Photo: French Cave Painting
Murais são definidos em termos gerais como uma pintura ou outra obra de arte executada directamente sobre uma parede, tecto, ou outra superfície permanente. Um aspecto único dos murais é que a arquitectura física da superfície é incorporada na obra de arte. Os primeiros murais conhecidos existiram na era Paleolítica, e foram descobertos em cavernas no sul de França, cerca de 30.000 a.C. Outros exemplos históricos de murais são pinturas de túmulos hieroglíficos egípcios, palácios minóicos, grutas de Ajanta, e na cidade-estado de Pompeia. A técnica Marouflage de fixar telas pintadas às paredes, data de há 3.000 anos, e é um precursor precoce do método moderno de colagem de trigo.
Durante a Idade Média, os murais eram tipicamente executados em gesso seco. Os 500 anos de ocupação moura de Espanha trouxeram consigo influências artísticas e estéticas, como o zellij, ou padrões geométricos baseados em fórmulas matemáticas, que acabaram por influenciar a arte europeia durante o período renascentista. No século XIV, pintores italianos desenvolveram a técnica do fresco secco, murais pintados em gesso húmido – uma evolução significativa na qualidade da obra de arte. Entre os murais famosos produzidos durante o período renascentista estão “A Última Ceia” de Leonardo Da Vinci, e “A Criação de Adão” de Michaelangelo, “O Juízo Final”, e o tecto da Capela Sistina. Como os artistas eram frequentemente apoiados por patronos ricos e politicamente poderosos, como os Medicis, e/ou encomendados pela própria Igreja Católica, muitas das obras clássicas do período renascentista reflectem temas cristãos, incluindo um fascínio pelo cristianismo ortodoxo grego que se desenvolveu após a queda de Constantinopla para o Império Otomano. Contudo, o interesse renovado pelas ideias gregas e um movimento intelectual e artístico florescente levaram ao estabelecimento do humanismo no século XV, que acabou por se espalhar por toda a Europa e se afastar da Igreja como centro da religião, política e cultura.
p>diego Rivera’s work sparked the Mexican mural movement. No início do século XX, o movimento mural mexicano associado a Diego Rivera trouxe um novo nível de sofisticação aos murais, extraindo influências do Cubismo e do Pós-Impressionismo, bem como incorporando comentários sociais e políticos – que tinham sido frequentemente suprimidos na Europa. Rivera ajudou a popularizar os murais em todo o México, América Central e Estados Unidos, e as suas obras começaram a reflectir uma consciência política radical de esquerda, bem como as influências tradicionais aztecas.
O foco do movimento mural mexicano em mensagens sociais e políticas – inicialmente patrocinadas pelo governo após a revolução de 1910 – tornou-se uma influência primária no movimento artístico Chicano nos anos 60 – um esforço mexicano-americano para misturar ideologias pós-colonialistas com tradições pré-colombianas, e uma identidade distintamente Chicano.
P>Foto: O Muro do Respeito
Também nos anos 60 veio o movimento mural da comunidade afro-americana. A principal inspiração para este movimento foram as lutas de libertação dos Direitos Civis e pós-Direitos Civis e o enfoque na estética cultural e artística do Movimento de Artes Negras e da Pantera Negra Ministro da Cultura e artista plástico Emory Douglas. O movimento mural comunitário começou com o Muro de Respeito em Chicago, que foi revolucionário não só na sua representação de ícones negros, mas também no sentido de que a comunidade partilhava a propriedade colectiva da obra. O Muro de Respeito levou a muitos Muros semelhantes em Chicago, muitos pintados por William Walker, e a um surto de murais orientados para a comunidade em muitas grandes cidades americanas, incluindo Detroit, Los Angeles, São Francisco, Portland, e St. Louis.
O movimento mural comunitário era concorrente do que tem sido chamado por não praticantes “o movimento do graffiti moderno” (os praticantes muitas vezes não se intitulam artistas de graffiti, preferindo os termos “escritores de estilo” ou “artistas de aerossol”), que começou em Filadélfia e Nova Iorque, e utilizou o meio de pintura em spray, bem como superfícies anteriormente não comuns: carros de metro, campos de andebol, passagens subterrâneas de auto-estrada. As origens do movimento são em paredes de estilo guerrilheiro, não germinadas e inicialmente giraram em torno de etiquetas identificando o artista, tais como Coco 144 ou Lee 163d, mas acabaram por evoluir para a adição de elaborados guiões caligráficos, personagens – incluindo Yosemite Sam e Cheech Wizar de Vaughn Bode – e contornos e fundos vibrantes e multicoloridos. Um passo evolutivo particular foi a utilização de “tampas gordas” por um escritor de Nova Iorque chamado Super Kool 223; o bocal largo permitiu sprays mais largos e letras mais espessas, tal como um pincel mais espesso cobre mais área de superfície. Os estilos evoluíram constante e continuamente, e os escritores formaram tripulações – tanto para proteger e distinguir-se de outras tripulações, como para ajudar a navegar num ambiente com gangues de rua muito territoriais.
Carro de metro pintado por P.H.A.S.E.2
A primeira exposição de arte graffiti, em 1972, foi revista no New York Times, o que levou a mais exposições e ao interesse de coleccionadores de arte e à nova tendência seguinte. Ao longo dos anos 70, as artes do graffiti continuaram a murmurar comboios e paredes, e vários dos escritores mais talentosos começaram também a fazer telas com o meio aerossol.
Inicialmente um movimento em si mesmo, o movimento de arte aerossol identificou-se com a cultura emergente do hip-hop em Nova Iorque, através de escritores pioneiros como a Fase 2, que eram também b-boys, ou dançarinos de hip-hop. Como DJs pioneiros como Kool Herc, Afrika Bambaataa, e Grandmaster Flash tornaram-se celebridades locais, artistas como a Fase 2 adicionaram design gráfico aos seus currículos, fazendo panfletos para as festas de DJ.
Apesar da sua inovação artística e estética, o movimento de arte em aerossol existia à margem da sociedade, e era contra-cultural até ao âmago. Não surpreendentemente, havia consequências a pagar. A polícia espancava frequentemente qualquer pessoa que encontrasse com tinta spray, por vezes pintando o rosto do escritor com ela. O ultraje cívico contra o vandalismo levou a multas (e, eventualmente, a penas de prisão). A Autoridade Metropolitana de Trânsito de Nova Iorque gastou dezenas de milhões de dólares a destruir comboios; em 1977, a era do metro tinha chegado ao fim, fazendo com que alguns artistas passassem para outras actividades, enquanto outros, como Lee Quinones, começaram a fazer murais em campos de andebol.
Nos anos 80, à medida que o hip-hop se expandiu de uma subcultura de Nova Iorque para um movimento global, a arte em aerossol foi considerada um dos seus quatro elementos centrais. O seu estatuto na cultura pop foi consideravelmente auxiliado pela publicação de dois livros de fotografia de mesa de café, “Subway Art” e “Spraycan Art”, e pelos filmes “Wild Style” e “Style Wars”. “Subway Art” centrou-se nas produções de arte pública ao estilo guerrilheiro espantosamente inovador dos artistas aerossóis de Nova Iorque, que variavam desde peças auto-congratulatórias e auto-reversivas baseadas em estilos de letras, até obras abstractas em que os antecedentes e a composição geral eram elevados em importância. “Spraycan Art” documentou a crescente popularidade internacional da arte do graffiti e dos murais em aerossol, à medida que os escritores da Bay Area para a Europa emulam – e por vezes até ultrapassam – as suas inspirações artísticas. O documentário “Style Wars” personificava vários escritores icónicos, enquanto “Wild Style” mostrava os quatro elementos centrais do hip-hop, e também continha um subplot que retratava literalmente a sedução dos artistas de rua para o mundo da arte mainstream.
Caligrafia ao estilo do aerossol destacada no programa de televisão “Graffiti Rock” de 1984, que teve origem no WPIX de Nova Iorque e foi transmitido a nível nacional na CBS. Concebido como uma versão hip-hop de “American Bandstand”, o seu logótipo ostentava letras em estilo selvagem e era usado como pano de fundo no cenário. O espectáculo também apresentou obras de arte de Brim. “Graffiti Rock” tirou o seu título de um evento com curadoria do fotógrafo e cineasta Henry Chalfant, co-produtor de “Style Wars” e co-autor de “Metro Art,” e “Spraycan Art,”. No entanto, embora o espectáculo tenha obtido boas classificações, “Graffiti Rock” não foi inexplicavelmente captado para distribuição – acabando assim a oportunidade de apresentar todos os elementos culturais do hip-hop em conjunto. Um sidenote interessante: o produtor do espectáculo, Michael Holman, passou a escrever o guião do grande filme “Basquiat”, sobre a vida do artista Jean-Michel Basquiat, que tinha iniciado a sua carreira como artista de rua conhecido pelo pseudónimo “SAMO”.”
Graffiti Rock logo por Brim TAT
Até ao final dos anos 80 e início dos anos 90, havia muita interconectividade e sobreposição entre o mural comunitário, a arte de rua, e as subculturas de graffiti.
Na área da Baía, o Distrito Missionário de São Francisco surgiu como uma Meca para os murais, muitos dos quais foram produzidos sob a administração da organização Precita Eyes. O movimento anti-apartheid produziu uma efusão de murais e personagens de temática política, e em 1992, Spie e Dream of the TDK lançaram uma campanha de protesto contra o aniversário das viagens de Colombus, chamada “500 Anos de Resistência”. A campanha coincidiu com uma exposição intitulada “Sem Justiça, Sem Paz”, que abordou a brutalidade policial na sequência do espancamento de Rodney King pela LAPD.
Durante os anos 80, os muralistas de grafite fizeram parte do Fresh Fest, uma das primeiras digressões nacionais de hip-hop, e do Futura 2000 com fundos pintados ao vivo e gráficos desenhados para The Clash. O artista Keith Haring – que criou uma série de murais iconográficos a giz dentro de estações de metro de Nova Iorque, ganhou fama no mundo da arte, e concebeu uma série de relógios para Swatch (que são agora artigos de colecção). O veterano da Aerosol Haze desenhou logotipos icónicos para EPMD e Def Jam, e a arte da capa em estilo graffiti começou a aparecer em discos de rap da Mantronix e Just-Ice (Gnome e Gemini), os Boogie Boys (Fase 2), e outros. Este período foi também notável pela caligrafia ao estilo do graffiti e personagens que eram pintados directamente em calças de ganga e casacos de ganga – fazendo-os, de facto, murais personalizados que falavam à identificação cultural com hip-hop.
c>capa do álbum Romeo Knight da P.H.A.S.E.2
Nos anos 90, Dream TDK pintou cenários para o concerto anual da KMEL Summer Jam, e Doze TC5/GM5/RSC frequentemente pintado ao vivo em espectáculos de hip-hop e turntablist. O logótipo “Wild Style” – inspirado originalmente num mural do metro de Dondi, e pintado por Zephyr, Revolt, and Sharp para o filme – foi apropriado para uma série de reedições comprar a etiqueta Wild Pitch do hip-hop.
“Cidade Erótica” por Dream TDK
Também nos anos 90, vários desenhadores gráficos com fundo muralista passaram à moda hip-hop, incluindo Haze, Marc Ecko, Futura, Doze, e outros, enquanto que as linhas de produtos de graffiti estéticos informados de empresas como Conart, Third Rail, 594 Gear (uma referência ao estatuto anti-graffiti no Código Penal da Califórnia) e PNB. Revistas como a International Graffiti Times, Stress, 4080 e On the Go cobriram regularmente muralistas baseados em aerossol, como fez The Source, enquanto uma série de filmes documentários chamados “Graffiti Verite” documentaram ainda mais a cultura e a sua história. Muitos escritores de aerossol tomaram a aerografia ou a tatuagem como forma de pagar as contas. No final da década, o artista de rua SF Barry “Twist” McGee estava a expor no SFMOMA, Futura estava a desenhar capas de álbuns para Mo’ Wax, Shephard Fairey estava a colar trigo “Obey”, e o artista britânico Banksy evoluiu a sua arte agitprop de pintura em spray para stenciling.
Durante as duas primeiras décadas do novo milénio, o muralismo continuou a ser uma forma viável e inovadora de arte pública. Em 2002, Ivor Miller publicou o relato académico definitivo do graffiti e da cultura muralista, “Aerosol Kingdom”, e os muralistas têm mantido a corte desde o Oakland Museum of California até ao Block Museum em Chicago e à Sotheby’s em Londres até à Cisjordânia de Gaza. Não é raro que artistas muralistas bem conhecidos como o Apex de SF obtenham grandes comissões para entidades empresariais, enquanto ainda fazem projectos de bairro mais pequenos. A lista dos actuais colectivos muralistas é demasiado longa para ser listada, e existem numerosas organizações muralistas, incluindo o Projecto de Rejuvenescimento Comunitário, que se incorporaram como organizações sem fins lucrativos.
p>Universal Language mural pelo Projecto de Rejuvenescimento Comunitário Como parte da arte de rua, mural comunitário, e movimentos de graffiti, os muralistas fizeram mais incursões no sector da arte pública e no mundo da arte mainstream, muitas vezes mantendo ao mesmo tempo a credibilidade de rua e uma ligação às comunidades que representam. O movimento mural tornou-se um movimento global, bem representado nos seus centros de longa data como Nova Iorque, Chicago, Filadélfia, Detroit, St. Louis e Bay Area, mas também em Yokohoma, Tóquio, Montreal, Halifax, Londres, Edimburgo, Melbourne, Sidney, Berlim, Cidade do México e São Paulo. Escrever nos muros é uma das primeiras tradições culturais da humanidade, e não mostra sinais de parar à medida que avançamos para o século XXI.