Una historia de la música reggae

Jamaica: el mento

(Ver Antecedentes: El siglo XX)

El primer estudio de grabación jamaicano abrió sus puertas en 1951 y grabó música «mento», una fusión de música folclórica europea y africana.La isla estaba inundada de discos de rhythm’n’blues importados por los llamados «sound systems», excéntricos salones de baile ambulantes dirigidos por disc-jockeys no menos excéntricos como Clement Dodd (el «Downbeat») y Duke Reid (el «Trojan»).Los pobres de los guetos jamaicanos, que no podían permitirse contratar una banda para sus fiestas, tenían que contentarse con estos «sistemas de sonido». Los «selectores», los disc-jockeys jamaicanos que manejaban esos sistemas de sonido, se convirtieron en los verdaderos animadores. El arte del «brindis», que solía consistir en patrones vocales rimados y que pronto evolucionó hacia el comentario social, se convirtió en algo tan importante como la música que se reproducía.

En 1954, Ken Khouri fundó el primer sello discográfico de Jamaica, «Federal Records», e inspiró a Reid y Dodd, que empezaron a grabar a artistas locales para su sistema de sonido. Esto dio lugar a los grupos de «bluebeat», que básicamente eran la versión jamaicana del sonido de Nueva Orleans. Suelen contar con saxofón, trompeta, trombón, piano, batería y bajo.

Pronto el bajo se convirtió en el instrumento dominante, y el sonido evolucionó hacia el «ska». El ritmo del «ska» había sido inventado por Roscoe Gordon, un pianista de Memphis, con No More Doggin’ (1951). Las canciones de ska tenían un ritmo acelerado, una sección de vientos, armonías vocales afroamericanas, riffs de jazz y notas de guitarra entrecortadas.

Ska

(Ver La era de los renacimientos)

Theophilus Beckford grabó el primer disco de «ska», Easy Snapping, en 1959, pero Prince Buster (Cecil Campbell), propietario del sistema de sonido «Voice of the People», fue quien, hacia 1961, definió los rasgos somáticos del ska de una vez por todas (él y su guitarrista Jah Jerry).

Los Wailers, con el joven Bob Marley, Peter Tosh y Bunny Livingston, ralentizaron el ritmo en Simmer Down (1963).My Boy Lollipop (1964) de Millie Small fue el primer éxito mundial del ska.Los líderes carismáticos del movimiento ska fueron los Skatalites, un grupo de veteranos ex-jazzistas liderados por el saxofonista Tommy McCook y que contaban con el virtuoso trombonista Don Drummond y el saxofonista tenor Rolando Alphonso, que sólo existió formalmente entre 1964 y 1965 (Ball O’ Fire, 1965; Phoenix City, 1966; el instrumental Guns Of Navarone, 1967), pero la estrella del ska fue Desmond Dekker (Dacres), cuyo disco Israelites (1968) lanzó el «poppa-top» aún más rápido, y cuyos temas007 Shanty Town (1967) y Rude Boy Train alimentaron la mitología del «chico rudo».La música ska era relativamente serena y optimista, una banda sonora natural para esa época de paz y riqueza, algo parecido a la música del «swinging London».

Jamaica se había convertido en un país independiente en 1962, pero los problemas sociales se habían multiplicado.A mediados de los años sesenta, la música ska evolucionó hacia el «rock steady», un estilo lánguido, llamado así por el éxito Rock Steady (1966) de Alton Ellis, que enfatizaba los temas sociopolíticos, adoptaba instrumentos eléctricos, sustituía las trompas por las guitarras y promovía el bajo como instrumento principal (borrando prácticamente la batería).En otras palabras, el ska mutó bajo la influencia de la música soul. El rock steady se identificó con la multitud de jóvenes delincuentes (los «rude boys») que imitaban a los «mods» británicos y a los «punks» estadounidenses.Sus himnos generacionales fueronJudge Dread (1967) de Prince Buster,John Holt’s The Tide Is High (1966) de los Paragons,Rivers Of Babylon (1969) de los Melodians.La música pasó a un segundo plano frente a las armonías vocales. Esto contribuyó a la supremacía de los grupos vocales: Wailers, Paragons, Maytals (el nuevo nombre de los vikingos del éxito ska Halleluja, 1963), Pioneers, Melodians, Heptones, etc.

Reggae

(Ver Reajuste)

La palabra «reggae» se acuñó hacia 1960 en Jamaica para identificar un estilo de música de baile «desgarrado», que seguía teniendo sus raíces en el rhythm’n’blues de Nueva Orleans. También hizo explícita la relación con el submundo de los «rastafaris» (adeptos de una fe africana milenaria, resucitada por Marco Garvey, que abogaba por una emigración masiva a África), tanto en las letras como en la apropiación del estilo africano de percusión nyah-bingi (un estilo que imita el latido del corazón con su patrón de «thump-thump, pausa, thump-thump»).En comparación con la música rock, la música reggae invirtió básicamente el papel del bajo y la guitarra: el primero llevaba la voz cantante, el segundo marcaba el ritmo típico que quita el hipo.La paradoja del reggae, por supuesto, es que esta música «única de Jamaica» no es en realidad jamaicana en absoluto, ya que tiene sus fundamentos en Estados Unidos y África.

Un sello independiente, Island, distribuyó discos jamaicanos en el Reino Unido a lo largo de la década de 1960, pero el reggae sólo se hizo popular en el Reino Unido cuando Al Capone (1967), de Prince Buster, inició una breve «locura por el baile».La música jamaicana era en gran medida un fenómeno de gueto, asociado a la violencia de las bandas, pero Wonderful World Beautiful People (1969) de Jimmy Cliff unió el reggae a la filosofía de «paz y amor» de los hippies, una asociación que no se extinguiría. En Estados Unidos, Red Red Wine (1967) de Neil Diamond fue el primer éxito de reggae de un músico pop.Do The Reggay (1968) de Toots (Hibbert) And The Maytals fue el disco que dio nombre a la música.El estilo vocal de Fredrick Toots Hibbert se acercaba más al gospel, como demuestran sus otros éxitos (54-46, 1967; Monkey Man, 1969; Pressure Drop, 1970).

Un acontecimiento poco notado tendría consecuencias de gran alcance: en 1967, el disc-jockey jamaicano Rudolph «Ruddy» Redwood había comenzado a grabar versiones instrumentales de éxitos de reggae. El éxito de su club de baile se debió enteramente a esa idea. Duke Reid, que ahora era el propietario del sello Trojan, fue el primero en capitalizar la idea: empezó a lanzar singles con dos caras: la canción original y, en el reverso, la remezcla instrumental. Este fenómeno elevó el estatus de decenas de ingenieros de grabación.

La música reggae fue popularizada principalmente por Bob Marley (1), primero como colíder de los Wailers, la banda que promovió la imagen de la guerrilla urbana con Rude Boy (1966) y que grabó el primer álbum de música reggae, Best Of The Wailers (1970); y más tarde como gurú político y religioso (rasta) del movimiento, una postura que lo transformaría en una estrella, sobre todo tras su conversión a la melodía pop con baladas como Stir It Up (1972), I Shot The Sheriff (1973) y No Woman No Cry (1974).

Entre los grupos vocales de reggae, Satta Massa Gana (1971)de los Abyssinians es representativo del estado de ánimo de la época.

En 1972 el reggae se convirtió en un elemento básico de las emisoras de radio occidentales gracias a la película The Harder They Come.

Dub

Cada vez más ingenieros de estudio remezclaban las caras B de los singles de reggae de 45 RPM, eliminando las voces y enfatizando la textura instrumental de la canción, con el fin de permitir a los disc-jockeys «brindar» por el disco. Los ingenieros fueron perfeccionando las texturas instrumentales, sobre todo cuando empezaron a emplear sofisticados dispositivos de estudio, y finalmente el «dub» se convirtió en un arte en sí mismo.Los primeros singles dub aparecieron en 1971, pero el hombre al que generalmente se atribuye la «invención» del género es Osbourne Ruddock, más conocido como King Tubby (2), un ingeniero de grabación que en 1970 había descubierto accidentalmente el atractivo de despojar a una canción de su pista vocal, y que diseñó el primer disco dub, Psalm Of Dub (1971) de Carl Patterson.Cuando se juntó con el productor Lee «Scratch» Perry, nació Blackboard Jungle (1973): el primer disco de «dub» en estéreo.Fue una revolución copernicana: el ingeniero y el productor se habían convertido en algo más importante que el compositor.También marcó el punto terminal de la «ralentización» de la música jamaicana, un proceso que había llevado del ska al reggae y al rock steady. Comparado con el original, el dub era como una versión a cámara lenta.Una colaboración con el melódico Augustus Pablollevó a otro trabajo seminal, King Tubby Meets Rockers Uptown (1976).

Rainford Hugh Perry, más conocido como Lee «Scratch» Perry (3), que había sido el mentor de los Wailers, marcó la pauta de referencia para las generaciones venideras con Double Seven (1974), el primer álbum de reggae con sintetizadores, Revolution Dub (1975) y Super Ape (1976), una de las obras maestras del género.

El virtuoso de la melódica Augustus Pablo (2), alias Horace Swaby, escribió los álbumes instrumentales This Is Augustus Pablo (1973) y East of the River Nile (1977), dos de las obras más atmosféricas del género.

Talk-over

El «rap» tiene su origen en la tradición complementaria del «talk-over»: los disc-jockeys de los equipos de sonido solían acompañar las pistas de baile con voces melódicas y habladas improvisadas, a menudo simplemente para añadir entusiasmo al baile. U-Roy (Edwart Beckford) fue posiblemente el primer gran artista del talk-over, el hombre que convirtió el dub en un vehículo muy eficaz para los mensajes de agit-prop (Dynamic Fashion Way, 1969; Runaway Girl, 1976; Wake the Town, Wear You to the Ball).Otros pioneros del rap fueron Dennis «Alcapone» Smith, con Forever Version (1971), Prince Jazzbo y I Roy.Big Youth (Manley Buchanan) subió la apuesta con sus salvajes raps sociopolíticos (S-90 Skank, 1972; The Killer, 1973; House Of Dread Locks,1975; Every Nigger Is A Star, 1976), con mayor eficacia enDreadlocks Dread (1975).Originalmente, la técnica de estos «tostadores» consistía en remezclar canciones ajenas, eliminando las voces originales, enfatizando la base rítmica y sobregrabando sus propias historias rimadas en la pista resultante.

La edad de oro del Reggae

A medida que el reggae se convertía en una atracción mundial, los estilos se multiplicaban y se mestizaban con los géneros americanos.

Burning Spear (1), el proyecto del visionario rastafari Winston Rodney, dio rienda suelta a la sobrecarga de Marcus Garvey (1976), quizá el mayor logro artístico de la música reggae.

El trío vocal Culture de Joseph Hill era igualmente apasionado, y la canción que da título a Two Sevens Clash (1977) se convirtió en el himno de los rasta-punks y acuñó el «rockers reggae».

Ijahman Levi (Trevor Sutherland) fue quizá el vocalista más espiritual de su generación. Sus canciones eran himnos religiosos (Jah Heavy Lord, 1975; I’m A Levi, 1978; Are We A Warrior, 1978).

El ex-Wailers Peter Tosh, o Winston Hubert McIntosh, se pasó al territorio del rock con Legalize It (1976).

Otros clásicos populares son Police And Thieves (1976), de Junior Marvin, y Love Is Overdue (1974), de Gregory Isaacs.

El renacimiento jamaicano en Gran Bretaña

El reggae y el ska disfrutaron de un importante renacimiento en Gran Bretaña durante la era punk.A partir de mediados de la década de 1970, grupos como Aswad, Steel Pulse, Matumbi y UB40 ofrecieron una versión occidentalizada de la música jamaicana que era más bien poco inspirada, pero tuvieron la suerte de que el público encontrara afinidades con los temas implícitos de protesta de los punks políticos.Al mismo tiempo, las sensaciones británicas del renacimiento del ska incluyeron a Specials y Madness.La música dub británica fue un asunto más serio, y tardó más en surgir. Pero, a largo plazo, fue la música dub, y no el ska o el reggae, la que se mantuvo, gracias a las producciones de calidad de Adrian Sherwood (el cerebro detrás de African Headcharge, Dub Syndicate y New Age Steppers), Jah Shaka y el prolífico Neil Fraser, nacido en Guyana y más conocido como Mad Professor, que compuso Beyond the Realms Of Dub (1982), e incluso el propio New Chapter of Dub de Aswad (1982).El pionero del dub y experimentalista Keith Hudson, con Pick A Dub (1976), y el pintor de sonidos instrumentales Dennis Bovell (antiguo miembro de Matumbi, ingeniero que acuñó la fusión de soul y reggae llamada «Lovers Rock»), alcanzaron sus cimas artísticas con Strictly Dubwise (1978), I Wah Dub (1980), probablemente su lanzamiento más intenso, y Brain Damage (1981), una obra cosmopolita que también mezclaba calipso, rock y funk.Linton Kwesi Johnson, poeta jamaicano afincado en Inglaterra, trasladó el humor del reggae a sermones basados en el dub, arreglados por Dennis Bovell, sobre los problemas contemporáneos del lumperproletariado.Lo mismo ocurrió con el otro poeta del dub, Mutabaruka. Estos poetas del dub eran tan musicales como sus productores. Kwesi le debía mucho a Bovell.

La música jamaicana en los años 80

(Ver The New Age y World-music)

El trío vocal Black Uhuru, apoyado por la sección rítmica de Sly Dunbar y Robbie Shakespeare, envolvió el reggae y el rastafarismo en una hábil producción de máquinas de batería y sintetizadores, especialmente en Red (1981).

Third World ofreció una fusión comercial de reggae, funk y soul.

Entre los innovadores de la siguiente generación se encontraban el tostador y tornero Yellowman (Winston Foster), pionero del «dancehall» (música reggae con tambores de rock) que estableció su reputación conMister Yellowman (1982), artistas crossover como Eddy Grant, con la fusión electrónica afro-rock-reggae-funk deWalking on Sunshine (1979), Eek-a-Mouse (Ripton Joseph Hylton), que inventó una técnica vocal única que se remonta a los primeros días del tostado, como se muestra en Wa Do Dem (1982), y Mikey Dread (Michael Campbell), que creó African Anthem/ At The Control Dubwise (1979), con la ayuda de Scientist, King Tubby, Augustus Pablo y Sly & Robbie, y World War III (1981), con la ayuda de Scientist, tras colaborar con la banda de punk-rock Clash.

En cuanto al dub, King Tubby formó a toda una generación de ingenieros de grabación, que se convirtieron en innovadores de la música jamaicana, como Prince Jammy (Lloyd James), que ideó el reggae totalmente digital Under Me Sleng Teng (1985), al que se atribuye la invención del «ragga» (una fusión de reggae, rap y música electrónica de baile), y Scientist (Overton Brown).

En la década de los ochenta fueron muy populares los músicos de reggae Judy Mowatt, que, como vocalista de Marley, fue una de las primeras intérpretes femeninas del reggae y, como solista, se pasó a la balada pop-soul,El bardo sociopolítico de Costa de Marfil Alpha Blondy (Kone Seydou) y David «Ziggy» Marley, hijo del profeta, que vendió el mito de su padre al público internacional del disco-pop.El tostador de dancehall Shabba Ranks (Rexton Gordon) y Shinehead (Carl Aiken)fueron las estrellas del hip-hop ragga.

La estrella de los 90 fueBuju Banton (Mark Anthony Myrie), revelado por Til Shiloh (1995).