Diese Geschichte enthält leichte Spoiler für den Film Parasite.
Bong Joon Ho hat noch nie ein Genre getroffen, das er nicht unterwandern konnte. Seit fast 20 Jahren dreht der südkoreanische Regisseur Filme, die jede Kategorie abdecken. Memories of Murder (2003), der True-Crime-Krimi, der ihn in seinem Land zum Star machte, zeichnet sich durch die Mischung aus Melancholie und beißender Satire aus. The Host (2006), ein riesiger Crossover-Hit, bricht alle Regeln des Monsterfilms und ist dafür umso besser. Snowpiercer (2013) und Okja (2017), zwei englischsprachige Sci-Fi-Allegorien, sind ebenso witzig wie furchterregend.
Das koreanische Kino hat einige der aufregendsten Filme des Jahrhunderts hervorgebracht, und Bong war an vorderster Front dabei, indem er wilde Schwünge mit ausgefallenen Geschichten machte. Doch sein neuer Film Parasite, einer der besten des Jahres, ist ein aufregend zurückhaltendes Werk, das sich weitgehend auf zwei Schauplätze beschränkt: die Häuser der reichen Familie Park und der armen Familie Kim. Es untersucht, was passiert, wenn die Kims, einer nach dem anderen, anfangen, für die Parks zu arbeiten – woraufhin sich die Geschichte auf schockierende Weise entwickelt, eine Spezialität von Bong. The Atlantic sprach mit dem Regisseur über die Entwicklung des Films, die Art und Weise, wie Parasite beim internationalen Publikum ankommt, und seine Herangehensweise an Allegorie und Genre-Bending. Dieses Interview wurde überarbeitet.
David Sims: Ich weiß, dass Parasite ursprünglich als Theaterstück begann. Wie kam es zu dieser Idee?
Bong Joon Ho: Ich habe einen engen Freund, der Theaterschauspieler ist, und er schlug vor, dass ich versuchen sollte, bei einem Theaterstück Regie zu führen. Beim Theater ist der Raum natürlich begrenzt, aber bei all meinen vorherigen Filmen hatten wir viele Drehorte – Okja beginnt in den tiefen Bergen und endet in Manhattan. Also dachte ich: Welche Geschichte könnte ich mit nur zwei Häusern erzählen? Ich kam auf die Idee mit dem Haus der Armen und dem Haus der Reichen, weil ich zu der Zeit an der Postproduktion von Snowpiercer gearbeitet habe, also war ich wirklich von dieser Geschichte über die Kluft zwischen den Reichen und den Armen umhüllt.
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Abgesehen von Snowpiercer und dem Theater war ich von dieser Idee der Infiltration fasziniert. Als ich auf dem College war, habe ich einer reichen Familie Nachhilfe gegeben, und ich hatte das Gefühl, dass ich in das Privatleben von völlig Fremden eindringe. Jede Woche ging ich in ihr Haus, und ich dachte, wie lustig es wäre, wenn ich alle meine Freunde dazu bringen könnte, das Haus einer nach dem anderen zu infiltrieren.
Sims: Sie haben in den letzten Jahren in der Welt der allegorischen Sci-Fi und Fantasy gearbeitet. Wollten Sie sich bewusst von härteren Genrefilmen wegbewegen, aber die Allegorie beibehalten?
Bong: Sci-Fi hat den Vorteil, dass man ziemlich direkt sagen kann, was man will. Wie in Snowpiercer, die Szene, in der Ed Harris einen langen Monolog im Motorwagen hält. In Parasite gibt es den Landschaftsstein. Der Film hat Symbole, aber ich wollte mich mehr auf die alltägliche Atmosphäre konzentrieren, auf die Geschichten unserer Nachbarn.
Sims: Aber Parasite hat immer noch die Qualität einer Spukhausgeschichte.
Bong: Ja, es ist immer noch ein Genre-Film, und es gibt eine Art Geistergeschichte. In dieser Geschichte behandeln die Charaktere eine normale Person wie einen Geist, also kann man sagen, dass das ein sozialer Kommentar ist, ein Genre-Element. Ich glaube, bei meinen Filmen ist es immer schwierig, beides zu trennen.
Sims: In so vielen Ihrer Filme geht es um Menschen, die mit Monstern zu kämpfen haben, die sie nicht verstehen. Das passiert auch in „Parasite“; es gibt eine Kluft, die diese beiden Familien nicht überwinden können.
Bong: Diesen Kommentar habe ich schon eine Weile nicht mehr gehört! Wenn man darüber nachdenkt, basieren meine Filme immer auf Missverständnissen – der Zuschauer ist derjenige, der mehr weiß, und die Figuren haben eine schwierige Zeit, miteinander zu kommunizieren. Ich denke, dass Traurigkeit und Komik alle aus diesem Missverständnis entstehen, so dass man sich als Zuschauer schlecht fühlt – man möchte einspringen und sie versöhnen. Als Filmemacher versuche ich immer, mit Sympathie zu drehen. Wir haben keine Bösewichte in „Parasite“, aber am Ende, mit all diesen Missverständnissen, verletzen sie sich gegenseitig.
Sims: Das Design der beiden Häuser ist alles für die Geschichte – es stellt dar, wie unterschiedlich diese Familien existieren. Wie haben Sie das angepackt?
Bong: Die Charaktere müssen sich gegenseitig aushorchen und ausspionieren. Was das Blockieren der Charaktere angeht, so wurde die gesamte Struktur während des Drehbuchschreibens fertiggestellt, und ich musste sie im Grunde dem Produktionsdesigner aufzwingen. Daher war er ein wenig frustriert, denn die Dinge, die ich verlangte, sind keine Dinge, mit denen echte Architekten einverstanden wären. Für mich waren sie eine Notwendigkeit, um die Geschichte zu erzählen … aber das gab mir die Möglichkeit, mich auf die Textur und die Oberfläche des Hauses zu konzentrieren, so dass es sich anfühlt, als gehöre es diesem kultivierten, jungen, reichen Paar, und das ist ihre Art, ihren Geschmack zu zeigen.
Für das arme Haus war die Struktur relativ einfach. Aber wenn sich das reiche Haus wie ein isoliertes Schloss anfühlt, konnte das arme Haus keine Privatsphäre haben, weil diese Kluft zwischen Arm und Reich wirklich von Privatsphäre zehrt. Alle vorbeigehenden Fußgänger und Autos mussten in das halb unterkellerte Haus der armen Familie sehen können. Wir hatten keine andere Wahl, als die gesamte Nachbarschaft in einen Wassertank zu bauen, weil es eine Überschwemmungsszene gibt, also haben wir am Ende die ganze Nachbarschaft geflutet.
Sims: Ist diese Art von Struktur, die Halbkellerwohnung, in Seoul üblich?
Bong: Das ist ziemlich verbreitet; man sieht sie ziemlich häufig in den Hinterhöfen der Stadt. Aber es hängt auch mit dem Zustand des Protagonisten zusammen: Halbkeller bedeutet, dass man halb über, halb unter der Erde ist. Sie wollen immer noch glauben, dass sie über dem Boden sind, aber sie tragen diese Angst in sich, dass sie ganz nach unten fallen könnten. Es ist dieser Schwebezustand, der ihren ökonomischen Status widerspiegelt.
Sims: Die Diskussion über die Ungleichheit des Reichtums ist in Amerika sehr verbreitet. Ist das in Korea auch so, diese Angst vor der Polarisierung zwischen Arm und Reich?
Bong: Es gab eine andere schwarze Komödie namens „The Big Short“ von Adam McKay; ich habe viel gefühlt, als ich den Film gesehen habe. Und meine Freundin Tilda Swinton hat mit Jim Jarmusch den Film Only Lovers Left Alive gedreht, der in Detroit spielt, einer sehr industriellen Geisterstadt, also habe ich all diese dramatischen wirtschaftlichen Situationen in den USA wahrgenommen. Aber ich denke, der Zustand der Polarisierung gilt nicht nur für Korea, sondern überall auf der Welt. Korea hat eine Menge Entwicklung erreicht und ist jetzt ein ziemlich wohlhabendes Land, aber je reicher ein Land wird, desto relativer wird diese Kluft.
Sims: Es gibt eine große Wendung in der Mitte des Films. Hatten Sie immer geplant, alles um eine große Wendung herum zu strukturieren?
Bong: Die zweite Hälfte des Films ist mir in den ersten Jahren, in denen ich über diese Geschichte nachgedacht habe, eigentlich nicht eingefallen. Dann kam alles zu mir und ich habe geschrieben, als wäre es ein Wirbelsturm. Es ist immer ganz seltsam; durch diese Interviews blicke ich auf meinen Schreibprozess zurück. Ich verstehe nicht, wie diese Ideen auftauchen, wie ich sie am Ende schreibe, also habe ich das Gefühl, dass ich nicht wirklich die Kontrolle darüber habe. Es passiert einfach.
Sims: Bestimmte Bilder aus dem Film sind bei mir wirklich hängen geblieben. Es gibt einen Moment, in dem wir einen Charakter auf der Treppe sehen, und er sieht sehr beängstigend aus, weil wir ihn aus einer neuen Perspektive sehen.
Bong: Ursprünglich, im Drehbuch, war das nicht so. Es war so, dass wenn der Junge eine Sahnetorte isst, es eine Reflexion dieses Mannes im Fenster gibt. Aber im tatsächlichen Set-Design war das Haus zu groß, die Entfernung war zu weit – es wäre zu umständlich gewesen, eine Spiegelung zu erzeugen. Also mussten wir die Strategie ändern. Ich nehme meine Schauspieler gerne mit ins Büro, um Fotos von ihnen zu machen. Ich hatte also eine Fotosession mit diesem Schauspieler und bemerkte, dass seine Augen so kraftvoll waren, dass ich sie einfach zeigen musste. Dieses Bild gefiel mir sehr, ich dachte: Wow, verdammt cool! Dann habe ich diese Szene gemacht. Es gab keinen Spezialeffekt – wir haben ihn nur punktgenau ausgeleuchtet und seine Augen gezeigt. Es ist wie ein Fernglas, das aus einem U-Boot auftaucht.
Sims: Es gibt mehrere Objekte im Film, die für verschiedene Leute unterschiedliche Bedeutungen haben. Da gibt es den skulpturalen Stein, einen „Landschaftsstein“, der verschenkt wird und für alle möglichen Dinge steht.
Bong: Um ehrlich zu sein, verschenkt niemand mehr diese Landschaftssteine. Vielleicht meine Mutter, oder wirklich ältere Generationen, aber es macht keinen Sinn, dass junge Leute das austauschen würden. Aber ich habe immer das Gefühl, dass es mehr Spaß macht, wenn ich versuche, das Publikum von etwas zu überzeugen, das keinen Sinn macht. In Korea ist es sehr peinlich, dass dieser junge Kerl es verschenkt. Der Film rechtfertigt es ein bisschen, wenn die Mutter sagt: „Du hättest einfach Essen mitbringen sollen“, und ihr Sohn sagt: „Wow, das ist so metaphorisch.“ Also denken sogar die Charaktere, dass es seltsam ist. Der Stein hat eine ganz besondere Stellung. Es ist eine Art Besessenheit für den jungen Sohn. Den ganzen Film hindurch versucht er, Min zu imitieren, seinen reichen Freund, der ihn in diese Welt eingeführt hat. Min verschwindet in diesem Film, nachdem er ihm den Stein geschenkt hat, aber der Stein ist eine Art Überbleibsel seines Charakters.
Sims: Wie ist es, wenn ein internationales Publikum den Film sieht, das vielleicht eine solche Referenz nicht verstehen wird?
Bong: Ich hatte einige Gelegenheiten, den Film mit einem Publikum bei den Filmfestivals in Cannes, Toronto und New York zu sehen. Mir ist aufgefallen, dass das Publikum meist gleich reagiert – sie lachen und staunen in den gleichen Momenten. Es gibt sehr subtile, triviale Details, die das Publikum natürlich nicht verstehen wird. Zum Beispiel gibt es in diesem Film eine taiwanesische Konditorei; wenn man Koreaner oder Taiwaner ist, weiß man sofort, was das ist. Viele Leute, die ihre Arbeit verloren hatten, sammelten Geld, um diese Franchise-Konditoreien zu eröffnen, und das war eine Zeit lang ein großer Trend, aber die Geschäfte scheiterten alle, so ziemlich zur gleichen Zeit. Es war ein großes wirtschaftliches Ereignis in unserer Gesellschaft, das das westliche Publikum nicht verstehen würde.
Sims: Song Kang-ho spielt für Sie oft eine Art edlen Possenreißer, einen Jedermann, jemanden, mit dem das Publikum sympathisieren kann. Hatten Sie ihn für dieses Projekt immer im Kopf?
Bong: Es ist nicht so, dass ich immer mit ihm im Hinterkopf schreibe, denn er ist ein angenehmer Kollaborateur. Ich denke viel darüber nach, aber weil dieser Film mit einer Geschichte von durchschnittlichen Nachbarn beginnt und sich zu etwas Extremen aufbaut, um diese große Bandbreite abzudecken, dachte ich, dass Song Kang-ho am besten dafür geeignet wäre. Vor allem im Höhepunkt; sein Charakter hat keinen Text – es sind die subtilen Veränderungen in seinen Muskeln, das subtile Zittern, die den Zuschauer den ganzen Film über überzeugen müssen. Song hat diese Stärke als Schauspieler.
Sims: Davor haben Sie an ein paar englischsprachigen Produktionen gearbeitet, und ich weiß, dass Snowpiercer anstrengender war, während Okja mehr kreative Freiheit bot. Wie war es, in die koreanische Industrie zurückzukehren?
Bong: Bei „Snowpiercer“ hatte ich keine Probleme während des Produktionsprozesses. Es war im Grunde ein koreanischer Film mit Schauspielern, denn er wurde von CJ Entertainment produziert. Während des nordamerikanischen Vertriebsprozesses hatten wir einige Probleme, aber letztendlich konnte ich ihn als Director’s Cut veröffentlichen. Auch bei Parasite ist es nicht so, dass ich diese Geschichte mit der Absicht geschrieben habe, nach Korea zurückzukehren. Aber als alles geklärt war, fühlte ich mich erleichtert, weil ich das Gefühl hatte, dass ich einfach Spaß haben konnte, mit koreanischen Schauspielern in meiner Muttersprache herumzuspielen. Das Budget war viel kleiner als bei Okja, etwa ein Fünftel, also hatte ich das Gefühl, dass ich den Film mit einem Mikroskop drehen und mich auf die wirklich subtilen Details konzentrieren konnte.
Sims: Würden Sie zu dem Maßstab von Okja zurückkehren wollen, oder fühlen Sie sich mit der Größe von Parasite wohler?
Bong: Ich liebe diesen Maßstab und dieses Budget. Das ist der Grund, warum meine nächsten beiden Projekte – eines in koreanischer Sprache und eines in englischer Sprache – beide relativ klein sind, wie dieses hier.
Sims: Würden Sie die Zusammenarbeit mit Netflix wieder aufnehmen?
Bong: Bei Okja hatten wir einige Probleme, das Kinofenster für den Film zu finden, aber für den Prozess der Fertigstellung des Films hatte ich ihre Unterstützung. Das ist der Grund, warum erstaunliche Filme wie Roma von Alfonso Cuarón und The Irishman von Martin Scorsese möglich sind. Ich habe Noah Baumbach in Toronto getroffen, und er erzählte mir, dass er eine großartige Erfahrung beim Dreh von Marriage Story hatte. Ich denke, dass heutzutage alle Filmemacher an einer Partnerschaft mit Netflix interessiert wären; jetzt haben sie mehr Flexibilität und geben dir ein exklusives Kinofenster von vier Wochen.
Sims: Welche Art von Geschichten wollen Sie als nächstes erzählen?
Bong: Der koreanische Film wird in Seoul gedreht werden. Ich weiß nicht, ob man ihn Horror oder Action oder Thriller nennen kann, aber er basiert auf einem schrecklichen Vorfall, der in der Stadt passiert ist. Der englische basiert auf einer wahren Geschichte, einem Nachrichtenartikel aus dem Jahr 2016. Ich bin immer noch dabei, die Geschichte selbst herauszufinden; ich weiß nicht, wohin sie mich führen wird.
Sims: Als Sie die Festivaltour und den Beginn der Oscar-Saison gemacht haben, gab es da irgendetwas, was Ihnen Spaß gemacht hat?
Bong: Ich habe Noah Baumbach und Adam Driver getroffen; kürzlich hatte ich die Gelegenheit, David Fincher für etwas anderes zu treffen. Diese Momente sind immer inspirierend und eine große Freude. Dies ist meine erste Kampagne, daher fühlt es sich sehr ungewohnt und neu an und macht Spaß, aber ich denke, es wird meine erste und letzte sein. Wann werde ich das jemals wieder tun?