Cantos como ‘Summertime’, ‘Someone to Watch Over Me’, ‘My Funny Valentine’, ‘Let’s Face The Music And Dance’ e ‘Some Enchanted Evening’ são tão familiares que parecem fazer parte do tecido cultural da América. São apenas cinco obras-primas de um cânone agora amplamente conhecido como O Grande Livro de Canções Americano. Não é um livro verdadeiro, mas sim um termo que se aplica a melodias do teatro musical da Broadway, musicais de cinema de Hollywood e Tin Pan Alley (o centro da escrita de canções que foi a fila dos editores de música na West 28th Street, em Nova Iorque). As canções tornaram-se o repertório central dos músicos de jazz durante este período, que se estendeu aproximadamente de 1920 a 1960.
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Criar os “padrões” no início do século XX
Os “padrões” são tão populares hoje como eram há mais de meio século atrás; a música transcende simplesmente a era em que as canções eram escritas. Caracterizam-se por uma letra hábil e espirituosa que evoca a própria ideia de sofisticação da alta sociedade. Houve algo no início do século XX – a Era do Jazz dos anos 20, a Grande Depressão, os melancólicos anos de guerra – que conspirou para criar uma música verdadeiramente edificante e gloriosamente sentimental.
Apenas quando o dinheiro da Broadway se tornou escasso, depois da Depressão, alguns dos melhores compositores mudaram-se para Hollywood, onde os estúdios cinematográficos estavam em plena expansão e pagavam bom dinheiro pelas canções. George e Ira Gershwin mudaram-se para Beverly Hills em 1934, onde escreveram canções para os filmes de Fred Astaire-Ginger Rogers. Foi o local onde George morreu, com apenas 37 anos, de um tumor cerebral. Harry Warren foi outro compositor que se mudou para Los Angeles, onde teve uma carreira brilhante. Ganhou três Óscares e compôs uma partitura de canções memoráveis, incluindo ‘Jeepers Creepers’, ‘That’s Amore’, ‘Chattanooga Choo Choo’ e ‘We’re In The Money’.
P>Embora a maioria dos melhores compositores fossem homens, Dorothy Fields era uma pioneira feminina. Fields, que morreu em 1974, ganhou a sua primeira pausa para co-escrever com Jimmy McHugh. Juntos escreveram clássicos como “I Can’t Give You Anything But Love” (uma canção que Billie Holiday entrega com tanta panachê) e “On The Sunny Side Of The Street”. Fields escreveu números especiais para revistas do Cotton Club, muitos dos quais foram mais tarde gravados pelo Duke Ellington; nos anos 50, ela entrou na sua própria casa, escrevendo para a Broadway. As suas 400 canções incluíam os padrões ‘The Way You Look Tonight’ e ‘A Fine Romance’.
Bandleader e pianista Ellington tinha uma rara capacidade de captar nostalgia, e as suas canções inovadoras, tais como ‘Sophisticated Lady’, ‘Mood Indigo’, ‘Prelude To A Kiss’ e ‘In A Sentimental Mood’, mostraram as suas qualidades como compositora durante mais de 50 anos. “Praticamente tudo o que escrevemos”, disse Ellington, “era suposto ser uma imagem de algo, uma personagem representativa”
O que veio primeiro? A música ou a letra?
Então o que veio primeiro, a música ou a letra? Isso dependia da equipa de escrita. Em geral, a música de Richard Rodgers veio antes das palavras de Lorenz Hart, mas foi o oposto quando Rodgers trabalhou com Oscar Hammerstein. Embora muitas das famosas composições fossem escritas por uma dupla (uma compondo a música e outra escrevendo as palavras), havia três génios que compunham e escreviam regularmente as suas próprias palavras: Irving Berlin, Cole Porter e Noël Coward.
Porter também escreveu canções para grandes filmes de Hollywood nos anos 40 e 50, incluindo para a High Society, que estrelou Bing Crosby, Frank Sinatra e Grace Kelly. Porter nunca teve medo de ser inteligente, como mostrou em ‘Brush Up Your Shakespeare’ para o musical de 1948 Kiss Me Kate, que incluía as linhas ambiciosamente originais, “Apenas declame algumas linhas de Othello/And they think you’re a helluva fella”
Muitos compositores (tais como Jerome Kern e Richard Rodgers) foram classicamente treinados. George Gershwin, cuja “Rhapsody In Blue” continua a ser um ponto alto na história da música, foi inflexível ao afirmar que não é necessário haver um fosso irreconciliável entre música séria e popular, e quis apelar aos ouvintes de ambos os gostos.
Tantas canções de alta qualidade são o veículo perfeito para a interpretação e improvisação de um intérprete, e certos números são lembrados mais para o cantor do que para o escritor. Se mencionar ‘Over The Rainbow’, é mais provável que as pessoas pensem na versão ascendente de Judy Garland para o filme The Wizard Of Oz de 1939 do que no magnífico trabalho dos compositores Harold Arlen e Yip Harburg.
Poucos cantores alguma vez corresponderam a Ella Fitzgerald como intérprete de canções. A sua série de álbuns explorando The Great American Songbook, compositor por compositor, é uma das mais notáveis séries de gravações na história da música popular. O âmbito das selecções talvez nunca tenha sido igualado (e houve arranjos brilhantes de pessoas como Buddy Bregman), pois ela celebrava o trabalho de Porter, Berlin, Kern, Ellington, Rodgers & Hart, Arlen, Mercer e os Gershwins.
Ella Fitzgerald explora The Great American Songbook
Fitzgerald foi relaxado ao longo das sessões e geralmente preparado cuidadosamente antes de um take (tal como Frank Sinatra, que passava frequentemente dias a ler letras) e o seu único momento de ansiedade chegou quando Duke Ellington chegou ao estúdio no último minuto com os arranjos esboçados num envelope. Apesar de Fitzgerald ter rebentado em lágrimas, nada poderia conter uma cantora tão consumada, e a sua versão de “Don’t Get Around Much Anymore” dessa sessão é uma das suas melhores gravações. Mesmo para uma cantora tão talentosa como Fitzgerald, a qualidade das canções era algo raro e belo. “Todos aqueles Songbooks ajudaram-me a entrar em lugares que nunca tinha sido capaz de tocar”, disse ela.
As interpretações de Fitzgerald de canções de Porter, tais como ‘Let’s Do It (Let’s Fall In Love’) e ‘Ev’ry Time We Say Goodbye’ são um puro deleite porque ela foi capaz de trazer à tona o melhor das letras que são sofisticadas, muitas vezes apresentando rimas engenhosas. Algumas das letras eram espirituosas e risquinhas também. A canção de Porter ‘Love For Sale’, por exemplo, que era sobre uma prostituta de Nova Iorque, foi considerada demasiado explícita para a rádio nos anos 30, mas no entanto tornou-se um padrão, cantada por Holiday e Elvis Costello, entre muitos outros. (Ella e Billie, as duas grandes damas do jazz, cobriram frequentemente a mesma canção, e é uma questão de gosto cuja versão de “Summertime”. ‘A Fine Romance’ ou ‘Embraceable You’ que prefere.)
Apanhar um estado de espírito ou apenas inventar uma frase original estava no cerne de muitos clássicos bem sucedidos do Songbook. ‘Cry Me A River’ foi originalmente escrito para Fitzgerald cantar no filme Pete Kelly’s Blues de 1955, mas foi suprimido do filme. O escritor da canção, Arthur Hamilton, disse nunca ter ouvido a frase antes, mas apenas gostou da combinação das palavras – e havia algo de sedutor na forma como foram entregues pela cantora americana Julie London. a sua versão sombria e ardente (ajudada por uma adorável guitarra de jazz de Barney Kessel) foi um enorme sucesso em 1955. Foi a canção que lançou a sua carreira.
Jazz e The Great American Songbook
Às vezes um padrão começou a vida como um flop, como com ‘Here’s That Rainy Day’. Jimmy Van Heusen e Johnny Vurke escreveram a canção para o Carnaval musical In Flanders de 1953, mas o espectáculo encerrou após apenas seis actuações. Só na versão de Sinatra, seis anos mais tarde, é que a canção foi reconhecida como um clássico, que mais tarde seria gravado por centenas de artistas, desde o cantor country Kenny Rogers aos instrumentistas de jazz Coleman Hawkins e Chet Baker.
Jazz e The Great American Songbook estão inextricavelmente ligados. Os compositores, especialmente Berlim, Porter e Gershwin, compreenderam o género, e os seus músicos, tais como Lester Young, Benny Carter e Oscar Peterson, foram capazes de trazer um sentimento real às suas interpretações das canções. Também gravaram versões com improvisações espantosas – algumas das melhores das quais foram apresentadas em faixas instrumentais. Nesta categoria encaixa a versão de Charlie Parker de “What Is This Thing Called Love” de Porter; a versão hipnótica e inimitável de John Coltrane de “My Favorite Things”; o sumptuoso Bill Evans de “What Is This Thing Called Love?e o bebop agitado de Thelonious Monk’s assumem ‘Tea For Two’, que era tão diferente da forma como a canção era coberta por Fats Waller ou Gene Krupa.
Trumpeter e o cantor Louis Armstrong tiveram a sua própria relação de sucesso com The Great American Songbook. Bing Crosby estabeleceu a doce balada ‘Stardust’ como uma canção pop em Agosto de 1931. Três meses mais tarde, Armstrong respondeu à interpretação melódica e lírica de Crosby com uma interpretação que sujeitou tanto a melodia como a letra dos seus próprios desenhos únicos. A canção, nestas duas versões separadas, ilustra as possibilidades interpretativas do Songbook em termos pop e jazz. Crosby e Armstrong também deram versões maravilhosamente diferentes de ‘Just A Gigolo’, uma melodia vienense chamada ‘Schoner Gigolo’ que foi brilhantemente adaptada para o inglês por Irving. A canção continua a ser uma das gravações de destaque de Satchmo, enquanto as suas colaborações com Fitzgerald em alguns dos clássicos dos Songbooks são também indispensáveis para ouvir.
A voz de Crosby teve uma grande influência em Sinatra – ambos os homens tiveram um êxito com ‘I Guess I’ll Have To Change My Plan’ – e foi sem dúvida Sinatra que tornou muitas das canções agora clássicas populares entre os ouvintes que não eram fãs de jazz moribundo. Ele elevou a importância da letra com a sua poderosa dicção e fraseado, enquanto alguns dos arranjos dos seus clássicos são sublimes em todos os níveis – e Sinatra podia igualá-los porque tinha a capacidade de entrar dentro de uma canção. Ele gravou duas vezes o clássico de Alec Wilder ‘I’ll Be Around’ de 1942, e embora tenha havido boas versões das canções de vários grandes nomes, incluindo Cab Calloway e Peggy Lee, Wilder pensou que a compreensão de Sinatra dos aspectos narrativos da canção lhe deu a vantagem de gravar a sua versão cover como a melhor.
Sinatra continua a exercer uma poderosa influência muito depois da sua morte, em 1998. O Prémio Nobel Bob Dylan, que lançou três álbuns com as selecções do Great American Songbook, disse: “Quando se começa a fazer estas canções, Frank tem de estar na sua mente. Porque ele é a montanha”. É a montanha que se tem de escalar, mesmo que só se consiga parte do caminho até lá. E seria difícil encontrar uma canção que ele não fizesse”
p>Outros cantores icónicos do século XX incluem Lena Horne, Sarah Vaughan, Al Jolson, Dean Martin e Mel Tormé. Chicago-born Tormé, que foi apelidado de “The Velvet Fog”, foi um cantor talentoso e vocalista scat que fez alguns grandes discos de jazz para Verve. Cantou o seu caminho através do The Great American Songbook nos anos 50, mas só nos anos 70 é que ganhou realmente o reconhecimento que mereceu.
Rock’n’roll chega
Com a chegada do rock’n’roll, a música mudou fundamentalmente nos anos 50 e 60, um período que coincidiu com o colapso da indústria da música em folhas. No entanto, a tradição de parcerias na composição de belas canções (exemplificada pelos criadores Arthur Schwartz e Howard Dietz, “That’s Entertainment!”) continuou na era do pós-guerra, quando uma nova raça de escritores começou a escrever as suas próprias versões de canções clássicas americanas para um mercado moderno de rock e pop. O chefe entre a nova raça de compositores era o extremamente talentoso Burt Bacharach, particularmente quando colaborava com o letrista Hal David.
Burt Bacharach e Hal David levaram a tradição do Grande Livro de Canções Americano para os anos 60. Os dois homens dificilmente poderiam ter sido mais diferentes. David, que era sete anos mais velho que Bacharach e que tinha escrito canções para o Sinatra, era um homem de família antiquado que se deslocava todos os dias para Nova Iorque a partir da sua casa em Long Island. Bacharach era um homem sofisticado, mas a sua parceria seria uma das mais frutíferas na história da música popular, começando com a canção ‘Magic Moments’ de 1957, um sucesso para Perry Como. Outra dupla a criar canções maravilhosas para uma nova era foi o letrista Jerry Leiber e o compositor Mike Stoller.
O renascimento do Grande Songbook Americano
O espantoso renascimento do Grande Songbook Americano veio no século XXI, mas as sementes foram semeadas nos anos 70, uma época em que o cantor-compositor começava a dominar. O crédito deve ser dado a Ringo Starr, que foi o primeiro músico “moderno” a tentar insuflar uma nova vida nos clássicos. A tendência revitalizada começou com o álbum de 1970 do baterista dos Beatles, Sentimental Journey, que apresentava canções de Porter e Carmichael que tinham sido as favoritas da sua mãe. Seguiu-se o álbum de Carmen McRae de 1972 e depois o álbum histórico de Willie Nelson de 1978, Stardust, que fez muito para inspirar os discos posteriores de Dylan.
Nelson, que tinha sido educado sobre as canções dos anos 40 e 50, recebeu o prestigioso Prémio Biblioteca do Congresso Gershwin para Canções Populares em 2015. Talvez inspirada por isso, a estrela da música country voltou ao poço em 2016 com o álbum Summertime: Willie Nelson Sings Gershwin, que incluiu um dueto com Cyndi Lauper em ‘Let’s Call The Whole Thing Off’.
A cantora country Linda Rondstadt também abriu um caminho com What’s New, em 1983. Uma das coisas especiais do álbum de canções Songbook de Ronstadt foi que ela trabalhou com o arranjador Nelson Riddle, o homem que tinha feito tanto pela música de Frank Sinatra com os seus elegantes arranjos de cordas.
Não foram todos os músicos que abordaram The Great American Songbook nos últimos 40 anos que se dedicaram ao som de uma grande banda do apogeu da música, mas houve muitas encarnações interessantes, incluindo álbuns de Joni Mitchell, Luciano Pavarotti, Dinah Washington, Harry Nilsson, Carly Simon, Bette Midler, Rufus Wainwright, Dr John, Annie Lennox, Nina Simone, Sinead O’Connor, Harry Connick Jr, Diana Krall, Paul McCartney e os álbuns extremamente populares de Rod Stewart.
Michael Bublé, que foi apresentado aos padrões pelo seu avô, insiste que o apelo das canções não é simplesmente uma questão de nostalgia. O cantor canadiano disse: “Fui sempre levado por este estilo”. Ouvir Mel Tormé ou Ella Fitzgerald ou Frank Sinatra quando era criança era tão bom porque tinham esta qualidade tonal dulcetada que eu não tinha ouvido em cantores modernos.”
A falecida Natalie Cole, que teve enormes triunfos com o álbum de tributo Unforgettable em 1991 (e o seu seguimento em 2008, Still Unforgettable) teve obviamente uma inspiração próxima na forma do seu pai Nat King Cole, que popularizava canções esplêndidas como ‘Fly Me To The Moon’ no novo meio de televisão, numa altura em que a sua filha ainda era uma criança pequena.
Quando ele estava nos anos setenta, nos anos setenta, o falecido Harold Arlen lamentou que “já ninguém quer melodia”. Talvez ele ficasse animado com o renascimento das canções clássicas, um movimento que até viu o velho maestro Tony Bennett unir forças com Lady Gaga no álbum Cheek To Cheek de 2014. Talvez Arlen tivesse sorrido para a forma como uma nova geração de jovens ouvintes estava a ser introduzida (através de um ícone pop moderno como Gaga) na obra de Berlim, com letras intemporais como, “Heaven, I’m in Heaven/And the carees that hang around me through the week/ Parece desaparecer como a sorte de um jogador/Quando estamos juntos a dançar, bochecha a bochecha.”
Os nomes de alguns dos maiores letristas estão possivelmente a desaparecer (quantas pessoas ouvem ‘Heart And Soul’ ou a perene ‘Baby, It’s Cold Outside’ do Natal e sabem que são apenas dois dos clássicos escritos por Frank Loesser?) mas a qualidade pura e sem fôlego da letra é a razão pela qual tantas das próprias canções nunca serão esquecidas. Existe agora até The Great American Songbook Foundation, que irá gerir a sua oitava academia anual de verão para jovens músicos talentosos em 2017.
The Great American Songbook é uma das criações mais especiais e únicas da cultura americana. Vamos todos enfrentar a música e a dança.
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