Incluso los mejores guitarristas de jazz rara vez reciben la atención y los aplausos que reciben los trompetistas del género – saxofonistas y trompetas, en particular. Tal vez esto se deba a que, tradicionalmente, la guitarra, que sustituyó al banjo en las secciones rítmicas del jazz, se percibía principalmente como un instrumento de apoyo y acompañamiento, más que como un vehículo viable para la improvisación en solitario.
Otra razón por la que los guitarristas de jazz no fueron el centro de atención en los años de formación de la música fue que su instrumento era acústico y no tenía la capacidad de atravesar el resto del conjunto como podían hacerlo los instrumentos de viento-metal. Por eso, mientras las trompetas se lucían, los guitarristas tenían que arreglárselas rasgando acordes y componiendo en un segundo plano.
Pero la amplificación eléctrica lo cambió todo para el papel de la guitarra en el jazz. Introducida en 1931, la guitarra eléctrica de cuerpo hueco fue inmediatamente solicitada por los guitarristas que luchaban por hacerse oír en la era del swing de las grandes bandas de metal. Ahora, sin embargo, no sólo se podía escuchar claramente su trabajo rítmico de percusión en relación con el resto del conjunto, sino que la posibilidad de tocar pasajes en solitario se había convertido en una realidad tangible. Aun así, debido a la naturaleza propulsiva del swing de las grandes bandas y a su énfasis en la interacción de las trompetas, los mejores guitarristas de jazz de la época -como Freddie Greene, de la banda de Count Basie, uno de los hacheros preeminentes de la era del swing- rara vez tenían, o incluso deseaban, pasajes en solitario.
Pero hubo excepciones. Entre ellos se encuentra Django Reinhardt, el revolucionario guitarrista gitano belga que se dio a conocer tocando en pequeños conjuntos y redefinió el papel de la guitarra en el jazz. Su fenomenal trabajo con el diapasón fue una inspiración para los guitarristas de todo el mundo y dio lugar a una nueva generación de estrellas de la guitarra de jazz: solistas virtuosos, así como sólidos hombres de la sección rítmica.
Charlie Christian fue el siguiente guitarrista importante en el jazz. Como parte de la banda de Benny Goodman, dejó a la gente boquiabierta con su habilidad para hacer solistas utilizando líneas melódicas únicas y fluidas como un trompetista. La avanzada concepción armónica de Christian anticipó el desarrollo del bebop, que, aunque fue una revolución sonora liderada por las trompas (sus principales artífices fueron el saxofonista Charlie Parker y el trompetista Dizzy Gillespie), no obstante guardó un poco de protagonismo para algunos de los mejores guitarristas de jazz de los años 40 y 50.
Los de su calaña proliferaron en los 50, aunque el guitarrista que sobresalió por encima de todos fue un modesto genio de Indianápolis llamado Wes Montgomery, que alcanzó la fama cuando los 50 se acercaban a los 60. Montgomery, al igual que su ídolo, Charlie Christian, podía tocar líneas de una sola nota como un trompetista, pero también incorporaba acordes y octavas en sus solos. Sus sorprendentes habilidades le hicieron parecer sobrehumano y pronto fue aclamado como uno de los mejores guitarristas de jazz que han pisado el planeta.
La influencia de Montgomery fue profunda y amplia, pero los años 60 fueron testigos de la llegada de una nueva raza de guitarristas de jazz (pensemos en Larry Coryell y John McLaughlin) que combinaban el complejo lenguaje armónico del jazz con la dinámica de altos decibelios de la música rock.
Desde entonces, los guitarristas de jazz (Pat Metheny, por ejemplo) han sido en general una raza más ecléctica, que ha absorbido una serie de influencias, sonidos y elementos estilísticos de todo tipo de fuentes musicales diferentes. Pero algo que les une a todos es su deuda con los primeros pioneros, que sacaron la guitarra de jazz de las sombras y la llevaron a la luz.
Mientras lees, escucha nuestra lista de reproducción de los mejores guitarristas de jazz aquí.
Aquí tienes nuestro resumen de los 50 mejores guitarristas de jazz de todos los tiempos…
50: John Pizzarelli (nacido en 1960)
Tener un padre destacado como guitarrista (el especialista en swing Bucky Pizzarelli) aceleró, sin duda, el desarrollo musical de este diapasón de Nueva Jersey; se encontró tocando con artistas de la talla de Benny Goodman y Clark Terry cuando aún era un adolescente. El elegante trabajo de guitarra de Pizzarelli ha adornado grabaciones de músicos tan diversos como Stephane Grappelli, Rosemary Clooney y Paul McCartney, lo que le ha hecho ganarse un nombre como uno de los mejores guitarristas de jazz de su generación.
49: Norman Brown (nacido en 1970)
Jimi Hendrix y The Isley Brothers fueron las primeras influencias de este guitarrista nacido en Kansas City y ganador de un Grammy, pero cambió de rumbo tras escuchar a Wes Montgomery. En los años 90, Brown comenzó su carrera en solitario ofreciendo una sabrosa amalgama de líneas melódicas al estilo de George Benson sobre grooves de smooth jazz muy sensuales.
48: Mary Osborne (1921-1992)
Las guitarristas femeninas son escasas en el jazz, pero esta guitarrista de Dakota del Norte, cuyas raíces musicales entrelazaban el ragtime y la música country, podía competir con creces con los guitarristas masculinos. Osborne arrasó en Nueva York en los años 40, pero sólo grabó unos pocos discos con su propio nombre.
47: Russell Malone (nacido en 1963)
Aunque está muy solicitado como músico de acompañamiento (sus créditos incluyen a Jimmy Smith, Diana Krall, Roy Hargrove, Harry Connick Jr. y Sonny Rollins) este guitarrista de Georgia tiene una serie de buenos discos en solitario. Malone adopta un enfoque más tradicional, directo y con tintes de bop en la guitarra de jazz, favoreciendo un tono rico y suave y combinando melodías tipo cuerno de Grant Green con sutiles secuencias de acordes.
46: Emily Remler (1957-1990)
Un trágico ataque al corazón privó al mundo del talento de esta guitarrista nacida en Manhattan, que comenzó a tocar a la edad de 10 años. Aunque deudora de sus inspiraciones, Wes Montgomery y Joe Pass, Remler se ganó su lugar entre los mejores guitarristas de jazz de la historia gracias al desarrollo de su propio estilo, que combinaba una gracia lánguida y una inteligencia emocional con un virtuoso trabajo de diapasón.
45: Charlie Hunter (nacido en 1967)
No contento con la guitarra normal de seis cuerdas, Hunter, oriundo de Rhode Island, prefiere tocar con instrumentos de siete y ocho cuerdas construidos a medida en los que puede tocar líneas de bajo y crear patrones contrapuntísticos. Miembro del grupo The Disposable Heroes Of Hiphoprisy de Michael Franti a principios de los 90, estableció una carrera en solitario poco después, pasando cinco años en Blue Note. Casando su ADN jazzístico con elementos funk, R&B, rock y pop, Hunter es el autor de un sonido y un estilo inclasificables que hacen de él una voz única entre los mejores guitarristas de jazz del mundo.
44: Kurt Rosenwinkel (nacido en 1970)
Sin ser reacio a utilizar una serie de pedales de efectos y sintetizadores de guitarra -un anatema para la mayoría de los guitarristas de jazz directos- a este hijo de Filadelfia también le gusta asumir riesgos creativos y experimentar en diversos entornos musicales. Es famosa su colaboración con el grupo de hip-hop A Tribe Called Quest y su líder, Q-Tip. Un intérprete imprevisible que siempre sorprende.
43: Julian Lage (nacido en 1987)
En la vanguardia de la más reciente generación de estrellas de la guitarra de jazz, Lage procede de Santa Rosa, California, y fue un niño prodigio que fue a trabajar con el maestro del vibráfono Gary Burton cuando era adolescente. Aunque sólo tiene cuatro álbumes en solitario, la reputación de Lage está creciendo gracias a su habilidad, imaginación y creación de un sonido propio. Aunque es joven, tiene las características de un talento que podría ascender en el escalafón de los mejores guitarristas de jazz del mundo en los próximos años.
42: Earl Klugh (nacido en 1953)
Discípulo de la guitarra española de cuerdas de nylon, Klugh, nacido en Detroit, se inspiró en el instrumento tras ver a la estrella del country Chet Atkins en la televisión. Con un talento precoz, tuvo como mentor al gran jazzista Yusef Lateef y luego tocó con George Benson antes de establecerse como artista en solitario a finales de los 70. Músico sensible y de buen gusto, cuyas límpidas filigranas en el diapasón se ejecutan con gracia, el sorprendente sonido de Klugh es una mezcla de sencillez y elegancia.
41: James «Blood» Ulmer (nacido en 1940)
Comenzando como un hachero ortodoxo de rhythm’n’blues, Ulmer transformó radicalmente su estilo a principios de los 70 al caer bajo el hechizo del maestro del free jazz Ornette Coleman y el revolucionario concepto armolódico de éste (un sistema único para la improvisación colectiva). Como resultado, Ulmer creó un lenguaje discursivo definido por acordes rasgados y fragmentos melódicos irregulares. Más recientemente, Ulmer ha explorado sus raíces de blues, aunque su enfoque sui generis de la guitarra de jazz sigue siendo incomparable entre los mejores guitarristas de jazz de la historia.
40: Eric Gale (1938-1994)
Un prolífico as de la sesión con una afinación perfecta cuyo principal dominio musical era el R&B y el funk, Gale -como atestiguan algunos de sus álbumes en solitario- también podía tocar una guitarra de jazz con influencias bop, mala y diestra. En la raíz de su sonido había un profundo núcleo de blues, que se manifestaba en un tono de llanto lastimero, al estilo de BB King.
39: Eddie Lang (1902-1933)
Arquitecto crucial en la evolución de la guitarra de las grandes bandas de swing (tocó en los grandes conjuntos de Paul Whiteman y Bing Crosby a principios de los años 30), Lang (nacido Salvatore Massarro) se ganó su lugar entre los mejores guitarristas de jazz del mundo gracias al papel fundamental que desempeñó en la aceptación de la guitarra como instrumento de jazz viable (en sustitución del banjo tradicional). Gran influencia para Django Reinhardt, Eddie Lang es aclamado con razón como el «padre de la guitarra de jazz.»
38: Larry Carlton (nacido en 1948)
Al igual que sus contemporáneos Steve Khan y Lee Ritenour, Larry Carlton fue un guitarrista de sesión de primera fila en los años 70 y su distintivo sonido de blues-rock con influencia del jazz definió álbumes seminales como The Royal Scam de Steely Dan y Hejira de Joni Mitchell. El propio trabajo de Carlton ha estado más orientado a la fusión, siendo sus primeros álbumes precursores de lo que ahora se denomina smooth jazz.
37: Laurindo Almeida (1917-1995)
Siendo originario de São Paulo, el pasaporte autodidacta de Almeida a Estados Unidos fue escribir la lucrativa canción «Johnny Peddler», que fue un éxito para el grupo vocal The Andrews Sisters. Luego se unió a la banda de Stan Kenton y, además de ser un prolífico artista de grabación, encontró mucho trabajo como músico de sesión de la Costa Oeste. Con guitarras acústicas y eléctricas, Almeida fue un pionero que mezcló el jazz con los sonidos y estilos de Brasil.
36: George Van Eps (1913-1998)
Con su tono suave y redondo, este guitarrista nacido en Nueva Jersey se sintió atraído por el banjo cuando era joven, pero después de escuchar a Eddie Lang tocar con grandes bandas, se pasó a la guitarra. Debutó en la radio a los 13 años y luego, en los años 30, a medida que su notoriedad iba ganando terreno, tocó en varias grandes bandas, incluida la de Bennie Goodman. Van Eps diseñó su propia guitarra de siete cuerdas, que añadía notas graves más bajas y le permitía desarrollar su propio estilo de tocar con los dedos.
35: Sonny Sharrock (1940-1994)
No muchos de los mejores guitarristas de jazz del mundo pueden decir también que empezaron cantando doo-wop en los años 50. Así es como el neoyorquino Warren «Sonny» Sharrock comenzó su carrera, aunque en los años 60 se convirtió en una de las principales figuras de la guitarra de jazz de vanguardia. El saxofón era su instrumento preferido (se había enamorado del sonido de John Coltrane), pero su asma le impidió coger un instrumento de viento madera. En lugar de ello, se decantó por la guitarra, y su estilo característico -que era ruidoso y funky- utilizaba líneas de ataque similares a las del cuerno, así como retroalimentación de amplificadores al estilo del rock.
34: Howard Roberts (1929-1992)
Por ser originario de Phoenix, Arizona, Roberts cogió su primera guitarra a los ocho años y ya trabajaba profesionalmente a los 15. Se trasladó a Los Ángeles y pronto fue solicitado como as de la sesión, llegando a trabajar con el grupo de élite de sesionistas conocido como The Wrecking Crew. Roberts, que pertenecía a la «escuela cool» de la Costa Oeste, combinaba su estilo con la contención emocional y el virtuosismo técnico de sus dedos. Además de grabar muchos discos en solitario para una gran cantidad de sellos, también trabajó como productor discográfico. Fuera del jazz, Roberts participó en canciones de The Monkees y The Electric Prunes.
33: Kevin Eubanks (nacido en 1957)
Sobrino del pianista de jazz Ray Bryant, Eubanks, nacido en Filadelfia, llegó a la guitarra después de probar con el violín y la trompeta. Su gran oportunidad llegó cuando se trasladó a Nueva York en 1980 y tocó con Art Blakey. En 1983 se publicó el álbum de debut de Eubanks y desde entonces ha estado grabando con regularidad. Eubanks es un hábil guitarrista que se siente cómodo tanto con los instrumentos eléctricos como con los acústicos, y combina líneas melódicas fluidas con nítidos efectos de percusión y un suntuoso contenido armónico.
32: Bill Connors (nacido en 1949)
Aunque su paso por Return To Forever fue breve y quedó eclipsado por la llegada de su flamante sustituto, Al Di Meola, en 1974, Connors tocó en el seminal álbum Hymn Of The Seventh Galaxy del grupo y ocupa su lugar entre los mejores guitarristas de jazz del mundo gracias a su importancia en la evolución de la guitarra de jazz-rock. El guitarrista de Los Ángeles creó un estilo característico y fácilmente identificable que fusiona el cromatismo del jazz y los cambios de acordes avanzados con elementos del blues y el rock.
31: Steve Khan (nacido en 1947)
Hijo del famoso compositor Sammy Cahn, Steve Khan destacó como versátil músico de acompañamiento en el estudio (sus créditos van desde Steely Dan y Bob James hasta Billy Joel y Aretha Franklin), al tiempo que desarrolló una carrera en solitario que le valió dos nominaciones a los Grammy. En los años 70, Khan fusionó con éxito el jazz con el rock y más tarde añadió picantes sabores latinos para ampliar su paleta estilística. Khan sigue grabando con regularidad y es uno de los guitarristas de jazz más destacados de la actualidad.
30: Lee Ritenour (nacido en 1952)
Apodado Captain Fingers, Ritenour, nacido en Los Ángeles, grabó con The Mamas & The Papas cuando aún era un adolescente antes de convertirse en un as de las sesiones muy solicitado, entre cuyos clientes estaban Frank Sinatra, Barry White y Aretha Franklin. La carrera en solitario de Ritenour despegó en 1976, cuando siguió un camino de fusión más funky, más ligero y menos grandioso que el de bandas como Return To Forever. También fue miembro del influyente grupo de smooth jazz Fourplay.
29: Pat Martino (nacido en 1944)
Este maestro del hacha de Filadelfia (nacido como Pat Azzara) es un músico que cambia de forma y que puede pasar del jazz directo a la fusión y al post-bop a golpe de púa. Fue aprendiz de los soul-jazzers Willis Jackson, Brother Jack McDuff y Richard «Groove» Holmes antes de iniciar su carrera en solitario en la segunda mitad de los años 60. Con ganas de compartir sus conocimientos, Martino también ha escrito libros de texto sobre enfoques para tocar la guitarra.
28: Ralph Towner (nacido en 1940)
A pesar de que ahora se encuentra cómodamente entre los mejores guitarristas de jazz del mundo, la guitarra no fue el primer instrumento elegido por Ralph Towner. Empezó con la trompeta, luego pasó al piano, antes de llegar a la guitarra clásica, que estudió en Austria durante dos años. Tras iniciarse en el Paul Winter Consort, en 1970 Towner cofundó Oregon, un grupo totalmente acústico que mezclaba el jazz de cámara con sonidos orientales y que fue precursor de la música New Age. Aunque la banda sigue en activo, Towner también ha disfrutado de una fértil carrera en solitario, y su impactante trabajo con la guitarra, límpido y cristalino, sigue siendo una cosa de belleza.
27: John Abercrombie (1944-2017)
Un prolífico artista que graba para el sello ECM, con sede en Múnich, de Manfred Eicher, desde los años 70, este neoyorquino de nacimiento citó a Chuck Berry y Barney Kessel entre sus influencias. Miembro de la banda pionera de jazz-rock Dreams, en los años 70 Abercrombie tocó con gente como Gil Evans y en el supergrupo Gateway, al tiempo que desarrollaba un sonido cálido y de tonos pastel impregnado de un lirismo melódico.
26: Bill Frisell (nacido en 1951)
Estudiante de los grandes de la guitarra de jazz Johnny Smith y Jim Hall, Frisell, nacido en Maryland, ha encontrado su propio nicho estilístico mezclando el jazz con elementos de la música country, folk y rock. Su habilidad para evocar un estado de ánimo o una atmósfera particular con efectos también forma parte de su estilo característico. Un guitarrista ecléctico y versátil que ha contribuido a ampliar los límites del instrumento.
25: Freddie Greene (1911-1987)
Siendo originario de Carolina del Sur, Green fue un incondicional de la banda de Count Basie y pasó casi medio siglo con el aristócrata del jazz. Empezó tocando el banjo antes de pasarse a la guitarra de seis cuerdas, y alcanzó la fama en la época de las grandes bandas de swing. Rara vez tomaba solos, Greene prefería ayudar a conducir la sección rítmica proporcionando un acompañamiento de acordes fluido y duro. Escribió el libro sobre el pago de la guitarra de las grandes bandas.
24: Herb Ellis (1921-2010)
Hay un ligero pero perceptible toque country en el estilo de raíces bebop de este destacado guitarrista tejano, que entró en el radar de la mayoría de los aficionados al jazz gracias a su indispensable presencia en el Oscar Peterson Trio durante los años 50. Junto con otras luminarias del diapasón, Joe Pass, Charlie Byrd y Barney Kessell, Ellis cofundó un supergrupo de guitarra de jazz llamado The Great Guitars.
23: Al Di Meola (nacido en 1954)
Un auténtico rey de la velocidad del diapasón, Di Meola, de Nueva Jersey, fusionó la intensidad apasionada y de dedos rápidos de la música flamenca con el crujido visceral del rock latino al estilo de Santana. Salió del anonimato a los 19 años cuando sustituyó a Bill Connors en Return To Forever, de Chick Corea, y luego se forjó una exitosa carrera en solitario.
22: Lenny Breau (1941-1984)
De Auburn, Maine, y nacido en una familia de músicos de country, Breau formó parte de la banda de su familia durante varios años cuando era adolescente, pero lo dejó después de enfadar a su padre al tocar un solo de influencia jazzística. Después de eso, el técnicamente brillante Breau gravitó hacia el jazz y también asimiló la música flamenca, lo que dio como resultado un estilo personal distintivo que nunca olvidó sus raíces country.
21: Mike Stern (nacido en 1953)
Nacido como Mike Sedgwick en Boston, Stern tocó en la banda de fusión del baterista Billy Cobham en los años 70 antes de unirse a un resurgido Miles Davis en su regreso en 1981. Tras dejar a Miles en el 83, Stern inició una carrera en solitario que le mostró como un guitarrista polifacético capaz de combinar el poder visceral del blues y el rock con el vocabulario avanzado del jazz.
20: John Scofield (nacido en 1951)
Al igual que su contemporáneo Mike Stern, Scofield, nacido en Ohio, tocó en la fusión con Billy Cobham y luego se unió a un rejuvenecido Miles Davis durante dos años (fue el sustituto de Stern). Con su tono acerado y sus tirones de cuerda con sabor a blues, Scofield desarrolló un estilo inmediatamente reconocible y ha grabado en una impresionante variedad de estilos (abarcando el funk de banda improvisada, el jazz orquestal e incluso la música country).
19: Charlie Byrd (1925-1999)
Byrd, nacido en Virginia, estudió con el maestro español André Segovia y empezó a dejar su huella como artista discográfico a finales de los años 50. Su mayor éxito fue el innovador álbum Jazz Samba, grabado junto con el saxofonista Stan Getz en 1962, que fusionaba la improvisación del jazz con los sinuosos ritmos brasileños y lo situó inmediatamente en el mapa como uno de los mejores guitarristas de jazz del mundo. El sonido de Byrd, con sus filigranas de dedos, es único en el jazz.
18: Allan Holdsworth (1946-2017)
Este superlativo guitarrista de jazz británico, una especie de polímata musical, hizo avanzar el vocabulario de su instrumento utilizando escalas inusuales y absorbiendo elementos del rock progresivo (incluidos los pedales de efectos). Aunque a menudo utilizaba un ornamentado finger-picking, le gustaba articular las melodías con un estilo suave y legato, reflejando su interés por el sonido del saxofón.
17: Larry Coryell (nacido en 1943-2017)
A veces apodado El Padrino de la Fusión, Coryell, nacido en Galveston (cuyo nombre real es Laurence Van DeLinder III), fue el sustituto de Gabor Szabo en la banda de Chico Hamilton y comenzó a hacerse un nombre a finales de los 60 como defensor de un nuevo híbrido musical llamado jazz-rock. Dirigió su propia banda de fusión, Eleventh House, en los años 70, y más tarde se unió a John McLaughlin y Paco de Lucía para formar The Guitar Trio. Un dios del hacha enormemente influyente que tendió un puente entre el jazz y el rock, Coryell será recordado para siempre como uno de los mejores guitarristas de jazz que han cogido el instrumento.
16: Jimmy Raney (1927-1995)
Sustituto de Tal Farlow en el Red Norvo Trio, Raney, nacido en Kentucky, se convirtió en líder de una banda a mediados de los años 50, triunfando en las encuestas de la revista DownBeat como mejor guitarrista en dos ocasiones durante ese tiempo. Su elocuente estilo, con sus lúcidas líneas melódicas y frías armonías, le hizo ganar muchos fans y sus numerosos créditos incluyen grabaciones con Stan Getz, Oliver Nelson, Lalo Schifrin y Eddie Harris.
15: John McLaughlin (nacido en 1942)
Miles Davis estaba tan enamorado de la forma de tocar la guitarra de McLaughlin que le puso su nombre a una canción (en Bitches Brew). Antes de eso, la deidad del hacha nacida en Yorkshire se hizo un nombre como músico de sesión de primera fila en Londres durante los años 60, cuando apareció en innumerables discos de pop y R&B. Tocó con Tony Williams’s Lifetime antes de, en los años 70, cofundar el influyente supergrupo de jazz-rock Mahavishnu Orchestra. Combinando la brillantez técnica con la profundidad emocional y una genuina apreciación de la música india, McLaughlin sigue siendo uno de los mejores guitarristas de jazz del mundo, y ha liderado el camino del jazz-rock durante cinco décadas.
14: Gabor Szabo (1936-1982)
Con su fusión de música folclórica gitana húngara, amplios vamps modales, ragas indios y coloración psicodélica, este versátil guitarrista nacido en Budapest ejerció una enorme influencia en el dios del hacha mexicano Carlos Santana. Su ascenso a la fama se vio acelerado por su presencia en el grupo de jazz de Chico Hamilton a principios de los años 60, antes de embarcarse en una exitosa carrera en solitario.
13: Johnny Smith (1922-2013)
Originalmente de Birmingham, Alabama, Smith fue un músico de talento precoz que aprendió a tocar la guitarra cuando era preadolescente mientras merodeaba por las casas de empeño locales. Su versatilidad (hizo giras con una banda de hillbilly antes de inclinarse por el jazz y podía tocar cualquier cosa, desde el swing y el bebop hasta la música clásica de vanguardia) hizo que fuera muy solicitado. Smith también fue un destacado compositor: su clásica canción de 1954 «Walk, Don’t Run» se convirtió en un estándar instrumental y fue un éxito para Chet Atkins y más tarde, en 1964, para The Ventures.
12: Stanley Jordan (nacido en 1959)
En 1985, este hechicero del diapasón nacido en Chicago, que entonces tenía sólo 26 años, causó sensación con su LP de debut en Blue Note, Magic Touch, que mostraba la técnica poco ortodoxa de Jordan de tocar la guitarra golpeando el diapasón con las yemas de los dedos para producir sonidos. Tal era la destreza digital de Jordan que, al igual que un pianista, podía articular melodías y acordes al mismo tiempo con ambas manos. Un talento fenomenal que se gana con creces su lugar entre los mejores guitarristas de jazz del mundo.
11: Tal Farlow (1921-1998)
El carolino del norte Talmadge Farlow fue un guitarrista autodidacta que, en sus inicios, trabajaba como pintor de carteles de día y músico de noche. Se inspiró para construir él mismo su primera guitarra eléctrica tras escuchar a Charlie Christian con la banda de Benny Goodman. Su carrera en solitario se aceleró a mediados de los años 50 y rápidamente adquirió el apodo de El Pulpo, que hacía referencia a la combinación de sus grandes manos y su asombrosa destreza técnica.
10: Pat Metheny (nacido en 1954)
Este camaleónico hechicero del diapasón de Missouri -cuyos créditos en los álbumes van desde David Bowie y Joni Mitchell hasta Ornette Coleman- cita la influencia de Wes Montgomery y Jim Hall como componentes clave en la base de su propio estilo único. La música de Metheny, que cambia de forma, es difícil de clasificar, pero eso no le ha impedido ganar 20 premios Grammy. Además de ser uno de los mejores guitarristas de jazz de la historia, Metheny es, sin duda, el guitarrista más progresista del jazz en estos momentos.
9: Joe Pass (1929-1994)
Nativo de Nueva Jersey y con ascendencia siciliana, Pass (nacido Joe Passalaqua) empezó a tocar la guitarra a los nueve años y avanzó tan rápidamente que a los 14 ya estaba dando conciertos. Guitarrista sumamente versátil, patentó un estilo singular e innovador con el que podía articular líneas melódicas utilizando hábiles secuencias de progresiones de acordes. Pass pasó muchos años acompañando a la cantante Ella Fitzgerald y también tocó extensamente con el pianista Oscar Peterson.
8: Kenny Burrell (nacido en 1931)
Un acompañante habitual, además de ser un artista discográfico por derecho propio, Burrell, nacido en Detroit, se inspiró en la música blues, así como en Charlie Christian y Django Reinhardt. Empezó a tocar la guitarra a los 12 años y debutó en el mundo discográfico ocho años después con el trompetista Dizzy Gillespie. Burrell se convirtió en una figura clave del movimiento hard bop y puede tocar con alma, además de hacer swing. Sus innumerables créditos van desde Sonny Rollins y Donald Byrd hasta Billie Holiday y Tony Bennett.
7: Barney Kessell (1923-2004)
Miembro de la mafia de sesiones de Los Ángeles de los años 60 apodada The Wrecking Crew, este maestro de la guitarra era originario de Tuskegee, Oklahoma, y alcanzó la fama en los años 50, tanto como líder como sideman (es famoso por acompañar a la cantante Julie London en su LP de 1955, Julie Is Her Name, que incluía «Cry Me A River»). Como corresponde a uno de los mejores guitarristas de jazz de la historia, Kessell tocó con los grandes y buenos del mundo del jazz (todos, desde Billie Holiday hasta Sonny Rollins) y destacó por su sonido suave y su acertada elección de acordes.
6: Grant Green (1935-1979)
Un prolífico artista que grabó en Blue Note durante los años 60 y principios de los 70, Green, nacido en San Luis e influenciado por los trompetistas del bebop, adoptó un enfoque lineal de la guitarra, favoreciendo las líneas melódicas simples sobre el acompañamiento de acordes. Su estética minimalista, de «menos es más», con su fraseo inspirado en el blues, a menudo se destacaba en el marco de un trío de órganos.
5: George Benson (nacido en 1943)
Influenciado por Charlie Christian y tutelado por Wes Montgomery (a menudo se le considera el heredero aparente de este último -no hay mejor cumplido para ninguno de los mejores guitarristas de jazz del mundo-), este guitarrista nacido en Pittsburgh fue un niño prodigio que se convirtió en una superestrella del jazz y el soul en los años 70, cuando se reinventó como vocalista. Destreza en el diapasón de la escuela del soul-jazz, la tarjeta de visita de Benson es hacer un scat vocal mientras dobla la melodía en la guitarra. Probablemente sea el mejor guitarrista de jazz del momento.
4: Jim Hall (1930-2013)
Nacido en Buffalo, Nueva York, Hall, criado en Ohio, empezó a tocar la guitarra a los 10 años y tuvo una epifanía que le cambió la vida cuando escuchó por primera vez a Charlie Christian, que tuvo una profunda influencia en su propio estilo. Destacado por su sonido cálido y meloso, Hall es un maestro de la utilización del espacio y la creación de contrastes tonales. Se gana su lugar entre los mejores guitarristas de jazz del mundo gracias a una ecléctica elección de colaboradores y a una amplia gama de escenarios musicales que ayudaron a ampliar el léxico de la guitarra de jazz.
3: Charlie Christian (1916-1942)
Un auténtico revolucionario de la guitarra de jazz, Christian, nacido en Texas, saltó a la fama en la banda de Benny Goodman durante los años 1939-41. Fue el pionero de la guitarra eléctrica en el jazz, lo que, combinado con su afición a utilizar líneas de una sola nota (como un trompetista), sacó al instrumento de la sección rítmica y lo situó en primer plano, convirtiéndolo en un instrumento válido para solistas. Christian, uno de los primeros defensores de lo que se convirtió en el bebop, sólo tenía 25 años cuando murió, sucumbiendo a la tuberculosis.
2: Django Reinhardt (1910-1953)
Padre fundador del jazz «caliente» europeo influenciado por el swing en los años 30, este romaní de origen belga tenía una habilidad técnica prodigiosa a pesar de que sólo tocaba con el pulgar y los dos dedos centrales (después de que un incendio le dejara paralizados los otros dos dígitos). Era capaz de combinar la velocidad, la precisión y una deslumbrante destreza manual con la imaginación y el sentimiento profundo. Un verdadero gigante del jazz cuya forma de tocar nunca deja de asombrar.
1: Wes Montgomery (1923-1968)
Al frente de nuestra lista de los mejores guitarristas de jazz de todos los tiempos se encuentra un venerado y profundamente influyente genio del diapasón de Indianápolis que no sabía leer una nota musical. Utilizando sólo un pulgar calloso para escoger las notas, Montgomery se inspiró en el fraseo bebop de su ídolo, Charlie Christian, pero ofreció un estilo armónico más avanzado que incorporaba acordes en bloque y el uso de octavas paralelas. Murió demasiado joven, pero su música y su influencia siguen vivas.
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