Canzoni come ‘Summertime’, ‘Someone to Watch Over Me’, ‘My Funny Valentine’, ‘Let’s Face The Music And Dance’ e ‘Some Enchanted Evening’ sono così familiari che sembrano essere parte del tessuto culturale americano. Sono solo cinque capolavori in un canone ormai ampiamente conosciuto come The Great American Songbook. Non si tratta di un vero e proprio libro, piuttosto di un termine che si applica alle melodie del teatro musicale di Broadway, dei musical di Hollywood e di Tin Pan Alley (il centro del songwriting che era la fila degli editori musicali sulla 28esima strada ovest di New York). Le canzoni divennero il repertorio principale dei musicisti jazz durante questo periodo, che si estendeva approssimativamente dal 1920 al 1960.
Ascolta le migliori canzoni del Great American Songbook su Spotify.
Creazione degli “standard” all’inizio del XX secolo
Gli “standard” sono popolari oggi come lo erano più di mezzo secolo fa; la musica semplicemente trascende l’epoca in cui le canzoni furono scritte. Sono caratterizzati da testi abili e spiritosi che evocano l’idea stessa di raffinatezza dell’alta società. C’era qualcosa nell’inizio del 20° secolo – l’età del jazz degli anni ’20, la Grande Depressione, i malinconici anni della guerra – che cospirava per creare musica che era veramente edificante e gloriosamente sentimentale.
Solo quando i soldi di Broadway divennero scarsi dopo la Depressione, alcuni dei migliori compositori di canzoni si trasferirono a Hollywood, dove gli studi cinematografici erano in piena espansione e pagavano bene le canzoni. George e Ira Gershwin si trasferirono a Beverly Hills nel 1934, dove scrissero canzoni per i film di Fred Astaire e Ginger Rogers. Fu il luogo dove George morì, a soli 37 anni, per un tumore al cervello. Harry Warren fu un altro cantautore che si trasferì a Los Angeles, dove ebbe una carriera sfavillante. Vinse tre Oscar e compose una serie di canzoni memorabili, tra cui ‘Jeepers Creepers’, ‘That’s Amore’, ‘Chattanooga Choo Choo’ e ‘We’re In The Money’.
Anche se la maggior parte dei migliori cantautori erano uomini, Dorothy Fields fu una donna pioniera. La Fields, morta nel 1974, si è guadagnata il suo primo successo scrivendo insieme a Jimmy McHugh. Insieme scrissero classici come ‘I Can’t Give You Anything But Love’ (una canzone che Billie Holiday interpreta con tanto brio) e ‘On The Sunny Side Of The Street’. La Fields scrisse numeri speciali per le riviste del Cotton Club, molti dei quali furono poi registrati da Duke Ellington; negli anni ’50 si mise in proprio, scrivendo per Broadway. Le sue 400 canzoni includevano gli standard ‘The Way You Look Tonight’ e ‘A Fine Romance’.
Bandleader e pianista Ellington aveva una rara capacità di catturare la nostalgia, e le sue canzoni rivoluzionarie, come ‘Sophisticated Lady’, ‘Mood Indigo’, ‘Prelude To A Kiss’ e ‘In A Sentimental Mood’, hanno mostrato le sue qualità di autore di canzoni per più di 50 anni. “Praticamente tutto quello che abbiamo scritto”, ha detto Ellington, “doveva essere l’immagine di qualcosa, un personaggio rappresentativo.”
Cosa veniva prima? La musica o il testo?
Quindi cosa veniva prima, la musica o il testo? Questo dipendeva dal team di scrittura. In generale, la musica di Richard Rodgers veniva prima delle parole di Lorenz Hart, ma era il contrario quando Rodgers lavorava con Oscar Hammerstein. Anche se molte delle celebri composizioni erano scritte da un duo (uno che componeva la musica e uno che scriveva le parole), c’erano tre geni che componevano e scrivevano regolarmente le proprie parole: Irving Berlin, Cole Porter e Noël Coward.
Porter scrisse anche canzoni per i grandi film di Hollywood negli anni ’40 e ’50, incluso High Society, con Bing Crosby, Frank Sinatra e Grace Kelly. Porter non ha mai avuto paura di essere intelligente, come ha mostrato in ‘Brush Up Your Shakespeare’ per il musical Kiss Me Kate del 1948, che includeva i versi ambiziosamente originali, “Just declaim a few lines from Othello/And they think you’re a helluva fella.”
Molti autori di canzoni (come Jerome Kern e Richard Rodgers) avevano una formazione classica. George Gershwin, la cui ‘Rhapsody In Blue’ rimane un punto culminante nella storia della musica, era convinto che non ci dovesse essere un divario inconciliabile tra la musica seria e quella popolare, e voleva rivolgersi ad ascoltatori di entrambi i gusti.
Tali canzoni di alta qualità sono il veicolo perfetto per l’interpretazione e l’improvvisazione di un interprete, e certi numeri sono ricordati più per il cantante che per lo scrittore. Se si menziona “Over The Rainbow”, è più probabile che la gente pensi all’impennata di Judy Garland per il film The Wizard Of Oz del 1939 che allo splendido lavoro dei compositori Harold Arlen e Yip Harburg.
Poche cantanti hanno eguagliato Ella Fitzgerald come interprete di canzoni. La sua serie di album che esplorano il Great American Songbook, cantautore per cantautore, è una delle più notevoli serie di registrazioni nella storia della musica popolare. La portata delle selezioni non è forse mai stata eguagliata (e c’erano arrangiamenti brillanti di gente come Buddy Bregman), dato che ha celebrato il lavoro di Porter, Berlin, Kern, Ellington, Rodgers & Hart, Arlen, Mercer e i Gershwin.
Ella Fitzgerald esplora The Great American Songbook
La Fitzgerald era rilassata durante le sessioni e di solito si preparava accuratamente prima di una ripresa (come Frank Sinatra, che spesso passava giorni a studiare i testi) e il suo unico momento di ansia arrivò quando Duke Ellington arrivò in studio all’ultimo minuto con gli arrangiamenti abbozzati su una busta. Anche se la Fitzgerald scoppiò in lacrime, niente poteva trattenere una cantante così consumata, e la sua versione di “Don’t Get Around Much Anymore” da quella sessione è una delle sue migliori registrazioni. Anche per una cantante di talento come la Fitzgerald, la qualità delle canzoni era qualcosa di raro e bellissimo. “Tutti quei Songbooks mi hanno aiutato ad entrare in punti che non ero mai stata in grado di suonare prima”, ha detto.
Le interpretazioni della Fitzgerald di canzoni di Porter, come ‘Let’s Do It (Let’s Fall In Love’) e ‘Ev’ry Time We Say Goodbye’ sono una vera delizia perché è stata in grado di tirare fuori il meglio dai testi che sono sofisticati, spesso con rime ingegnose. Alcuni dei testi erano anche spiritosi e rischiosi. La canzone di Porter ‘Love For Sale’, per esempio, che parlava di una prostituta di New York, fu considerata troppo esplicita per la radio negli anni ’30, ma è comunque diventata uno standard, cantata da Holiday e Elvis Costello, tra molti altri. (Ella e Billie, le due grandi signore del jazz, hanno spesso coperto la stessa canzone, ed è una questione di gusto quale versione di ‘Summertime’. A Fine Romance’ o ‘Embraceable You’.)
Cogliere uno stato d’animo o semplicemente inventare una frase originale era alla base di molti classici di successo del Songbook. ‘Cry Me A River’ fu originariamente scritta per la Fitzgerald da cantare nel film del 1955 Pete Kelly’s Blues, ma fu abbandonata dal film. L’autore della canzone, Arthur Hamilton, disse che non aveva mai sentito la frase prima, ma che gli piaceva la combinazione delle parole – e c’era qualcosa di affascinante nel modo in cui furono pronunciate dalla cantante americana Julie London. La sua versione sensuale e sensuale (aiutata da una bella chitarra jazz di Barney Kessel) fu un enorme successo nel 1955. Fu la canzone che lanciò la sua carriera.
Il jazz e il Great American Songbook
A volte uno standard cominciò come un flop, come con ‘Here’s That Rainy Day’. Jimmy Van Heusen e Johnny Vurke scrissero la canzone per il musical del 1953 Carnival In Flanders, ma lo spettacolo chiuse dopo appena sei repliche. Fu solo con la versione di Sinatra, sei anni dopo, che la canzone fu riconosciuta come un classico, che sarebbe stato poi registrato da centinaia di artisti, dal cantante country Kenny Rogers agli strumentisti jazz Coleman Hawkins e Chet Baker.
Il jazz e il Great American Songbook sono inestricabilmente legati. Gli autori di canzoni, specialmente Berlin, Porter e Gershwin, hanno capito il genere, e i suoi musicisti, come Lester Young, Benny Carter e Oscar Peterson, sono stati capaci di portare il vero sentimento nelle loro interpretazioni delle canzoni. Hanno anche registrato versioni con improvvisazioni stupefacenti – alcune delle migliori delle quali erano presenti nelle tracce strumentali. In questa categoria rientra la versione di Charlie Parker di ‘What Is This Thing Called Love’ di Porter; l’ipnotica e inimitabile versione di ‘My Favorite Things’ di John Coltrane; la sontuosa ‘What Is This Thing Called Love?’ e l’emozionante interpretazione bebop di Thelonious Monk di ‘Tea For Two’, che era così diversa dal modo in cui la canzone era stata coperta da Fats Waller o Gene Krupa.
Il trombettista e cantante Louis Armstrong aveva il suo rapporto di successo con il Great American Songbook. Bing Crosby stabilì la dolce ballata ‘Stardust’ come una canzone pop nell’agosto 1931. Tre mesi dopo, Armstrong rispose alla melliflua performance baritonale di Crosby con un’interpretazione che sottoponeva sia la melodia che il testo ai suoi disegni unici. La canzone, in queste due versioni separate, illustra le possibilità interpretative del Songbook in termini pop e jazz. Crosby e Armstrong diedero anche versioni meravigliosamente diverse di ‘Just A Gigolo’, una melodia viennese chiamata ‘Schoner Gigolo’ che fu brillantemente adattata in inglese da Irving. La canzone rimane una delle registrazioni più importanti di Satchmo, mentre le sue collaborazioni con Fitzgerald su alcuni dei classici dei Songbooks sono anch’esse un ascolto indispensabile.
La voce di Crosby ebbe una grande influenza su Sinatra – entrambi ebbero un successo con ‘I Guess I’ll Have To Change My Plan’ – e fu probabilmente Sinatra che rese molte delle canzoni ora classiche popolari tra gli ascoltatori che non erano fan sfegatati del jazz. Ha elevato l’importanza dei testi con la sua potente dizione e fraseggio, mentre alcuni degli arrangiamenti dei suoi classici sono sublimi ad ogni livello – e Sinatra li poteva eguagliare perché aveva la capacità di entrare in una canzone. Ha registrato due volte il classico di Alec Wilder del 1942 ‘I’ll Be Around’, e anche se ci sono state belle versioni della canzone da parte di numerosi grandi, tra cui Cab Calloway e Peggy Lee, Wilder pensava che la padronanza di Sinatra degli aspetti narrativi della canzone desse alla sua registrazione il vantaggio come migliore versione di cover.
Sinatra continua ad esercitare una potente influenza molto tempo dopo la sua morte, nel 1998. Il premio Nobel Bob Dylan, che ha pubblicato tre album di selezioni del Great American Songbook, ha detto: “Quando inizi a fare queste canzoni, Frank deve essere nella tua mente. Perché lui è la montagna. È la montagna che devi scalare, anche se ci arrivi solo in parte. E sarebbe difficile trovare una canzone che lui non abbia fatto.”
Altri cantanti iconici del XX secolo sono Lena Horne, Sarah Vaughan, Al Jolson, Dean Martin e Mel Tormé. Tormé, nato a Chicago e soprannominato “The Velvet Fog”, era un talentuoso cantante e vocalist scat che fece alcuni grandi dischi jazz per la Verve. Ha cantato la sua strada attraverso The Great American Songbook negli anni ’50, ma non è stato fino agli anni ’70 che si è veramente guadagnato il riconoscimento che meritava.
Arriva il rock’n’roll
Con l’arrivo del rock’n’roll, la musica cambiò fondamentalmente negli anni ’50 e ’60, un periodo che coincise con il collasso dell’industria degli spartiti. Tuttavia, la tradizione delle belle collaborazioni tra cantautori (esemplificata dai creatori di “That’s Entertainment!” Arthur Schwartz e Howard Dietz) continuò nell’era del dopoguerra, mentre una nuova razza di scrittori iniziò a scrivere le proprie versioni di canzoni classiche americane per un moderno mercato rock e pop. Il capo della nuova razza di autori di canzoni era il talentuoso Burt Bacharach, in particolare quando collaborava con il paroliere Hal David.
Burt Bacharach e Hal David portarono la tradizione del Great American Songbook negli anni 60. I due uomini non avrebbero potuto essere più diversi. David, che aveva sette anni più di Bacharach e che aveva scritto canzoni per Sinatra, era un padre di famiglia all’antica che faceva il pendolare a New York ogni giorno dalla sua casa di Long Island. Bacharach era un sofisticato donnaiolo, eppure la loro collaborazione sarebbe stata una delle più fruttuose nella storia della musica popolare, a partire dalla canzone ‘Magic Moments’ del 1957, un successo per Perry Como. Un altro duo che creò meravigliose canzoni per una nuova era fu il paroliere Jerry Leiber e il compositore Mike Stoller.
La rinascita del Great American Songbook
La sorprendente rinascita del Great American Songbook arrivò nel XXI secolo, ma i semi furono piantati negli anni ’70, un periodo in cui il cantautore cominciava a prendere piede. Il merito va dato a Ringo Starr, che fu il primo musicista “moderno” a cercare di dare nuova vita ai classici. La tendenza rivitalizzata iniziò con l’album del batterista dei Beatles del 1970, Sentimental Journey, che conteneva canzoni di Porter e Carmichael che erano state le preferite di sua madre. Questo fu seguito dall’album di Carmen McRae del 1972 e poi dall’album di riferimento di Willie Nelson del 1978, Stardust, che fece molto per ispirare i successivi dischi di Dylan.
Nelson, che era stato cresciuto con le canzoni degli anni 40 e 50, ha ricevuto il prestigioso Library Of Congress Gershwin Prize For Popular Song nel 2015. Forse ispirato da ciò, la star della musica country è tornata al pozzo nel 2016 con l’album Summertime: Willie Nelson Sings Gershwin, che includeva un duetto con Cyndi Lauper su ‘Let’s Call The Whole Thing Off’.
Anche la cantante country Linda Rondstadt ha aperto una strada con What’s New, nel 1983. Una delle cose speciali dell’album di canzoni della Ronstadt fu che lavorò con l’arrangiatore Nelson Riddle, l’uomo che aveva fatto così tanto per la musica di Frank Sinatra con i suoi eleganti arrangiamenti per archi.
Non tutti i musicisti che hanno affrontato il Great American Songbook negli ultimi 40 anni hanno scelto il suono da big band del periodo d’oro della musica, ma ci sono state molte incarnazioni interessanti, compresi gli album di Joni Mitchell, Luciano Pavarotti, Dinah Washington, Harry Nilsson, Carly Simon, Bette Midler, Rufus Wainwright, Dr John, Annie Lennox, Nina Simone, Sinead O’Connor, Harry Connick Jr, Diana Krall, Paul McCartney e gli album estremamente popolari di Rod Stewart.
Michael Bublé, che è stato introdotto agli standard da suo nonno, insiste che il fascino delle canzoni non è semplicemente una questione di nostalgia. Il cantante canadese ha detto: “Sono sempre stato preso da questo stile. Ascoltare Mel Tormé o Ella Fitzgerald o Frank Sinatra da bambino era così bello perché avevano questa qualità tonale dolce che non avevo sentito nei cantanti moderni.”
La defunta Natalie Cole, che ha trionfato con l’album tributo Unforgettable nel 1991 (e il suo seguito del 2008, Still Unforgettable) ha ovviamente avuto l’ispirazione a portata di mano sotto forma di suo padre Nat King Cole, che stava rendendo popolari splendide canzoni come ‘Fly Me To The Moon’ sul nuovo mezzo televisivo quando sua figlia era ancora una bambina.
Quando aveva settant’anni, negli anni ’70, il defunto Harold Arlen si lamentava che “nessuno vuole più la melodia”. Forse sarebbe stato rincuorato dal revival delle canzoni classiche, un movimento che ha persino visto il vecchio maestro Tony Bennett unire le forze con Lady Gaga nell’album Cheek To Cheek del 2014. Forse Arlen avrebbe sorriso al modo in cui una nuova generazione di giovani ascoltatori veniva introdotta (attraverso un’icona pop moderna come Gaga) al lavoro di Berlin, con testi senza tempo come “Heaven, I’m in Heaven/And the cares that hang around me through the week/Seem to vanish like a gambler’s lucky streak/When we’re out together dancing, cheek to cheek.
I nomi di alcuni dei più grandi parolieri stanno forse scomparendo (quante persone ascoltano “Heart And Soul” o la perenne natalizia “Baby, It’s Cold Outside” e sanno che sono solo due dei classici scritti da Frank Loesser? Ora c’è persino la Great American Songbook Foundation, che nel 2017 terrà la sua ottava accademia estiva annuale per giovani musicisti di talento.
Il Great American Songbook è una delle creazioni più speciali e uniche della cultura americana. Affrontiamo tutti la musica e balliamo.
