als Arzt ausgibt und eine Unterkunft sucht. Bardem (die Figuren haben keine Namen, so dass es einfacher ist, sie anhand ihrer Darsteller zu identifizieren) bittet ihn herein und die beiden freunden sich schnell an, sehr zum Unbehagen von Lawrence. Harris wird schnell krank, eine nicht näher spezifizierte Krankheit verursacht einen Bluterguss an seiner Seite. Dann taucht seine Frau (Michelle Pfeiffer) auf, die sich nicht scheut, Lawrence wegen des großen Altersunterschieds zwischen ihr und ihrem Mann anzuschnauzen. Harris zerbricht, ermutigt von Pfeiffer, versehentlich Bardems Kristall, was dessen Wut anregt. Dann tauchen die erwachsenen Kinder des Besuchspaares (Domhnall und Brian Gleeson) auf und geraten sofort in einen Streit, bei dem der Ältere den Jüngeren tötet und dabei eine Narbe auf der Stirn davonträgt. Als die Familie eine Beerdigung im Haus abhält (während Lawrence‘ Aufregung nur noch zunimmt), vertreibt ein Wasserschwall, ausgelöst durch einen Gast, der eine schicke Waschbeckenarmatur kaputt macht, schließlich alle für immer aus dem Haus.
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Dies deckt die erste Hälfte des Films ab, die man, wie Orr anmerkte, frech als „Testament“ bezeichnen könnte: eines, in dem Bardem eine Vertretung für Gott ist, Harris und Pfeiffer Adam (bis hin zu seiner Rippenverletzung) und Eva (so sehr Verführerin wie immer) sind, und ihre Kinder sind Kain und Abel, wobei ersterer letzteren tötet und für diese Ursünde „gezeichnet“ wird. Bardems magischer Kristall ist eine verletzte verbotene Frucht, und die geplatzten Abflussrohre sind die Flut, die Gottes frühe Anhänger bestraft und die Welt auslöscht.
Wenn der zweite Akt des Films beginnt, ist Bardems neue Dichtung fertig und Lawrences Figur schwanger. Am Ende wird ihr Baby (wahrscheinlich eine Art Stellvertreter für den Körper Christi) von einem verrückten Mob von Bardems Anhängern bei lebendigem Leib aufgefressen. Sie brechen zunächst als Fans seiner Arbeit in das Haus ein, entwickeln sich aber zu Gewalt und surrealen Szenen der Kriegsführung und verwüsten das Haus, bevor Lawrence es in einem Anfall von Trauer über den Verlust ihres Kindes niederbrennt. Als sie stirbt und ihren Ehemann verflucht, bittet Bardem sie um ihre Liebe, und sie willigt ein. Sie kommt in Form ihres Herzens, das er aus ihrer Brust zieht und in einen Kristall verwandelt, den er dann benutzt, um das Haus wieder aufzubauen und eine neue Braut zu erschaffen, die von einem neuen Schauspieler gespielt wird.
Das ist wildes Zeug – aber die Bibelallegorie geht nur so weit, auch wenn Aronofsky selbst darauf anspielte, als er „Mother!“ auf dem Toronto International Film Festival vorstellte (er bezeichnete Harris‘ Figur als „den Mann“ und fügte dann hinzu: „Das ist ein Hinweis“). Lawrences Figur hat kein offensichtliches Gegenstück in beiden Testamenten; stattdessen ist sie eine Art Analogon für Mutter Erde oder Gaia, eine Verkörperung der Natur und der Schöpfung, mit dem Haus (das langsam von seinen gefühllosen Hausgästen zerstört wird) als Stellvertreter für den Planeten selbst. Oder man könnte sie als die wärmere, einladende Hälfte der Gottheit sehen, während Bardem die unnahbare, unerkennbare Hälfte repräsentiert. Es gibt auch vage Konzepte von Reinkarnation und Erneuerung am Ende des Films, die mehr an den Hinduismus oder Buddhismus erinnern als an irgendetwas Jüdisch-Christliches.
Die Freude an „Mother!“ liegt für mich jenseits der religiösen Metapher von Gott und Adam und Eva und so weiter; wenn man den Film nur auf dieser Ebene beurteilt, fühlt er sich aus der Perspektive der Erzählung erdrückend an. Es gibt noch viel mehr zu ergründen, manches davon wahrscheinlich bewusst von Aronofsky, manches nicht so sehr. In Interviews hat er über die ökologische Botschaft gesprochen, die er zu vermitteln versucht, und sagte dem Hollywood Reporter: „Ich glaube, dass die Menschheit untergeht. Ich beschuldige nicht das eine Geschlecht gegenüber dem anderen Geschlecht. Ich denke, es geht darum, wie unersättlich die Menschen sind, wie es diesen endlosen Konsum gibt.“
Aber wie so viele Filme (vor allem einer mit einem so offensichtlichen persönlichen Engagement von Aronofsky) ist „Mother!“ eindeutig auch ein Film über Kunst und den kreativen Prozess, einer mit einer eher negativen Sicht auf den großen Schöpfer im Zentrum. Der grüblerische Bardem kann nicht anders, als Lawrence auf Distanz zu halten, manchmal stürmt er los, um zu schreiben, ein andermal wischt er ihre Sorgen über die eindringenden Hausgäste (von denen er sich inspirieren lässt) beiseite. Obwohl sie ihn liebt, kann Lawrence nicht umhin, sich auf den großen Altersunterschied zwischen ihnen zu fixieren, und nachdem ihre Beziehung schließlich in die Brüche geht, nutzt Bardem ihr Herz – ihre Inspiration – um ein großartiges neues Werk und damit eine neue Partnerin zu schaffen.
Aronofsky ist ironischerweise jetzt mit Lawrence liiert, obwohl sie sich während der Dreharbeiten zu „Mother!“ kennenlernten, lange nachdem er den Film geschrieben hatte. Aber natürlich sind solche Industrie-Romanzen nicht ungewöhnlich, und auch nicht die Idee, dass Künstler über ihre eigenen Beziehungen schreiben; es ist einfach faszinierend, wie Aronofsky diese Dynamik in etwas Großes, Destruktives und letztlich Entsetzliches verwandelt hat. Lawrences Figur wirkt manchmal wie eine Parodie auf das Klischee „barfuß und schwanger“, da sie immer ohne Schuhwerk durch das Haus stapft. Die Schauspielerin nannte dies eine bewusste Entscheidung und sagte: „Es wäre für meine Figur nie richtig gewesen, Schuhe zu tragen. Die Natur ist ihre Schöpfung.“
Ob man den Film nun mochte oder nicht (ich war zwiegespalten, was die Gesamtqualität angeht), „Mother!“ ist die Art von Film, die in Hollywood einfach keine große Verbreitung findet – er ist gewalttätig, er ist seltsam, und er versucht wirklich, die Zuschauer zu verblüffen und eine Debatte auszulösen. Es ist aufregend zu sehen, dass ein großer Star wie Lawrence ihren Einfluss nutzt, um diesen Film zu machen, und noch aufregender ist es, dass ein großes Studio ihn im ganzen Land veröffentlicht. Obwohl das Eröffnungswochenende des Films ziemlich schwach war – geschätzte 7,5 Millionen Dollar mit einem „F“ CinemaScore (der die Zufriedenheit des Publikums misst, um die Mundpropaganda zu beurteilen) – hat sich Paramount für den Film stark gemacht und in einer Erklärung gesagt: „Dieser Film ist sehr kühn und mutig … wir wollen nicht, dass alle Filme sicher sind. Und es ist okay, wenn einige Leute ihn nicht mögen.“
Im Grunde verdient das Studio Lob dafür, einen so polarisierenden Film herauszubringen. Ob die Zuschauer ihn nun lieben oder hassen, sie scheinen Mother! immer mit einer starken Meinung zu verlassen, was mehr ist, als man von den meisten Hollywood-Blockbustern sagen kann. Für einen Film, der in seiner Erzählweise zutiefst unsubtil wirkt, ist mother! immer noch so mysteriös wie der unförmige, längliche Kristall, aus dem Bardem sein Paradies erschafft – aus jedem Blickwinkel anders.