Canciones como ‘Summertime’, ‘Someone to Watch Over Me’, ‘My Funny Valentine’, ‘Let’s Face The Music And Dance’ y ‘Some Enchanted Evening’ son tan familiares que parecen formar parte del tejido cultural de Estados Unidos. Son sólo cinco obras maestras de un canon que ahora se conoce ampliamente como El Gran Cancionero Americano. No se trata de un libro real, sino de un término que se aplica a las melodías del teatro musical de Broadway, los musicales de las películas de Hollywood y el Tin Pan Alley (el centro de la composición de canciones que era la fila de editores de música en la calle 28 Oeste de Nueva York). Las canciones se convirtieron en el repertorio principal de los músicos de jazz durante este período, que se extendió aproximadamente desde 1920 hasta 1960.
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Creación de los «standards» a principios del siglo XX
Los «standards» son tan populares hoy como lo fueron hace más de medio siglo; la música simplemente trasciende la época en la que se escribieron las canciones. Se caracterizan por unas letras hábiles e ingeniosas que evocan la idea misma de la sofisticación de la alta sociedad. Hubo algo en los primeros años del siglo XX -la Edad del Jazz de los años 20, la Gran Depresión, los melancólicos años de la guerra- que conspiró para crear una música verdaderamente edificante y gloriosamente sentimental.
Sólo cuando el dinero de Broadway empezó a escasear después de la Depresión, algunos de los mejores compositores se trasladaron a Hollywood, donde los estudios de cine estaban en auge y pagaban buen dinero por las canciones. George e Ira Gershwin se trasladaron a Beverly Hills en 1934, donde escribieron canciones para las películas de Fred Astaire y Ginger Rogers. Fue el lugar donde George murió, con sólo 37 años, de un tumor cerebral. Harry Warren fue otro compositor que se trasladó a Los Ángeles, donde tuvo una brillante carrera. Ganó tres Oscars y compuso una veintena de canciones memorables, como ‘Jeepers Creepers’, ‘That’s Amore’, ‘Chattanooga Choo Choo’ y ‘We’re In The Money’.
Aunque la mayoría de los principales compositores eran hombres, Dorothy Fields fue una mujer pionera. Fields, que murió en 1974, consiguió su primera oportunidad escribiendo junto a Jimmy McHugh. Juntos compusieron clásicos como «I Can’t Give You Anything But Love» (una canción que Billie Holiday interpreta con mucho estilo) y «On The Sunny Side Of The Street». Fields escribió números especiales para las revistas del Cotton Club, muchos de los cuales fueron grabados más tarde por Duke Ellington; en los años 50, se convirtió en la autora de los temas de Broadway. Entre sus 400 canciones se incluyen los estándares ‘The Way You Look Tonight’ y ‘A Fine Romance’.
Ellington, director de orquesta y pianista, tenía una rara habilidad para captar la nostalgia, y sus canciones rompedoras, como ‘Sophisticated Lady’, ‘Mood Indigo’, ‘Prelude To A Kiss’ e ‘In A Sentimental Mood’, mostraron sus cualidades como compositor durante más de 50 años. «Prácticamente todo lo que escribimos», dijo Ellington, «debía ser una imagen de algo, un personaje representativo».»
¿Qué fue primero? La música o la letra?
Entonces, ¿qué fue primero, la música o la letra? Eso dependía del equipo de guionistas. En general, la música de Richard Rodgers iba antes que la letra de Lorenz Hart, pero era lo contrario cuando Rodgers trabajaba con Oscar Hammerstein. Aunque muchas de las composiciones más célebres fueron escritas por un dúo (uno componiendo la música y otro escribiendo la letra), hubo tres genios que regularmente componían y escribían su propia letra: Irving Berlin, Cole Porter y Noël Coward.
Porter también escribió canciones para las grandes películas de Hollywood de los años 40 y 50, entre ellas para High Society, protagonizada por Bing Crosby, Frank Sinatra y Grace Kelly. Porter nunca tuvo miedo de ser inteligente, como demostró en ‘Brush Up Your Shakespeare’ para el musical de 1948 Kiss Me Kate, que incluía los ambiciosos versos originales: «Just declaim a few lines from Othello/And they think you’re a helluva fella» (declama unos versos de Otelo y pensarán que eres un tipo estupendo).
Muchos compositores (como Jerome Kern y Richard Rodgers) tenían formación clásica. George Gershwin, cuya ‘Rhapsody In Blue’ sigue siendo un punto álgido en la historia de la música, se empeñaba en que no tenía por qué haber una brecha irreconciliable entre la música seria y la popular, y quería atraer a oyentes de ambos gustos.
Estas canciones de gran calidad son el vehículo perfecto para la interpretación y la improvisación de un intérprete, y algunos números se recuerdan más por el cantante que por el escritor. Si se menciona «Over The Rainbow», es más probable que la gente piense en la elevada versión de Judy Garland para la película de 1939 El Mago de Oz que en el magnífico trabajo de los compositores Harold Arlen e Yip Harburg.
Pocos cantantes han igualado a Ella Fitzgerald como intérprete de canciones. Su serie de álbumes que exploran el Gran Cancionero Americano, canción por canción, es una de las series de grabaciones más notables de la historia de la música popular. El alcance de las selecciones quizás nunca haya sido igualado (y hubo brillantes arreglos de gente como Buddy Bregman), ya que celebró el trabajo de Porter, Berlin, Kern, Ellington, Rodgers & Hart, Arlen, Mercer y los Gershwins.
Ella Fitzgerald explora el Gran Cancionero Americano
Fitzgerald estuvo relajada durante todas las sesiones y normalmente se preparaba a conciencia antes de una toma (al igual que Frank Sinatra, que a menudo pasaba días estudiando las letras) y su único momento de ansiedad se produjo cuando Duke Ellington llegó al estudio en el último momento con los arreglos esbozados en un sobre. Aunque Fitzgerald rompió a llorar, nada pudo frenar a una cantante tan consumada, y su versión de «Don’t Get Around Much Anymore» de esa sesión es una de sus mejores grabaciones. Incluso para una cantante con tanto talento como Fitzgerald, la calidad de las canciones era algo raro y hermoso. «Todos esos Songbooks me ayudaron a llegar a lugares que nunca había podido tocar antes», dijo.
Las interpretaciones de Fitzgerald de las canciones de Porter, como ‘Let’s Do It (Let’s Fall In Love’) y ‘Ev’ry Time We Say Goodbye’ son una auténtica delicia porque era capaz de sacar lo mejor de unas letras sofisticadas, que a menudo presentaban rimas ingeniosas. Algunas de las letras eran también ingeniosas y atrevidas. La canción de Porter «Love For Sale», por ejemplo, que trataba sobre una prostituta de Nueva York, fue considerada demasiado explícita para la radio en los años 30, pero sin embargo se ha convertido en un estándar, cantado por Holiday y Elvis Costello, entre muchos otros. (Ella y Billie, las dos grandes damas del jazz, versionaron a menudo la misma canción, y es cuestión de gustos qué versión de «Summertime». ‘A Fine Romance’ o ‘Embraceable You’ prefieres.)
Atrapar un estado de ánimo o simplemente inventar una frase original fue la base de muchos clásicos del Cancionero de éxito. Cry Me A River» fue escrita originalmente para que Fitzgerald la cantara en la película de 1955 Pete Kelly’s Blues, pero fue descartada. El autor de la canción, Arthur Hamilton, dijo que nunca había oído la frase antes, pero que le gustaba la combinación de las palabras, y que había algo seductor en la forma en que las interpretaba la cantante estadounidense Julie London. Fue la canción que lanzó su carrera.
El jazz y el Gran Cancionero Americano
A veces un estándar empezó siendo un fracaso, como ocurrió con ‘Here’s That Rainy Day’. Jimmy Van Heusen y Johnny Vurke escribieron la canción para el musical Carnival In Flanders de 1953, pero el espectáculo se cerró tras sólo seis representaciones. No fue hasta la versión de Sinatra, seis años más tarde, que la canción fue reconocida como un clásico, que más tarde sería grabada por cientos de artistas, desde el cantante de country Kenny Rogers hasta los instrumentistas de jazz Coleman Hawkins y Chet Baker.
El jazz y el Great American Songbook están inextricablemente unidos. Los compositores, especialmente Berlin, Porter y Gershwin, entendieron el género, y sus músicos, como Lester Young, Benny Carter y Oscar Peterson, fueron capaces de aportar verdadero sentimiento a sus interpretaciones de las canciones. También grabaron versiones con impresionantes improvisaciones, algunas de las mejores de las cuales figuran en las pistas instrumentales. En esta categoría encaja la versión de Charlie Parker de «What Is This Thing Called Love» de Porter; la hipnótica e inimitable versión de John Coltrane de «My Favorite Things»; la suntuosa «What Is This Thing Called Love?’ y la conmovedora versión bebop de Thelonious Monk de ‘Tea For Two’, que era tan diferente de la forma en que la canción fue cubierta por Fats Waller o Gene Krupa.
El trompetista y cantante Louis Armstrong tuvo su propia relación de éxito con el Great American Songbook. Bing Crosby estableció la dulce balada ‘Stardust’ como canción pop en agosto de 1931. Tres meses después, Armstrong respondió a la meliflua interpretación de barítono de Crosby con una interpretación que sometía tanto la melodía como la letra a sus propios diseños. La canción, en estas dos versiones separadas, ilustra las posibilidades interpretativas del Cancionero en términos de pop y jazz. Crosby y Armstrong también dieron versiones maravillosamente diferentes de «Just A Gigolo», una melodía vienesa llamada «Schoner Gigolo» que fue adaptada brillantemente al inglés por Irving. La canción sigue siendo una de las grabaciones más destacadas de Satchmo, mientras que sus colaboraciones con Fitzgerald en algunos de los clásicos de los Songbooks también son indispensables para escuchar.
La voz de Crosby tuvo una gran influencia en Sinatra -ambos tuvieron un éxito con ‘I Guess I’ll Have To Change My Plan’- y podría decirse que fue Sinatra quien hizo que muchas de las canciones ahora clásicas fueran populares entre los oyentes que no eran fans acérrimos del jazz. Elevó la importancia de las letras con su poderosa dicción y fraseo, mientras que algunos de los arreglos de sus clásicos son sublimes a todos los niveles, y Sinatra podía igualarlos porque tenía la capacidad de meterse dentro de una canción. Grabó dos veces el clásico de Alec Wilder de 1942 ‘I’ll Be Around’, y aunque ha habido buenas versiones de las canciones de numerosos grandes, incluyendo Cab Calloway y Peggy Lee, Wilder pensó que la comprensión de Sinatra de los aspectos narrativos de la canción dio su grabación la ventaja como la mejor versión.
Otros cantantes icónicos del siglo XX son Lena Horne, Sarah Vaughan, Al Jolson, Dean Martin y Mel Tormé. Tormé, nacido en Chicago y apodado «La niebla de terciopelo», fue un talentoso cantante y vocalista de scat que hizo grandes discos de jazz para Verve. En los años 50 cantó el Gran Cancionero Americano, pero no fue hasta los años 70 cuando realmente se ganó el reconocimiento que merecía.
Llega el rock’n’roll
Con la llegada del rock’n’roll, la música cambió fundamentalmente en los años 50 y 60, periodo que coincidió con el colapso de la industria de las partituras. Sin embargo, la tradición de las buenas asociaciones de compositores (ejemplificada por los creadores de «That’s Entertainment!», Arthur Schwartz y Howard Dietz) continuó en la era de la posguerra, ya que una nueva generación de escritores comenzó a escribir sus propias versiones de canciones clásicas americanas para un mercado de rock y pop moderno. El principal de esta nueva generación de compositores era el talentosísimo Burt Bacharach, sobre todo cuando colaboraba con el letrista Hal David.
Burt Bacharach y Hal David llevaron la tradición del Gran Cancionero Americano a los años sesenta. Los dos hombres no podían ser más diferentes. David, que era siete años mayor que Bacharach y había escrito canciones para Sinatra, era un hombre de familia a la antigua usanza que se desplazaba diariamente a Nueva York desde su casa de Long Island. Bacharach era un sofisticado donjuán, pero su colaboración sería una de las más fructíferas de la historia de la música popular, empezando por la canción de 1957 «Magic Moments», un éxito para Perry Como. Otro dúo que creó maravillosas canciones para una nueva era fue el del letrista Jerry Leiber y el compositor Mike Stoller.
El renacimiento del Gran Cancionero Americano
El impresionante renacimiento del Gran Cancionero Americano llegó en el siglo XXI, pero las semillas se sembraron en los años 70, una época en la que el cantautor empezaba a imponerse. Hay que reconocer el mérito de Ringo Starr, que fue el primer músico «moderno» que intentó dar nueva vida a los clásicos. La tendencia revitalizada comenzó con el álbum de 1970 del baterista de los Beatles, Sentimental Journey, que incluía canciones de Porter y Carmichael que habían sido las favoritas de su madre. Le siguió el álbum de Carmen McRae de 1972 y luego el emblemático disco de Willie Nelson de 1978, Stardust, que hizo mucho para inspirar los discos posteriores de Dylan.
Nelson, que se había criado con las canciones de los años 40 y 50, recibió el prestigioso Premio Gershwin de la Biblioteca del Congreso para la Canción Popular en 2015. Quizá inspirado por ello, la estrella de la música country volvió al pozo en 2016 con el álbum Summertime: Willie Nelson Sings Gershwin, que incluía un dúo con Cyndi Lauper en ‘Let’s Call The Whole Thing Off’.
La cantante de country Linda Rondstadt también abrió camino con What’s New, en 1983. Una de las particularidades del álbum de Ronstadt de temas del Songbook fue que trabajó con el arreglista Nelson Riddle, el hombre que tanto había hecho por la música de Frank Sinatra con sus elegantes arreglos de cuerda.
No todos los músicos que han abordado el Gran Cancionero Americano en los últimos 40 años han optado por el sonido completo de la big band del apogeo de la música, pero ha habido muchas encarnaciones interesantes, incluyendo álbumes de Joni Mitchell, Luciano Pavarotti, Dinah Washington, Harry Nilsson, Carly Simon, Bette Midler, Rufus Wainwright, Dr. John, Annie Lennox, Nina Simone, Sinead O’Connor, Harry Connick Jr, Diana Krall, Paul McCartney y los populares discos de Rod Stewart.
Michael Bublé, que fue introducido en los estándares por su abuelo, insiste en que el atractivo de las canciones no es simplemente una cuestión de nostalgia. El cantante canadiense dijo: «Siempre me ha llamado la atención este estilo. Escuchar a Mel Tormé o a Ella Fitzgerald o a Frank Sinatra cuando era niño era genial porque tenían esa calidad tonal dulce que no había escuchado en los cantantes modernos.»
La difunta Natalie Cole, que triunfó masivamente con el álbum de homenaje Unforgettable en 1991 (y su continuación en 2008, Still Unforgettable), obviamente tuvo la inspiración cerca en la forma de su padre Nat King Cole, que estaba popularizando espléndidas canciones como ‘Fly Me To The Moon’ en el nuevo medio de la televisión en una época en la que su hija era todavía una niña pequeña.
Cuando tenía más de setenta años, el difunto Harold Arlen se lamentaba de que «ya nadie quiere la melodía». Tal vez se sentiría animado por el renacimiento de las canciones clásicas, un movimiento que incluso ha visto al viejo maestro Tony Bennett unir fuerzas con Lady Gaga en el álbum de 2014 Cheek To Cheek. Tal vez Arlen habría sonreído por la forma en que una nueva generación de jóvenes oyentes estaba siendo introducida (a través de un icono del pop moderno como Gaga) a la obra de Berlín, con letras atemporales como «Heaven, I’m in Heaven/And the cares that hang around me through the week/Seem to vanish like a gambler’s lucky streak/When we’re out together dancing, cheek to cheek.»
Los nombres de algunos de los más grandes letristas posiblemente se están desvaneciendo (¿cuántas personas escuchan «Heart And Soul» o la perenne navideña «Baby, It’s Cold Outside» y saben que son sólo dos de los clásicos escritos por Frank Loesser?) pero la pura calidad sin aliento de las letras es la razón por la que muchas de las canciones en sí mismas nunca serán olvidadas. Ahora existe incluso la Fundación del Gran Cancionero Americano, que organizará su octava academia anual de verano para jóvenes músicos con talento en 2017.
El Gran Cancionero Americano es una de las creaciones más especiales y únicas de la cultura estadounidense. Enfrentémonos todos a la música y bailemos.
