Een historisch overzicht van muurschilderingen

Muurschilderingen worden in grote lijnen gedefinieerd als een schilderij of ander kunstwerk dat rechtstreeks op een muur, plafond of ander permanent oppervlak is aangebracht. Een uniek aspect van muurschilderingen is dat de fysieke architectuur van het oppervlak is opgenomen in het kunstwerk. De vroegst bekende muurschilderingen bestonden in het Paleolithicum, en werden ontdekt in grotten in Zuid-Frankrijk, circa 30.000 v. Chr. Andere historische voorbeelden van muurschilderingen zijn Egyptische hiëroglyfische grafschilderingen, Minoïsche paleizen, Ajanta grotten, en in de stadstaat Pompeii. De Marouflage techniek van het bevestigen van geschilderde doeken op muren, dateert van 3.000 jaar geleden, en is een vroege voorloper van de moderne methode van tarwe-plakken.

Tijdens de Middeleeuwen, werden muurschilderingen meestal uitgevoerd op droog pleisterwerk. De 500 jaar durende Moorse bezetting van Spanje bracht artistieke en esthetische invloeden met zich mee, zoals zellij, of geometrische patronen gebaseerd op wiskundige formules, die uiteindelijk de Europese kunst beïnvloedden tijdens de Renaissance periode. In de 14e eeuw ontwikkelden Italiaanse schilders de techniek van de fresco secco, muurschilderingen op nat pleisterwerk – een belangrijke evolutie in de kwaliteit van het kunstwerk. Tot de beroemde muurschilderingen uit de renaissanceperiode behoren Leonardo Da Vinci’s “Het Laatste Avondmaal” en Michaelangelo’s “De Schepping van Adam”, “Het Laatste Oordeel” en het plafond van de Sixtijnse Kapel. Omdat kunstenaars vaak werden gesteund door rijke, politiek machtige opdrachtgevers, zoals de Medicis, en/of in opdracht van de katholieke kerk zelf werkten, weerspiegelen veel van de klassieke werken uit de renaissanceperiode christelijke thema’s, waaronder een fascinatie voor het Grieks-orthodoxe christendom die zich ontwikkelde na de val van Constantinopel in het Ottomaanse Rijk. De hernieuwde belangstelling voor Griekse ideeën en een ontluikende intellectuele en artistieke beweging leidden echter tot de vestiging van het humanisme in de 15e eeuw, dat zich uiteindelijk over heel Europa verspreidde en zich verwijderde van de Kerk als het centrum van religie, politiek en cultuur.

In het begin van de 20e eeuw bracht de Mexicaanse muurschilderingsbeweging, geassocieerd met Diego Rivera, een nieuw niveau van verfijning in de muurschilderkunst, met invloeden van het kubisme en post-impressionisme, maar ook met sociaal en politiek commentaar – iets wat in Europa vaak onderdrukt werd. Rivera hielp muurschilderingen populair te maken in heel Mexico, Midden-Amerika en de Verenigde Staten, en zijn werken begonnen een radicaal links politiek bewustzijn te weerspiegelen, evenals traditionele Aztek invloeden.

De focus van de Mexicaanse muurschilderkunst op sociale en politieke boodschappen – aanvankelijk gesponsord door de regering na de revolutie van 1910 – werd op zijn beurt een primaire invloed op de Chicano kunstbeweging in de jaren 1960 – een Mexicaans-Amerikaanse poging om post-koloniale ideologieën te vermengen met pre-Colombiaanse tradities, en een duidelijk Chicano identiteit.

Ook in de jaren ’60 ontstond de African American community mural beweging. De belangrijkste inspiratiebron voor deze beweging was de strijd voor en na de bevrijding van de burgerrechten en de nadruk op culturele en artistieke esthetiek van de Black Arts Movement en Black Panther minister van Cultuur en kunstenaar Emory Douglas. De muurschilderingsbeweging begon met de Wall of Respect in Chicago, die revolutionair was, niet alleen vanwege de afbeelding van zwarte iconen, maar ook vanwege het feit dat de gemeenschap collectief eigenaar was van het werk. De Wall of Respect leidde tot vele vergelijkbare muurschilderingen in Chicago, waarvan vele van de hand van William Walker waren, en tot een golf van op de gemeenschap gerichte muurschilderingen in vele grote Amerikaanse steden, waaronder Detroit, Los Angeles, San Francisco, Portland, en St. Louis.

De community mural beweging viel samen met wat door niet-beoefenaars “de moderne graffiti beweging” wordt genoemd (beoefenaars noemen zichzelf vaak geen graffiti artiesten, maar geven de voorkeur aan de termen “style writers” of “spuitbus artiesten”), die begon in Philadelphia en New York, en gebruik maakte van het medium spuitbus verf, evenals van voorheen ongebruikelijke oppervlakken: metro’s, handbalvelden, onderdoorgangen van snelwegen. De beweging vindt haar oorsprong in guerrilla-stijl, niet-toegelaten muren en draaide aanvankelijk om tags die de kunstenaar identificeerden, zoals Coco 144 of Lee 163d, maar evolueerde uiteindelijk naar de toevoeging van uitgebreide kalligrafische schrifttekens, karakters – waaronder Yosemite Sam en Vaughn Bode’s Cheech Wizard – en levendige, veelkleurige contouren en achtergronden. Een bijzondere stap in de evolutie was het gebruik van “vetkappen” door een NYC schrijver genaamd Super Kool 223; de brede spuitmond maakte bredere sprays en dikkere letters mogelijk, net zoals een dikkere verfkwast meer oppervlakte bestrijkt. De stijlen evolueerden voortdurend, en schrijvers vormden crews – zowel om zich te beschermen en te onderscheiden van andere crews, als ook om te helpen navigeren in een omgeving met zeer territoriale straatbendes.

De eerste graffitikunsttentoonstelling, in 1972, werd besproken in de New York Times, wat leidde tot verdere tentoonstellingen en interesse van kunstverzamelaars en de volgende nieuwe trend. Gedurende de jaren ’70 bleven graffitikunsten treinen en muren beschilderen, en een aantal van de meer getalenteerde schrijvers waren ook begonnen met het maken van doeken met het spuitbusmedium.

In eerste instantie een beweging op zich, werd de spuitbuskunstbeweging geïdentificeerd met de opkomende hiphopcultuur in New York, via baanbrekende schrijvers als Phase 2, die ook b-boys waren, of hiphopdansers. Toen baanbrekende DJ’s als Kool Herc, Afrika Bambaataa en Grandmaster Flash lokale beroemdheden werden, voegden kunstenaars als Phase 2 grafisch ontwerp toe aan hun CV, door flyers te maken voor de DJ-feesten.

Ondanks de artistieke en esthetische vernieuwing, bestond de aerosolkunstbeweging in de marge van de samenleving, en was tot in de kern tegencultureel. Het is dan ook niet verwonderlijk dat er consequenties aan verbonden waren. De politie sloeg vaak iedereen die ze met spuitverf aantroffen, soms beschilderde ze het gezicht van de schrijver ermee. Burgerlijke verontwaardiging over vandalisme leidde tot boetes (en uiteindelijk gevangenisstraffen). De Metropolitan Transit Authority van New York spendeerde tientallen miljoenen dollars aan het gladstrijken van treinen; in 1977 was het tijdperk van de metro voorbij, waardoor sommige kunstenaars zich op andere zaken gingen richten, terwijl anderen, zoals Lee Quinones, muurschilderingen begonnen te maken op handbalvelden.

In de jaren tachtig, toen hiphop zich uitbreidde van een subcultuur in New York tot een wereldwijde beweging, werd spuitbuskunst beschouwd als een van de vier kernelementen ervan. De status ervan in de popcultuur werd aanzienlijk versterkt door de publicatie van twee boeken met koffietafels, “Subway Art” en “Spraycan Art”, en door de films “Wild Style” en “Style Wars”. “Subway Art” richtte zich op de verbazingwekkend innovatieve guerrilla-stijl openbare kunstproducties van NYC’s spuitbusartiesten, die varieerden van zelfkritische, zelfverwijzende stukken gebaseerd op letterstijlen, tot abstracte werken waarin achtergronden en algehele compositie in belang werden verheven. “Spraycan Art” documenteerde de groeiende internationale populariteit van graffitikunst en spuitbusmuurschilderingen, waarbij schrijvers van de Bay Area tot Europa hun artistieke inspiratiebronnen imiteerden en soms zelfs overtroffen. De documentaire “Style Wars” personifieerde verschillende iconische schrijvers, terwijl “Wild Style” alle vier de kernelementen van hip-hop liet zien, en ook een subplot bevatte waarin de verleiding van straatartiesten in de mainstream kunstwereld letterlijk werd uitgebeeld.

Aerosol-stijl kalligrafie kwam veelvuldig voor in de 1984 TV show “Graffiti Rock,” die zijn oorsprong vond in NYC’s WPIX en nationaal werd uitgezonden op CBS. Opgezet als een hip-hop versie van “American Bandstand”, was het logo voorzien van wilde stijl belettering en werd het gebruikt als achtergrond op de set. De show bevatte ook artwork van Brim. “Graffiti Rock” ontleende zijn titel aan een evenement georganiseerd door fotograaf en filmmaker Henry Chalfant, de coproducent van “Style Wars” en co-auteur van “Subway Art,” en “Spraycan Art.” Maar hoewel de show goede kijkcijfers haalde, werd “Graffiti Rock” om onverklaarbare redenen niet opgepikt voor distributie, waarmee een einde kwam aan de mogelijkheid om alle culturele elementen van hiphop samen te brengen. Een interessante kanttekening: de producer van de show, Michael Holman, schreef later het scenario voor de grote speelfilm “Basquiat,” over het leven van kunstenaar Jean-Michel Basquiat, die zijn carrière was begonnen als straatartiest bekend onder het pseudoniem “SAMO.”

Tegen het einde van de jaren tachtig en het begin van de jaren negentig was er veel onderlinge verbondenheid en overlapping tussen de subculturen van community mural, street art en graffitikunst.

In de Bay Area ontwikkelde het Mission District van San Francisco zich tot een mekka voor muurschilderingen, waarvan er vele werden uitgevoerd onder leiding van de Precita Eyes organisatie. De anti-apartheidsbeweging bracht een overvloed aan politiek getinte muurschilderingen en personages voort, en in 1992 lanceerden Spie en Dream of the TDK crew een protestcampagne tegen de verjaardag van de reizen van Colombus, genaamd “500 Years of Resistance.” De campagne viel samen met een tentoonstelling genaamd “No Justice, No Peace,” die zich richtte op politiegeweld in de nasleep van het in elkaar slaan van Rodney King door de LAPD.

Tijdens de jaren tachtig maakten graffiti-stijl muurschilders deel uit van het Fresh Fest, een van de eerste nationale hip-hop tours, en Futura 2000 schilderde live achtergronden en ontwierp graphics voor The Clash. Kunstenaar Keith Haring, die een reeks iconografische muurschilderingen met krijt maakte in metrostations in New York, bekendheid verwierf in de kunstwereld en een reeks horloges ontwierp voor Swatch (die nu collector’s items zijn). Aerosol-veteraan Haze ontwierp iconische logo’s voor EPMD en Def Jam, en graffiti-achtige covers verschenen op rapplaten van Mantronix en Just-Ice (Gnome and Gemini), de Boogie Boys (Phase 2), en anderen. Deze periode was ook opmerkelijk voor de graffiti-stijl kalligrafie en tekens die direct werden geschilderd op jeans en spijkerjacks, waardoor ze in feite persoonlijke muurschilderingen werden die spraken van de culturele identificatie met hip-hop.

In de jaren negentig schilderde Dream TDK backdrops voor KMEL’s jaarlijkse Summer Jam-concert, en Doze TC5/GM5/RSC schilderde vaak live tijdens hiphop- en turntablistshows. Het “Wild Style” logo – oorspronkelijk geïnspireerd op een metro muurschildering door Dondi, en geschilderd door Zephyr, Revolt, en Sharp voor de film – werd toegeëigend voor een reissue serie koop hip-hop label Wild Pitch.

Ook in de jaren negentig gingen verschillende grafisch ontwerpers met een achtergrond als muurschilderaar de hiphopmode in, waaronder Haze, Marc Ecko, Futura, Doze, en anderen, terwijl de graffiti esthetiek de productlijnen van bedrijven als Conart, Third Rail, 594 Gear (een verwijzing naar de anti-graffiti wet in het Californische wetboek van strafrecht) en PNB beïnvloedde. Tijdschriften als International Graffiti Times, Stress, 4080 en On the Go besteedden regelmatig aandacht aan muurschilderingen met spuitbussen, net als The Source, terwijl een reeks documentaire films onder de naam “Graffiti Verite” de cultuur en haar geschiedenis verder documenteerde. Veel spuitbusschrijvers gingen airbrushen of tatoeëren om hun rekeningen te kunnen betalen. Tegen het einde van het decennium exposeerde straatkunstenaar Barry “Twist” McGee in het SFMOMA, ontwierp Futura albumhoezen voor Mo’ Wax, plakte Shephard Fairey “Obey” in tarwe en ontwikkelde de Britse kunstenaar Banksy zijn agitprop-kunst van spuiten naar sjabloneren.

Tijdens de eerste twee decennia van het nieuwe millennium is muurschildering een levensvatbare en innovatieve vorm van openbare kunst gebleven. In 2002 publiceerde Ivor Miller het definitieve academische verslag van graffiti en muralistische cultuur, “Aerosol Kingdom,” en muralisten hebben het hof gemaakt van het Oakland Museum of California tot het Block Museum in Chicago tot Sotheby’s in Londen tot de West Bank van Gaza. Het is niet ongebruikelijk dat bekende muurschilders zoals Apex uit SF grote opdrachten krijgen voor bedrijven, terwijl ze ook kleinere buurtprojecten uitvoeren. De lijst van huidige collectieven is veel te lang om op te noemen, en er zijn tal van muralistische organisaties, waaronder het Community Rejuvenation Project, die zijn opgericht als non-profits.

Als onderdeel van de street art, community mural, en graffiti bewegingen, hebben muralisten verder doorgedrongen in de publieke kunstsector en de mainstream kunstwereld, vaak met behoud van straat geloofwaardigheid en een band met de gemeenschappen die zij vertegenwoordigen. De muurschilderingsbeweging is een wereldwijde beweging geworden, goed vertegenwoordigd in haar traditionele centra zoals New York, Chicago, Philadelphia, Detroit, St. Louis en de Bay Area, maar ook in Yokohoma, Tokyo, Montreal, Halifax, Londen, Edinburgh, Melbourne, Sydney, Berlijn, Mexico City en Sao Paulo. Schrijven op de muren is een van de vroegste culturele tradities van de mensheid, en het lijkt er niet op dat dit zal stoppen nu we verder de 21e eeuw ingaan.