Des chansons telles que ‘Summertime’, ‘Someone to Watch Over Me’, ‘My Funny Valentine’, ‘Let’s Face The Music And Dance’ et ‘Some Enchanted Evening’ sont si familières qu’elles semblent faire partie du tissu culturel américain. Ce ne sont que cinq chefs-d’œuvre d’un canon désormais largement connu sous le nom de « Great American Songbook ». Il ne s’agit pas d’un véritable livre, mais plutôt d’un terme qui s’applique aux airs de comédies musicales de Broadway, de comédies musicales de films d’Hollywood et de Tin Pan Alley (la plaque tournante de l’écriture de chansons qu’était la rangée des éditeurs de musique sur la 28e rue ouest de New York). Ces chansons sont devenues le répertoire de base des musiciens de jazz pendant cette période, qui s’est étendue en gros de 1920 à 1960.
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Création des « standards » au début du 20e siècle
Les « standards » sont aussi populaires aujourd’hui qu’il y a plus d’un demi-siècle ; la musique transcende tout simplement l’époque à laquelle les chansons ont été écrites. Ils sont caractérisés par des paroles habiles et pleines d’esprit qui évoquent l’idée même de sophistication de la haute société. Il y avait quelque chose au sujet du début du 20e siècle – l’âge du jazz des années 20, la Grande Dépression, les années mélancoliques de la guerre – qui a conspiré pour créer une musique qui était vraiment édifiante et glorieusement sentimentale.
Ce n’est que lorsque l’argent de Broadway est devenu rare après la Dépression qu’un certain nombre de grands auteurs-compositeurs ont déménagé à Hollywood, où les studios de cinéma étaient en plein essor et payaient bien les chansons. George et Ira Gershwin se sont installés à Beverly Hills en 1934, où ils ont écrit des chansons pour les films de Fred Astaire et Ginger Rogers. C’est là que George est mort, à seulement 37 ans, d’une tumeur au cerveau. Harry Warren est un autre auteur-compositeur qui s’est installé à Los Angeles, où il a mené une brillante carrière. Il a remporté trois Oscars et a composé une vingtaine de chansons mémorables, dont » Jeepers Creepers « , » That’s Amore « , » Chattanooga Choo Choo » et » We’re In The Money « .
Bien que la majorité des meilleurs auteurs-compositeurs étaient des hommes, Dorothy Fields était une pionnière féminine. Fields, qui est décédée en 1974, a fait sa première percée en co-écrivant avec Jimmy McHugh. Ensemble, ils ont écrit des classiques tels que « I Can’t Give You Anything But Love » (une chanson que Billie Holiday interprète avec un tel panache) et « On The Sunny Side Of The Street ». Fields a écrit des numéros spéciaux pour les revues du Cotton Club, dont beaucoup ont été enregistrés plus tard par Duke Ellington ; dans les années 50, elle s’est fait connaître en écrivant pour Broadway. Parmi ses 400 chansons, on trouve les standards ‘The Way You Look Tonight’ et ‘A Fine Romance’.
Le bouliste et pianiste Ellington avait une capacité rare à capter la nostalgie, et ses chansons révolutionnaires, comme ‘Sophisticated Lady’, ‘Mood Indigo’, ‘Prelude To A Kiss’ et ‘In A Sentimental Mood’, ont montré ses qualités d’auteur-compositeur pendant plus de 50 ans. « Pratiquement tout ce que nous avons écrit », disait Ellington, « était censé être une image de quelque chose, un personnage représentatif. »
Qu’est-ce qui venait en premier ? La musique ou les paroles ?
Alors, qu’est-ce qui venait en premier, la musique ou les paroles ? Cela dépendait de l’équipe d’écriture. En général, la musique de Richard Rodgers venait avant les paroles de Lorenz Hart, mais c’était l’inverse lorsque Rodgers travaillait avec Oscar Hammerstein. Bien que de nombreuses compositions célèbres aient été écrites par un duo (l’un composant la musique et l’autre rédigeant les paroles), trois génies ont régulièrement composé et écrit leurs propres paroles : Irving Berlin, Cole Porter et Noël Coward.
Porter a également écrit des chansons pour les grands films hollywoodiens des années 40 et 50, notamment pour High Society, qui mettait en vedette Bing Crosby, Frank Sinatra et Grace Kelly. Porter n’avait jamais peur d’être malin, comme il l’a montré dans ‘Brush Up Your Shakespeare’ pour la comédie musicale Kiss Me Kate de 1948, qui comprenait les lignes ambitieusement originales, « Just declaim a few lines from Othello/And they think you’re a helluva fella. »
De nombreux auteurs-compositeurs (tels que Jerome Kern et Richard Rodgers) avaient une formation classique. George Gershwin, dont ‘Rhapsody In Blue’ reste un moment fort de l’histoire de la musique, était catégorique sur le fait qu’il n’était pas nécessaire qu’il y ait un fossé irréconciliable entre la musique sérieuse et la musique populaire, et qu’il voulait plaire aux auditeurs des deux goûts.
Ces chansons de grande qualité sont le véhicule parfait pour l’interprétation et l’improvisation d’un interprète, et certains numéros restent dans les mémoires plus pour le chanteur que pour l’auteur. Si vous mentionnez » Over The Rainbow « , les gens sont plus susceptibles de penser à la version planante de Judy Garland pour le film Le Magicien d’Oz en 1939 qu’au magnifique travail des compositeurs Harold Arlen et Yip Harburg.
Peu de chanteurs ont égalé Ella Fitzgerald en tant qu’interprète de chansons. Sa série d’albums explorant The Great American Songbook, auteur-compositeur par auteur-compositeur, constitue l’une des séries d’enregistrements les plus remarquables de l’histoire de la musique populaire. La portée des sélections n’a peut-être jamais été égalée (et il y avait des arrangements brillants de personnes telles que Buddy Bregman), car elle a célébré le travail de Porter, Berlin, Kern, Ellington, Rodgers & Hart, Arlen, Mercer et les Gershwin.
Ella Fitzgerald explore The Great American Songbook
Fitzgerald était détendue tout au long des sessions et généralement minutieusement préparée avant une prise (comme Frank Sinatra, qui passait souvent des jours à se pencher sur les paroles) et son seul moment d’anxiété est survenu lorsque Duke Ellington est arrivé au studio à la dernière minute avec des arrangements esquissés sur une enveloppe. Bien que Fitzgerald ait éclaté en sanglots, rien ne pouvait retenir une chanteuse aussi consommée, et sa version de « Don’t Get Around Much Anymore » de cette session est l’un de ses meilleurs enregistrements. Même pour une chanteuse aussi talentueuse que Fitzgerald, la qualité des chansons était quelque chose de rare et de magnifique. » Tous ces Songbooks m’ont aidée à entrer dans des endroits que je n’avais jamais pu jouer auparavant « , a-t-elle déclaré.
Les interprétations de Fitzgerald des chansons de Porter, telles que ‘Let’s Do It (Let’s Fall In Love’) et ‘Ev’ry Time We Say Goodbye’ sont un pur délice car elle était capable de faire ressortir le meilleur des paroles qui sont sophistiquées et qui comportent souvent des rimes ingénieuses. Certains textes sont également spirituels et osés. La chanson de Porter « Love For Sale », par exemple, qui parle d’une prostituée new-yorkaise, a été jugée trop explicite pour la radio dans les années 30, mais est néanmoins devenue un standard, chanté par Holiday et Elvis Costello, entre autres. (Ella et Billie, les deux grandes dames du jazz, ont souvent repris la même chanson, et c’est une question de goût de savoir quelle version de « Summertime ». ‘A Fine Romance’ ou ‘Embraceable You’ que vous préférez.)
Saisir une humeur ou simplement inventer une phrase originale était au cœur de nombreux classiques à succès du Songbook. ‘Cry Me A River’ a été écrite à l’origine pour que Fitzgerald la chante dans le film Pete Kelly’s Blues de 1955, mais elle a été retirée du film. L’auteur de la chanson, Arthur Hamilton, a déclaré qu’il n’avait jamais entendu cette phrase auparavant, mais qu’il aimait simplement la combinaison des mots – et il y avait quelque chose de séduisant dans la façon dont ils étaient interprétés par la chanteuse américaine Julie London. C’est la chanson qui a lancé sa carrière.
Jazz et The Great American Songbook
Parfois, un standard a commencé sa vie comme un flop, comme avec ‘Here’s That Rainy Day’. Jimmy Van Heusen et Johnny Vurke ont écrit la chanson pour la comédie musicale Carnival In Flanders de 1953, mais le spectacle a fermé après seulement six représentations. Il faudra attendre la version de Sinatra, six ans plus tard, pour que la chanson soit reconnue comme un classique, qui sera ensuite enregistré par des centaines d’artistes, du chanteur country Kenny Rogers aux instrumentistes de jazz Coleman Hawkins et Chet Baker.
Le jazz et The Great American Songbook sont inextricablement liés. Les auteurs-compositeurs, notamment Berlin, Porter et Gershwin, comprenaient le genre, et ses musiciens, comme Lester Young, Benny Carter et Oscar Peterson, étaient capables d’apporter un réel sentiment à leurs interprétations des chansons. Ils ont également enregistré des versions comportant des improvisations étonnantes – dont certaines des meilleures figurent sur des pistes instrumentales. C’est dans cette catégorie que s’inscrit la version de Charlie Parker de « What Is This Thing Called Love » de Porter, la version hypnotique et inimitable de « My Favorite Things » de John Coltrane, le somptueux « What Is This Thing Called Love ?’ et l’émouvante reprise bebop de Thelonious Monk sur ‘Tea For Two’, qui était si différente de la façon dont la chanson était reprise par Fats Waller ou Gene Krupa.
Le trompettiste et chanteur Louis Armstrong a eu sa propre relation fructueuse avec The Great American Songbook. Bing Crosby a établi la douce ballade ‘Stardust’ comme une chanson pop en août 1931. Trois mois plus tard, Armstrong répondait à l’interprétation du baryton mélodieux de Crosby par une interprétation qui soumettait la mélodie et les paroles à ses propres conceptions uniques. La chanson, dans ces deux versions distinctes, illustre les possibilités d’interprétation du Songbook en termes de pop et de jazz. Crosby et Armstrong ont également donné des versions merveilleusement différentes de « Just A Gigolo », une mélodie viennoise appelée « Schoner Gigolo » qui a été brillamment adaptée en anglais par Irving. Cette chanson reste l’un des enregistrements phares de Satchmo, tandis que ses collaborations avec Fitzgerald sur certains des classiques des Songbooks sont également des écoutes indispensables.
La voix de Crosby a eu une grande influence sur Sinatra – les deux hommes ont eu un tube avec ‘I Guess I’ll Have To Change My Plan’ – et on peut dire que c’est Sinatra qui a rendu nombre de ces chansons désormais classiques populaires auprès d’auditeurs qui n’étaient pas des fans inconditionnels de jazz. Il rehaussait l’importance des paroles grâce à sa diction et à son phrasé puissants, tandis que certains des arrangements de ses classiques sont sublimes à tous les niveaux – et Sinatra pouvait les égaler parce qu’il avait la capacité d’entrer dans une chanson. Il a enregistré à deux reprises le classique de 1942 d’Alec Wilder, ‘I’ll Be Around’, et bien qu’il y ait eu de belles versions de nombreux grands noms, dont Cab Calloway et Peggy Lee, Wilder pensait que la maîtrise par Sinatra des aspects narratifs de la chanson donnait à son enregistrement l’avantage de la meilleure reprise.
Sinatra continue d’exercer une puissante influence longtemps après sa mort, en 1998. Le lauréat du prix Nobel Bob Dylan, qui a sorti trois albums de sélections du Great American Songbook, a déclaré : » Quand vous commencez à faire ces chansons, Frank doit être dans votre esprit. Parce qu’il est la montagne. C’est la montagne que vous devez gravir, même si vous n’y arrivez qu’en partie. Et il serait difficile de trouver une chanson qu’il n’a pas faite. »
Les autres chanteurs emblématiques du 20e siècle comprennent Lena Horne, Sarah Vaughan, Al Jolson, Dean Martin et Mel Tormé. Né à Chicago, Tormé, qui était surnommé « The Velvet Fog », était un chanteur et scat vocaliste doué qui a enregistré de grands disques de jazz pour Verve. Il a chanté son chemin à travers The Great American Songbook dans les années 50, mais ce n’est que dans les années 70 qu’il a vraiment gagné la reconnaissance qu’il méritait.
Le rock’n’roll arrive
Avec l’arrivée du rock’n’roll, la musique a changé fondamentalement dans les années 50 et 60, une période qui a coïncidé avec l’effondrement de l’industrie de la musique en feuilles. Cependant, la tradition des partenariats d’écriture de chansons de qualité (illustrée par les créateurs de « That’s Entertainment ! », Arthur Schwartz et Howard Dietz) s’est poursuivie dans l’après-guerre, alors qu’une nouvelle génération d’auteurs commençait à écrire ses propres versions des chansons américaines classiques pour un marché rock et pop moderne. Le chef de file de cette nouvelle race d’auteurs-compositeurs était l’extrêmement talentueux Burt Bacharach, en particulier lorsqu’il collaborait avec le parolier Hal David.
Burt Bacharach et Hal David ont fait entrer la tradition du Great American Songbook dans les années 60. Les deux hommes pouvaient difficilement être plus différents. David, qui avait sept ans de plus que Bacharach et qui avait écrit des chansons pour Sinatra, était un père de famille à l’ancienne qui se rendait chaque jour à New York depuis sa maison de Long Island. Bacharach est un homme à femmes sophistiqué, mais leur partenariat sera l’un des plus fructueux de l’histoire de la musique populaire, à commencer par la chanson « Magic Moments » de 1957, un succès pour Perry Como. Un autre duo créant des chansons merveilleuses pour une nouvelle ère était le parolier Jerry Leiber et le compositeur Mike Stoller.
Le renouveau de The Great American Songbook
L’étonnant renouveau de The Great American Songbook est arrivé au 21e siècle, mais les graines ont été semées dans les années 70, une époque où l’auteur-compositeur-interprète commençait à avoir de l’emprise. Le mérite en revient à Ringo Starr, qui a été le premier musicien « moderne » à tenter de donner un nouveau souffle aux classiques. Le renouveau commence avec l’album de 1970 du batteur des Beatles, Sentimental Journey, qui reprend des chansons de Porter et de Carmichael, qui étaient les préférées de sa mère. S’ensuivit l’album de Carmen McRae en 1972, puis l’album phare de Willie Nelson en 1978, Stardust, qui a beaucoup inspiré les disques ultérieurs de Dylan.
Nelson, qui avait été élevé avec les chansons des années 40 et 50, a reçu le prestigieux Library Of Congress Gershwin Prize For Popular Song en 2015. Peut-être inspiré par cela, la star de la musique country est revenue au puits en 2016 avec l’album Summertime : Willie Nelson Sings Gershwin, qui comprenait un duo avec Cyndi Lauper sur ‘Let’s Call The Whole Thing Off’.
La chanteuse country Linda Rondstadt a également ouvert la voie avec What’s New, en 1983. L’une des particularités de l’album de Ronstadt, composé d’airs de Songbook, est qu’elle a travaillé avec l’arrangeur Nelson Riddle, l’homme qui avait tant fait pour la musique de Frank Sinatra avec ses élégants arrangements de cordes.
Les musiciens qui se sont attaqués au Great American Songbook au cours des 40 dernières années n’ont pas tous opté pour le son big band intégral de l’apogée de la musique, mais il y a eu de nombreuses incarnations intéressantes, notamment des albums de Joni Mitchell, Luciano Pavarotti, Dinah Washington, Harry Nilsson, Carly Simon, Bette Midler, Rufus Wainwright, Dr John, Annie Lennox, Nina Simone, Sinead O’Connor, Harry Connick Jr, Diana Krall, Paul McCartney et les albums immensément populaires de Rod Stewart.
Michael Bublé, qui a été initié aux standards par son grand-père, insiste sur le fait que l’attrait de ces chansons n’est pas simplement une question de nostalgie. Le chanteur canadien a déclaré : « J’ai toujours été pris par ce style. Écouter Mel Tormé ou Ella Fitzgerald ou Frank Sinatra quand j’étais enfant était tellement génial parce qu’ils avaient cette qualité tonale dulcinée que je n’avais pas entendue chez les chanteurs modernes. »
La défunte Natalie Cole, qui a triomphé massivement avec l’album hommage Unforgettable en 1991 (et sa suite en 2008, Still Unforgettable) a évidemment eu une inspiration proche sous la forme de son père Nat King Cole, qui popularisait des chansons splendides comme ‘Fly Me To The Moon’ sur le nouveau média qu’est la télévision, à une époque où sa fille était encore un bambin.
Alors qu’il était septuagénaire dans les années 70, le regretté Harold Arlen déplorait que « plus personne ne veut de mélodie ». Peut-être serait-il réconforté par le renouveau des chansons classiques, un mouvement qui a même vu le vieux maestro Tony Bennett s’associer à Lady Gaga sur l’album Cheek To Cheek de 2014. Peut-être Arlen aurait-il souri de la façon dont une nouvelle génération de jeunes auditeurs était initiée (via une icône pop moderne comme Gaga) à l’œuvre de Berlin, avec des paroles intemporelles comme « Heaven, I’m in Heaven/And the cares that hang around me through the week/Seem to vanish like a gambler’s lucky streak/When we’re out together dancing, cheek to cheek. »
Les noms de certains des plus grands paroliers sont peut-être en train de s’effacer (combien de personnes écoutent ‘Heart And Soul’ ou l’éternel Noël ‘Baby, It’s Cold Outside’ et savent qu’il ne s’agit que de deux des classiques écrits par Frank Loesser ?) mais la qualité purement haletante des paroles est la raison pour laquelle tant de chansons elles-mêmes ne seront jamais oubliées. Il existe même désormais The Great American Songbook Foundation, qui organisera sa huitième académie d’été annuelle pour les jeunes musiciens doués en 2017.
Le Great American Songbook est l’une des créations les plus spéciales et uniques de la culture américaine. Faisons tous face à la musique et dansons.
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