Ta historia zawiera spoilery dotyczące fabuły filmu Mother!
Od momentu ogłoszenia, głównym punktem sprzedaży nowego filmu Darrena Aronofsky’ego, Mother!, były dwa elementy: to, że występuje w nim jedna z najsłynniejszych aktorek, Jennifer Lawrence, oraz to, że szczegóły fabuły są całkowitą tajemnicą. Po miesiącach tajemnicy film trafił do kin w ostatni weekend, a widzowie wreszcie mają szansę zapoznać się z tym dziwacznym, chaotycznym dziełem grozy.
Powieść Aronofsky’ego jest dosadna, fantastyczna i oczywiście najeżona symboliką, ale dla mnie największym zachwytem nad Mother! jest to, jak wiele osób podzieliło się ze mną swoimi odmiennymi spojrzeniami na przesłanie filmu. Mój kolega Christopher Orr omówił w swojej recenzji otwartość filmu na wielorakie interpretacje, zwracając uwagę zarówno na biblijne aluzje w opowieści, jak i na jej wyraźnie autoreferencyjny ton dotyczący trudności życia jako artysta i tego, jak potworni mogą stać się twórcy. Teraz, kiedy film Mother! jest już dostępny, warto zagłębić się w wielką debatę, która już się pojawiła na temat jego znaczenia.
Fabuła filmu Mother! jest bardzo prosta – przynajmniej do momentu, w którym zaczyna się robić coraz bardziej zwariowana. Zaczyna się od ujęcia płaczącej twarzy kobiety w środku ogromnego piekła, po czym mężczyzna (Javier Bardem) wkłada kryształ do piedestału i w magiczny sposób naprawia spalony dom wokół siebie. Cięcie do: bezimiennej kobiety (Jennifer Lawrence), która mieszka w tym wspaniałym domu na odludziu ze swoim mężem (Bardem). On jest znanym poetą, który pracuje nad kolejnym wielkim dziełem (choć wydaje się, że cierpi na blokadę twórczą). Ona z oddaniem remontuje ich dom, malowanie ścian i takie tam, i wydaje się mieć mistyczną moc „czuć” serce domu, dotykając ścian i wizualizację gigantyczny, organ pompowania.
Soon enough, inny człowiek (Ed Harris) pokazuje się, identyfikując się jako lekarz szuka miejsca na pobyt. Bardem (postacie nie mają nazwisk, więc łatwiej jest je zidentyfikować przez ich wykonawców) zaprasza go do siebie i dwa szybko obligacji, do dyskomfortu Lawrence. Harris szybko zaczyna chorować, a jakaś bliżej nieokreślona dolegliwość powoduje siniaki na jego boku. Następnie jego żona (Michelle Pfeiffer) pojawia się, nie boi się snipe na Lawrence nad dużą różnicą wieku między nią a jej mężem. Harris, zachęcony przez Pfeiffer, przypadkowo łamie kryształ Bardema, inspirując jego wściekłość. Wizyta para dorosłych dzieci (Domhnall i Brian Gleeson) następnie pokazać się i natychmiast dostać w walce, z starszym zabijając młodszego i otrzymując bliznę na czole w walce. Gdy rodzina urządza w domu pogrzeb (podczas gdy wzburzenie Lawrence tylko wzrasta), zalew wody, wywołany przez gościa łamiącego fantazyjną armaturę zlewu, ostatecznie wypędza wszystkich na dobre.
Więcej historii
To obejmuje pierwszą połowę filmu, który, jak zauważył Orr, można bezczelnie nazwać „testamentem”: takim, w którym Bardem jest stand-inem Boga, Harris i Pfeiffer są Adamem (aż do urazu żebra) i Ewą (kusicielką jak zawsze), a ich dzieci są Kainem i Ablem, z pierwszym zabijającym drugiego i „naznaczonym” za ten grzech pierworodny. Magiczny kryształ Bardema to naruszony zakazany owoc, a pęknięte rury zlewu to powódź karząca wczesnych wyznawców Boga i wycierająca świat do czysta.
Kiedy zaczyna się drugi akt filmu, nowa poezja Bardema jest kompletna, a postać Lawrence’a jest w ciąży. Do końca, jej dziecko (prawdopodobnie jakiś rodzaj stand-in dla ciała Chrystusa) zostało zjedzone żywcem przez oszalały tłum zwolenników Bardema. Początkowo wdzierają się do domu jako fani jego twórczości, ale przeradzają się w przemoc i surrealistyczne sceny działań wojennych, pustosząc dom, zanim Lawrence spali go w przypływie żalu po stracie dziecka. Jak ona umiera przeklinając swojego męża, Bardem prosi o jej miłość, a ona zgadza się. Ta przychodzi w postaci jej serca, które on wyciąga z jej klatki piersiowej i zamienia w kryształ, który następnie wykorzystuje do odbudowy domu, tworząc nową pannę młodą, graną przez nowego aktora.
To szalona rzecz – ale alegoria biblijna sięga tylko tak daleko, nawet jeśli sam Aronofsky zasugerował to podczas prezentacji matki na Międzynarodowym Festiwalu Filmowym w Toronto (odniósł się do postaci Harrisa jako „mężczyzny”, po czym dodał: „to wskazówka”). Postać Lawrence nie ma oczywistego odpowiednika w żadnym z testamentów; zamiast tego jest ona czymś w rodzaju analogii do Matki Ziemi, czy też Gai, ucieleśnieniem natury i stworzenia, a dom (który powoli ulega zniszczeniu przez bezdusznych domowników) jest stand-inem dla samej planety. Można też widzieć ją jako cieplejszą, gościnną połowę boskiej głowy, z Bardemem reprezentującym zdystansowaną, niepoznawalną połowę. W zakończeniu filmu pojawiają się niejasne koncepcje reinkarnacji i odnowy, bardziej odzwierciedlające hinduizm lub buddyzm niż cokolwiek judeochrześcijańskiego.
Radość matki, dla mnie, leży poza religijną metaforą Boga i Adama i Ewy i tak dalej; osądźcie go tylko na tym poziomie, a poczuje się okaleczony z perspektywy fabuły. Jest jeszcze wiele innych rzeczy, w które warto się zagłębić, z których część jest prawdopodobnie świadomą zasługą Aronofsky’ego, a część nie. W wywiadach mówił o ekologicznym przesłaniu, które stara się przekazać, mówiąc The Hollywood Reporter: „Myślę, że ludzkość została zniszczona. Nie obwiniam jednej płci nad drugą. I think it is about how people are insatiable, how there’s this endless consumption.”
But like so many films (especially one with such obvious personal investment on Aronofsky’s part), mother! is clearly also a film about art and the creative process, one with a rather negative view of the great creator at its center. Mroczny Bardem nie może pomóc, ale trzyma Lawrence na dystans, czasami szturmuje, by pisać, innym razem odsuwa od siebie jej obawy dotyczące nachodzących domowników (z których czerpie inspirację). Lawrence, choć go kocha, nie może się powstrzymać od zwrócenia uwagi na istotną różnicę wieku między nimi, a kiedy ich związek w końcu się rozpada, Bardem wykorzystuje jej serce – jej inspirację – do zbudowania nowego wielkiego dzieła, a wraz z nim nowej partnerki.
Aronofsky, jak na ironię, jest teraz romantycznie związany z Lawrence, choć poznali się podczas kręcenia Matki, długo po tym, jak napisał film. Ale oczywiście takie branżowe romanse nie są niczym niezwykłym, podobnie jak pomysł, by artyści pisali o swoich własnych związkach; fascynujące jest tylko to, jak Aronofsky przekształcił tę dynamikę w coś wielkiego, destrukcyjnego i ostatecznie przerażającego. Postać Lawrence momentami wydaje się być parodią stereotypu „boso i w ciąży”, zawsze poruszając się po domu bez żadnego obuwia. Aktor nazwał to świadomym wyborem, mówiąc: „Nigdy nie byłoby w porządku, gdyby moja postać nosiła buty. Natura jest jej tworem.”
Czy ci się podobał, czy nie (ja miałam mieszane uczucia co do jego ogólnej jakości), Mother! jest tym rodzajem filmu, który po prostu nie ma szerokiej premiery w Hollywood – jest brutalny, dziwny i naprawdę stara się zaskoczyć widzów i wywołać dyskusję. To ekscytujące, że wielka gwiazda, taka jak Lawrence, wykorzystała swoją siłę przebicia, by doprowadzić do jego realizacji, a jeszcze bardziej ekscytujące jest to, że duże studio wypuściło go na ekrany kin w całym kraju. Choć otwarcie filmu było dość słabe – szacunkowo 7,5 miliona dolarów i „F” CinemaScore (co mierzy zadowolenie widzów, aby spróbować zmierzyć i ocenić słowo z ust), Paramount stanął w obronie filmu, mówiąc w oświadczeniu: „Ten film jest bardzo śmiały i odważny … nie chcemy, aby wszystkie filmy były bezpieczne. I to jest w porządku, jeśli niektórzy ludzie go nie lubią.”
Studio, zasadniczo, zasługuje na pochwałę za wypuszczenie filmu tak polaryzującego. Niezależnie od tego, czy widzowie go kochają czy nienawidzą, zawsze wychodzą z Mother! z silną opinią, co jest więcej niż można powiedzieć o większości hollywoodzkich hitów. Jak na film, który wydaje się głęboko niesubtelny w swojej fabule, mother! jest wciąż tak tajemniczy jak zniekształcony, podłużny kryształ, z którego Bardem tworzy swój raj – inny pod każdym kątem.