Una panoramica storica dei murales

I murales sono ampiamente definiti come una pittura o un’altra opera d’arte eseguita direttamente su una parete, un soffitto o un’altra superficie permanente. Un aspetto unico dei murales è che l’architettura fisica della superficie è incorporata nell’opera d’arte. I primi murales conosciuti esistevano nell’era paleolitica, e sono stati scoperti in grotte nel sud della Francia, circa 30.000 a.C. Altri esempi storici di murales sono le pitture tombali geroglifiche egiziane, i palazzi minoici, le grotte di Ajanta e nella città-stato di Pompei. La tecnica del marouflage, che consiste nell’attaccare tele dipinte alle pareti, risale a 3.000 anni fa, ed è un primo precursore del metodo moderno dell’incollaggio del grano. I 500 anni di occupazione moresca della Spagna portarono con sé influenze artistiche ed estetiche, come lo zellij, o modelli geometrici basati su formule matematiche, che alla fine influenzarono l’arte europea nel periodo rinascimentale. Nel XIV secolo, i pittori italiani svilupparono la tecnica dell’affresco secco, murales dipinti su intonaco bagnato – un’evoluzione significativa nella qualità dell’opera d’arte. Tra i famosi affreschi prodotti durante il periodo rinascimentale ci sono “L’ultima cena” di Leonardo Da Vinci, “La creazione di Adamo”, “Il giudizio universale” e il soffitto della Cappella Sistina di Michelangelo. Poiché gli artisti erano spesso sostenuti da mecenati ricchi e politicamente potenti, come i Medici, e/o commissionati dalla stessa Chiesa Cattolica, molte delle opere classiche del periodo rinascimentale riflettono temi cristiani, compreso il fascino del cristianesimo greco-ortodosso che si sviluppò dopo la caduta di Costantinopoli nell’Impero Ottomano. Tuttavia, il rinnovato interesse per le idee greche e un fiorente movimento intellettuale e artistico portarono all’affermazione dell’umanesimo nel XV secolo, che alla fine si diffuse in tutta Europa e si allontanò dalla Chiesa come centro della religione, della politica e della cultura.

All’inizio del XX secolo, il movimento murale messicano associato a Diego Rivera ha portato un nuovo livello di sofisticazione ai murales, traendo influenze dal cubismo e dal post-impressionismo, oltre a incorporare commenti sociali e politici, che spesso erano stati soppressi in Europa. Rivera contribuì a rendere popolari i murales in tutto il Messico, in America Centrale e negli Stati Uniti, e le sue opere cominciarono a riflettere una coscienza politica radicale di sinistra oltre alle tradizionali influenze azteche.

L’attenzione del movimento murale messicano per i messaggi sociali e politici – inizialmente sponsorizzato dal governo dopo la rivoluzione del 1910 – divenne a sua volta un’influenza primaria sul movimento artistico chicano negli anni ’60 – uno sforzo messicano-americano per fondere ideologie post-coloniali con tradizioni precolombiane e un’identità distintamente chicana.

Anche negli anni 60 arrivò il movimento murale della comunità afroamericana. L’ispirazione principale di questo movimento fu le lotte di liberazione per i diritti civili e post diritti civili e l’attenzione all’estetica culturale e artistica del Black Arts Movement e del ministro della cultura e artista delle Pantere Nere Emory Douglas. Il movimento murale comunitario è iniziato con il Wall of Respect a Chicago, che è stato rivoluzionario non solo per la sua rappresentazione di icone nere, ma anche nel senso che la comunità ha condiviso la proprietà collettiva del lavoro. Il Wall of Respect ha portato a molti Walls simili a Chicago, molti dipinti da William Walker, e a un’ondata di murales orientati alla comunità in molte grandi città americane, tra cui Detroit, Los Angeles, San Francisco, Portland e St.

Il movimento dei murales comunitari era concomitante con quello che è stato chiamato dai non praticanti “il moderno movimento dei graffiti” (i praticanti spesso non si definiscono artisti dei graffiti, preferendo i termini “style writers” o “aerosol artists”), che è iniziato a Filadelfia e New York, e ha utilizzato il mezzo della vernice spray, così come superfici precedentemente non comuni: vagoni della metropolitana, campi da pallamano, sottopassaggi autostradali. Le origini del movimento sono in stile guerriglia, muri non autorizzati e inizialmente ruotavano intorno a tag che identificavano l’artista, come Coco 144 o Lee 163d, ma alla fine si sono evoluti nell’aggiunta di elaborati script calligrafici, personaggi – tra cui Yosemite Sam e Cheech Wizard di Vaughn Bode – e contorni e sfondi vibranti e multicolori. Un particolare passo evolutivo fu l’utilizzo di “fat caps” da parte di un writer di NYC chiamato Super Kool 223; l’ampio ugello permetteva spruzzi più ampi e lettere più spesse, proprio come un pennello più spesso copre più superficie. Gli stili si evolvevano costantemente e continuamente, e i writer formavano delle crew, sia per proteggersi e distinguersi dalle altre crew, sia per aiutare a navigare in un ambiente con bande di strada molto territoriali.

La prima mostra di graffiti art, nel 1972, fu recensita dal New York Times, il che portò a ulteriori mostre e all’interesse dei collezionisti d’arte e alla successiva nuova tendenza. Per tutti gli anni ’70, l’arte dei graffiti continuò a murare treni e muri, e molti dei writer più talentuosi avevano anche iniziato a fare tele con il mezzo dell’aerosol.

Inzialmente un movimento in sé, il movimento dell’aerosol art si identificò con la nascente cultura hip-hop di New York, attraverso writer pionieri come Phase 2, che erano anche b-boys, o ballerini hip-hop. Mentre DJ pionieri come Kool Herc, Afrika Bambaataa e Grandmaster Flash diventavano celebrità locali, artisti come Phase 2 aggiunsero il design grafico al loro curriculum, facendo volantini per le feste dei DJ.

Nonostante la sua innovazione artistica ed estetica, il movimento dell’aerosol art esisteva ai margini della società ed era controculturale fino al midollo. Non sorprende che ci fossero conseguenze da pagare. La polizia spesso picchiava chiunque trovasse con la vernice spray, a volte dipingendoci la faccia del writer. L’indignazione civica contro il vandalismo portava a multe (e alla fine a pene detentive). La Metropolitan Transit Authority di New York spese decine di milioni di dollari per ripulire i treni; nel 1977, l’era della metropolitana era giunta al termine, inducendo alcuni artisti a passare ad altre attività, mentre altri, come Lee Quinones, iniziarono a fare murales sui campi di pallamano.

Negli anni ’80, mentre l’hip-hop si espandeva da sottocultura newyorkese a movimento globale, l’arte degli aerosol era considerata uno dei suoi quattro elementi fondamentali. Il suo status nella cultura pop è stato notevolmente aiutato dalla pubblicazione di due libri fotografici da tavolo da caffè, “Subway Art” e “Spraycan Art”, e dai film “Wild Style” e “Style Wars”. “Subway Art” si concentrava sulle produzioni di arte pubblica incredibilmente innovative in stile guerriglia degli artisti dell’aerosol di New York, che andavano da pezzi autocelebrativi e auto-riverenziali basati su stili di scrittura, a opere astratte in cui gli sfondi e la composizione generale erano elevati in importanza. “Spraycan Art” ha documentato la crescente popolarità internazionale dell’arte in stile graffiti e dei murales con aerosol, mentre i writers dalla Bay Area all’Europa emulavano – e a volte addirittura superavano – le loro ispirazioni artistiche. Il documentario “Style Wars” personificava diversi writer iconici, mentre “Wild Style” mostrava tutti e quattro gli elementi fondamentali dell’hip-hop, e conteneva anche una sottotrama che rappresentava letteralmente la seduzione degli artisti di strada nel mondo dell’arte mainstream.

La calligrafia in stile aerosol era molto presente nello show televisivo del 1984 “Graffiti Rock”, che nasceva dalla WPIX di NYC e andava in onda a livello nazionale sulla CBS. Concepito come una versione hip-hop di “American Bandstand”, il suo logo vantava scritte in stile selvaggio ed era usato come sfondo sul set. Lo show presentava anche opere d’arte di Brim. “Graffiti Rock” prendeva il titolo da un evento curato dal fotografo e regista Henry Chalfant, co-produttore di “Style Wars” e co-autore di “Subway Art” e “Spraycan Art”. Tuttavia, anche se lo show ha ottenuto buoni ascolti, “Graffiti Rock” non è stato inspiegabilmente preso per la distribuzione, mettendo così fine all’opportunità di presentare tutti gli elementi culturali dell’hip-hop insieme. Una nota a margine interessante: il produttore dello show, Michael Holman, ha scritto la sceneggiatura del grande film “Basquiat”, sulla vita dell’artista Jean-Michel Basquiat, che aveva iniziato la sua carriera come artista di strada conosciuto con lo pseudonimo “SAMO”.”

Dalla fine degli anni ’80 e l’inizio degli anni ’90, c’era molta interconnessione e sovrapposizione tra le sottoculture dei murales, della street art e dei graffiti.

Nella Bay Area, il Mission District di San Francisco è emerso come una mecca per i murales, molti dei quali sono stati prodotti sotto la direzione dell’organizzazione Precita Eyes. Il movimento anti-apartheid ha prodotto un’esplosione di murales e personaggi a tema politico, e nel 1992, Spie e Dream of the TDK crew hanno lanciato una campagna di protesta contro l’anniversario dei viaggi di Colombo, chiamata “500 anni di resistenza”. La campagna coincise con una mostra chiamata “No Justice, No Peace”, che affrontava la brutalità della polizia sulla scia del pestaggio di Rodney King da parte della polizia di Los Angeles.

Negli anni ’80, i muralisti in stile graffiti fecero parte del Fresh Fest, uno dei primi tour nazionali di hip-hop, e Futura 2000 dipinse dal vivo gli sfondi e disegnò la grafica per i Clash. L’artista Keith Haring, che ha creato una serie di murales iconografici in gesso nelle stazioni della metropolitana di New York, ha raggiunto la fama nel mondo dell’arte e ha disegnato una serie di orologi per la Swatch (che ora sono oggetti da collezione). Il veterano dell’aerosol Haze disegnò loghi iconici per la EPMD e la Def Jam, e le copertine in stile graffiti cominciarono ad apparire su dischi rap di Mantronix e Just-Ice (Gnome and Gemini), i Boogie Boys (Phase 2) e altri. Questo periodo fu anche degno di nota per la calligrafia e i caratteri in stile graffiti che venivano dipinti direttamente su jeans e giacche di jeans, rendendoli in effetti dei murales personalizzati che parlavano dell’identificazione culturale con l’hip-hop.

Negli anni ’90, Dream TDK dipingeva i fondali per il concerto annuale Summer Jam di KMEL, e Doze TC5/GM5/RSC dipingeva spesso dal vivo agli spettacoli hip-hop e di turntablist. Il logo “Wild Style” – originariamente ispirato a un murale della metropolitana di Dondi, e dipinto da Zephyr, Revolt e Sharp per il film – è stato appropriato per una serie di ristampe dell’etichetta hip-hop Wild Pitch.

Anche negli anni ’90, diversi graphic designer con background da muralista si sono spostati nella moda hip-hop, incluso Haze, Marc Ecko, Futura, Doze e altri, mentre l’estetica dei graffiti informava le linee di prodotti di aziende come Conart, Third Rail, 594 Gear (un riferimento allo statuto anti-graffiti nel codice penale della California) e PNB. Riviste come International Graffiti Times, Stress, 4080 e On the Go si occuparono regolarmente di muralisti basati su aerosol, così come The Source, mentre una serie di film documentari chiamati “Graffiti Verite” documentarono ulteriormente la cultura e la sua storia. Molti writers dell’aerosol si dedicarono all’aerografia o al tatuaggio come un modo per pagare le bollette. Entro la fine del decennio, l’artista di strada di SF Barry “Twist” McGee esponeva al SFMOMA, Futura disegnava copertine di album per Mo’ Wax, Shephard Fairey incollava “Obey” e l’artista britannico Banksy evolveva la sua arte agitprop dalla pittura spray allo stenciling.

Nei primi due decenni del nuovo millennio, il muralismo ha continuato ad essere una forma di arte pubblica valida e innovativa. Nel 2002, Ivor Miller ha pubblicato il resoconto accademico definitivo della cultura dei graffiti e dei muralisti, “Aerosol Kingdom”, e i muralisti hanno tenuto banco dall’Oakland Museum of California al Block Museum di Chicago a Sotheby’s di Londra alla Cisgiordania di Gaza. Non è raro che artisti murali ben noti come Apex di SF si aggiudichino grandi commissioni per entità corporative, mentre continuano a fare progetti di quartiere più piccoli. La lista degli attuali collettivi di muralisti è troppo lunga da elencare, e ci sono numerose organizzazioni di muralisti, tra cui il Community Rejuvenation Project, che si sono incorporate come non-profit.

Come parte della street art, dei community murales e dei movimenti dei graffiti, i muralisti hanno fatto ulteriori incursioni nel settore dell’arte pubblica e nel mondo dell’arte mainstream, spesso mantenendo una credibilità di strada e un legame con le comunità che rappresentano. Il movimento murale è diventato globale, ben rappresentato nei suoi centri di lunga data come New York, Chicago, Philadelphia, Detroit, St. Louis e la Bay Area, ma anche a Yokohoma, Tokyo, Montreal, Halifax, Londra, Edimburgo, Melbourne, Sydney, Berlino, Città del Messico e San Paolo. Scrivere sui muri è una delle prime tradizioni culturali dell’umanità, e non mostra segni di fermarsi mentre ci muoviamo nel XXI secolo.