Una visión histórica de los murales

Los murales se definen en términos generales como una pintura u otra obra de arte ejecutada directamente en una pared, techo u otra superficie permanente. Un aspecto único de los murales es que la arquitectura física de la superficie se incorpora a la obra de arte. Los primeros murales conocidos existieron en el Paleolítico y se descubrieron en cuevas del sur de Francia, hacia el 30.000 a.C. Otros ejemplos históricos de murales son las pinturas jeroglíficas de las tumbas egipcias, los palacios minoicos, las cuevas de Ajanta y la ciudad-estado de Pompeya. La técnica del marouflage, consistente en adherir lienzos pintados a las paredes, se remonta a hace 3.000 años y es un precursor del método moderno de pegado con trigo.

Durante la Edad Media, los murales se realizaban normalmente sobre yeso seco. La ocupación árabe de España, que duró 500 años, trajo consigo influencias artísticas y estéticas, como el zellij, o patrones geométricos basados en fórmulas matemáticas, que acabaron influyendo en el arte europeo durante el periodo del Renacimiento. En el siglo XIV, los pintores italianos desarrollaron la técnica del fresco secco, murales pintados sobre yeso húmedo, lo que supuso una importante evolución en la calidad de las obras de arte. Entre los murales más famosos del Renacimiento se encuentran «La última cena» de Leonardo Da Vinci, «La creación de Adán» de Miguel Ángel, «El juicio final» y el techo de la Capilla Sixtina. Dado que los artistas solían contar con el apoyo de mecenas ricos y con poder político, como los Médicis, y/o recibían encargos de la propia Iglesia católica, muchas de las obras clásicas del Renacimiento reflejan temas cristianos, incluida la fascinación por el cristianismo ortodoxo griego que se desarrolló tras la caída de Constantinopla en manos del Imperio Otomano. Sin embargo, el renovado interés por las ideas griegas y un floreciente movimiento intelectual y artístico condujeron al establecimiento del humanismo en el siglo XV, que acabó extendiéndose por toda Europa y alejándose de la Iglesia como centro de la religión, la política y la cultura.

A principios del siglo XX, el movimiento muralista mexicano asociado a Diego Rivera aportó un nuevo nivel de sofisticación a los murales, tomando influencias del cubismo y el postimpresionismo, además de incorporar comentarios sociales y políticos -que a menudo habían sido suprimidos en Europa-. Rivera ayudó a popularizar los murales en todo México, Centroamérica y Estados Unidos, y sus obras empezaron a reflejar una conciencia política de izquierda radical, además de las influencias tradicionales del azteca.

El enfoque del movimiento muralista mexicano en los mensajes sociales y políticos -patrocinado inicialmente por el gobierno tras la revolución de 1910- se convirtió a su vez en una influencia primordial en el movimiento artístico chicano de la década de 1960, un esfuerzo mexicano-estadounidense por combinar las ideologías del poscolonialismo con las tradiciones precolombinas, y una identidad claramente chicana.

También en los años 60 surgió el movimiento de murales de la comunidad afroamericana. La principal inspiración de este movimiento fueron las luchas por la liberación de los Derechos Civiles y posteriores y el enfoque en la estética cultural y artística del Movimiento de las Artes Negras y del Ministro de Cultura y artista de las Panteras Negras, Emory Douglas. El movimiento de murales comunitarios comenzó con el Muro del Respeto de Chicago, que fue revolucionario no sólo por la representación de iconos negros, sino también por el hecho de que la comunidad compartiera la propiedad colectiva de la obra. El Muro del Respeto dio lugar a muchos Muros similares en Chicago, muchos de ellos pintados por William Walker, y a una oleada de murales orientados a la comunidad en muchas de las principales ciudades estadounidenses, como Detroit, Los Ángeles, San Francisco, Portland y San Luis.

El movimiento de los murales comunitarios coincidió con lo que los no practicantes han denominado «el movimiento moderno del grafiti» (los practicantes a menudo no se llaman a sí mismos grafiteros, prefiriendo los términos «escritores de estilo» o «artistas del aerosol»), que comenzó en Filadelfia y Nueva York, y utilizó el medio de la pintura en aerosol, así como superficies previamente no comunes: vagones de metro, canchas de balonmano, pasos subterráneos de autopistas. Los orígenes del movimiento se sitúan en el estilo de guerrilla, en muros no permitidos, y al principio giraban en torno a etiquetas que identificaban al artista, como Coco 144 o Lee 163d, pero con el tiempo evolucionaron hacia la adición de elaboradas escrituras caligráficas, personajes -incluyendo a Yosemite Sam y Cheech Wizard de Vaughn Bode- y contornos y fondos vibrantes y multicolores. Un paso evolutivo particular fue la utilización de «gorros» por parte de un escritor neoyorquino llamado Super Kool 223; la boquilla ancha permitía pulverizaciones más amplias y letras más gruesas, al igual que un pincel más grueso cubre más superficie. Los estilos evolucionaron de forma constante y continua, y los escritores formaron cuadrillas -tanto para protegerse y distinguirse de otras cuadrillas, como para ayudar a navegar en un entorno con bandas callejeras muy territoriales.

La primera exposición de arte graffiti, en 1972, fue reseñada en el New York Times, lo que dio lugar a más exposiciones y al interés de los coleccionistas de arte y a la siguiente nueva tendencia. A lo largo de los años 70, el arte del grafiti continuó pintando murales en trenes y paredes, y varios de los escritores con más talento también empezaron a hacer lienzos con el medio del aerosol.

Inicialmente un movimiento en sí mismo, el movimiento del arte del aerosol se identificó con la emergente cultura del hip-hop en Nueva York, a través de escritores pioneros como Phase 2, que también eran b-boys, o bailarines de hip-hop. Cuando DJs pioneros como Kool Herc, Afrika Bambaataa y Grandmaster Flash se convirtieron en celebridades locales, artistas como Phase 2 añadieron el diseño gráfico a su currículum, haciendo folletos para las fiestas de los DJs.

A pesar de su innovación artística y estética, el movimiento artístico del aerosol existía en los márgenes de la sociedad, y era contracultural hasta la médula. Como es lógico, había que pagar las consecuencias. La policía solía golpear a quien encontraba con pintura en aerosol, a veces pintando la cara del escritor con ella. La indignación cívica contra el vandalismo se tradujo en multas (y, eventualmente, en penas de prisión). La Autoridad Metropolitana de Tránsito de Nueva York gastó decenas de millones de dólares en pulir los trenes; en 1977, la era del metro había llegado a su fin, lo que provocó que algunos artistas se dedicaran a otros menesteres, mientras que otros, como Lee Quinones, empezaron a hacer murales en las canchas de balonmano.

En la década de 1980, cuando el hip-hop pasó de ser una subcultura neoyorquina a un movimiento global, el arte del aerosol se consideró uno de sus cuatro elementos fundamentales. Su estatus en la cultura pop se vio considerablemente favorecido por la publicación de dos libros de fotografía de mesa, «Subway Art» y «Spraycan Art», y por las películas «Wild Style» y «Style Wars». «Subway Art» se centraba en las sorprendentes e innovadoras producciones de arte público de estilo guerrillero de los artistas del aerosol de Nueva York, que iban desde piezas autocomplacientes y autorreverenciales basadas en estilos de rotulación, hasta obras abstractas en las que el fondo y la composición general cobraban importancia. «Spraycan Art» documentó la creciente popularidad internacional del arte del grafiti y de los murales en aerosol, ya que escritores de la zona de la bahía de San Francisco a Europa emularon -y a veces incluso superaron- sus inspiraciones artísticas. El documental «Style Wars» personificaba a varios escritores icónicos, mientras que «Wild Style» mostraba los cuatro elementos básicos del hip-hop, y también contenía una subtrama que describía literalmente la seducción de los artistas callejeros en el mundo del arte convencional.

La caligrafía en aerosol ocupó un lugar destacado en el programa de televisión de 1984 «Graffiti Rock», que se originó en la WPIX de Nueva York y se emitió a nivel nacional en la CBS. Concebido como una versión hip-hop de «American Bandstand», su logotipo lucía letras de estilo salvaje y se utilizaba como telón de fondo en el plató. El programa también contaba con obras de arte de Brim. «Graffiti Rock» tomó su título de un evento comisariado por el fotógrafo y cineasta Henry Chalfant, coproductor de «Style Wars» y coautor de «Subway Art» y «Spraycan Art». Sin embargo, aunque el programa obtuvo buenos resultados de audiencia, «Graffiti Rock» no se distribuyó, lo que puso fin a la oportunidad de presentar todos los elementos culturales del hip-hop. Un dato interesante: el productor del programa, Michael Holman, escribió el guión de la gran película «Basquiat», sobre la vida del artista Jean-Michel Basquiat, que comenzó su carrera como artista callejero conocido por el seudónimo «SAMO».»

A finales de los 80 y principios de los 90, había mucha interconexión y solapamiento entre las subculturas del mural comunitario, el arte callejero y el arte del graffiti.

En la zona de la bahía, el distrito de la Misión de San Francisco se convirtió en la meca de los murales, muchos de los cuales se realizaron bajo la dirección de la organización Precita Eyes. El movimiento antiapartheid produjo una avalancha de murales y personajes de temática política, y en 1992, Spie y Dream of the TDK crew lanzaron una campaña de protesta contra el aniversario de los viajes de Colón, llamada «500 años de resistencia». La campaña coincidió con una exposición llamada «No Justice, No Peace» (Sin justicia, sin paz), que abordaba la brutalidad policial a raíz de la paliza que la policía de Los Ángeles propinó a Rodney King.

Durante la década de 1980, los muralistas de estilo grafiti formaron parte del Fresh Fest, una de las primeras giras nacionales de hip-hop, y Futura 2000 pintó fondos en directo y diseñó gráficos para The Clash. El artista Keith Haring, que creó una serie de murales iconográficos con tiza en el interior de las estaciones de metro de Nueva York, alcanzó la fama en el mundo del arte y diseñó una serie de relojes para Swatch (que ahora son objetos de coleccionista). El veterano Haze diseñó logotipos icónicos para EPMD y Def Jam, y las portadas de estilo grafiti empezaron a aparecer en discos de rap de Mantronix y Just-Ice (Gnome y Gemini), los Boogie Boys (Phase 2) y otros. Este periodo también fue notable por la caligrafía y los caracteres de estilo graffiti que se pintaron directamente en los vaqueros y las chaquetas de mezclilla, convirtiéndolos, de hecho, en murales personalizados que hablaban de la identificación cultural con el hip-hop.

En la década de los 90, Dream TDK pintaba fondos para el concierto anual Summer Jam de KMEL, y Doze TC5/GM5/RSC pintaba frecuentemente en directo en espectáculos de hip-hop y turntablist. El logotipo «Wild Style» -originalmente inspirado en un mural del metro de Dondi, y pintado por Zephyr, Revolt y Sharp para la película- fue apropiado para una serie de reediciones comprar el sello de hip-hop Wild Pitch.