Cette histoire contient des spoilers tout au long de l’intrigue de mother!
Depuis son annonce, l’argument de vente principal du nouveau film de Darren Aronofsky, mother !, a été double : qu’il met en vedette l’une des plus célèbres actrices en activité aujourd’hui, Jennifer Lawrence, et que les particularités de son intrigue sont un mystère absolu. Eh bien, après des mois de secret, le film est sorti en salle en version large le week-end dernier, et les spectateurs ont enfin la chance de s’interroger sur cette œuvre d’horreur bizarre et chaotique.
Le récit d’Aronofsky est brutal, fantastique et évidemment chargé de symbolisme, mais pour moi, le plus grand plaisir de mother ! est le nombre de personnes qui m’ont fait part de leurs différents points de vue sur le message du film. Mon collègue Christopher Orr a évoqué dans sa critique l’ouverture du film à de multiples interprétations, notant à la fois les allusions bibliques de l’histoire et son ton apparemment autoréférentiel sur la difficulté de la vie d’artiste et sur la monstruosité que peuvent devenir les créateurs. Maintenant que mother ! est sorti, cela vaut la peine de creuser davantage le grand débat qui a déjà émergé sur la signification du film.
L’intrigue de mother ! est très simple – du moins jusqu’à ce qu’elle commence à devenir plus déséquilibrée. Elle commence par un plan du visage en pleurs d’une femme au milieu d’un vaste brasier, après quoi un homme (Javier Bardem) insère un cristal dans un piédestal et répare comme par magie la maison brûlée autour de lui. Coupez à : une femme sans nom (Jennifer Lawrence) qui vit dans cette magnifique maison au milieu de nulle part avec son mari (Bardem). Il est un poète de renom, occupé à travailler sur sa prochaine grande œuvre (bien qu’il semble souffrir du syndrome de la page blanche). Elle rénove leur maison avec dévouement, peignant les murs et autres, et semble avoir le pouvoir mystique de « sentir » le cœur de la maison, en touchant les murs et en visualisant un organe géant qui pompe.
Après un certain temps, un autre homme (Ed Harris) se présente, s’identifiant comme un médecin cherchant un endroit où rester. Bardem (les personnages n’ont pas de noms, il est donc plus facile de les identifier par leurs interprètes) l’invite à entrer et les deux se lient rapidement, au grand malaise de Lawrence. Harris tombe rapidement malade, une maladie non spécifiée créant un bleu sur son côté. C’est alors qu’arrive sa femme (Michelle Pfeiffer), qui n’hésite pas à s’en prendre à Lawrence en raison de la grande différence d’âge entre elle et son mari. Harris, encouragé par Pfeiffer, casse accidentellement le cristal de Bardem, inspirant sa rage. Les enfants adultes du couple en visite (Domhnall et Brian Gleeson) arrivent alors et se battent immédiatement, l’aîné tuant le cadet et recevant une cicatrice sur le front dans la lutte. Alors que la famille organise des funérailles dans la maison (tandis que l’agitation de Lawrence ne fait qu’augmenter), un déluge d’eau, provoqué par un invité qui brise un accessoire fantaisie de l’évier, chasse finalement tout le monde pour de bon.
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Cela couvre la première moitié du film, que, comme l’a noté Orr, on pourrait effrontément appeler un « testament » : un testament où Bardem est un stand-in pour Dieu, Harris et Pfeiffer sont Adam (jusqu’à sa blessure aux côtes) et Eve (toujours aussi tentatrice), et leurs enfants sont Caïn et Abel, le premier tuant le second et étant « marqué » pour ce péché primal. Le cristal magique de Bardem est un fruit défendu violé, et les tuyaux d’évier éclatés sont le déluge punissant les premiers adeptes de Dieu et nettoyant le monde.
Lorsque le deuxième acte du film commence, la nouvelle poésie de Bardem est complète et le personnage de Lawrence est enceinte. À la fin, son bébé (probablement une sorte de stand-in pour le corps du Christ) a été dévoré vivant par une foule folle de disciples de Bardem. Ils font d’abord irruption dans la maison en tant que fans de son œuvre, mais se transforment en violence et en scènes de guerre surréalistes, ravageant la maison avant que Lawrence ne la brûle dans un accès de chagrin pour la perte de son enfant. Alors qu’elle meurt en maudissant son mari, Bardem lui demande de l’aimer, et elle accepte. Il arrive sous la forme de son cœur, qu’il extrait de sa poitrine et transforme en un cristal qu’il utilise ensuite pour reconstruire à nouveau la maison, créant une nouvelle épouse, jouée par un nouvel acteur.
Ce sont des choses folles – mais l’allégorie biblique ne va pas plus loin, même si Aronofsky lui-même y a fait allusion lors de la présentation de mother ! au Festival international du film de Toronto (il a désigné le personnage de Harris comme « l’homme », puis a ajouté : « c’est un indice »). Le personnage de Lawrence n’a pas d’équivalent évident dans l’un ou l’autre testament ; il s’agit plutôt d’une sorte d’analogue de la Terre-Mère ou de Gaia, une incarnation de la nature et de la création, la maison (qui est lentement détruite par ses hôtes insensibles) étant un substitut de la planète elle-même. On peut aussi la voir comme la moitié chaleureuse et accueillante de la divinité, Bardem représentant la moitié distante et inconnue. Il y a aussi de vagues concepts de réincarnation et de renouveau dans la fin du film, qui reflètent davantage l’hindouisme ou le bouddhisme que tout ce qui est judéo-chrétien.
La joie de mother !, pour moi, se situe au-delà de la métaphore religieuse de Dieu et d’Adam et Eve et ainsi de suite ; jugez-le juste à ce niveau, et il se sent matraqué d’un point de vue narratif. Il y a beaucoup d’autres choses à creuser, certaines étant probablement conscientes de la part d’Aronofsky, d’autres moins. Il a parlé dans des interviews du message environnemental qu’il essaie de faire passer, déclarant au Hollywood Reporter : » Je pense que l’humanité est en train de se défaire. Je ne blâme pas un sexe plutôt que l’autre. Je pense que c’est à propos de la façon dont les gens sont insatiables, comment il y a cette consommation sans fin. »
Mais comme beaucoup de films (surtout un film avec un investissement personnel aussi évident de la part d’Aronofsky), mother ! est clairement aussi un film sur l’art et le processus créatif, un film avec une vision plutôt négative du grand créateur en son centre. Le sombre Bardem ne peut s’empêcher de tenir Lawrence à distance, tantôt partant en trombe pour écrire, tantôt balayant ses préoccupations concernant les invités envahissants (dont il s’inspire). Bien qu’elle l’aime, Lawrence ne peut s’empêcher de faire une fixation sur la différence d’âge majeure qui les sépare, et après que leur relation ait fini par s’effondrer, Bardem utilise son cœur – son inspiration – pour construire une nouvelle œuvre grandiose et, avec elle, une nouvelle partenaire féminine.
Aronofsky est, ironiquement, maintenant impliqué romantiquement avec Lawrence, bien qu’ils se soient rencontrés pendant le tournage de mother !, bien après qu’il ait écrit le film. Mais bien sûr, de telles romances dans l’industrie ne sont guère inhabituelles, et l’idée que des artistes écrivent sur leurs propres relations ne l’est pas non plus ; il est juste fascinant de voir comment Aronofsky a transformé cette dynamique en quelque chose de grandiose, destructeur et finalement horrifiant. Le personnage de Lawrence ressemble parfois à une parodie du stéréotype « enceinte et pieds nus », se déplaçant toujours dans la maison sans aucune chaussure. L’acteur a qualifié ce choix de conscient, déclarant : « Il n’aurait jamais été juste que mon personnage porte des chaussures. La nature est sa création. »
Que vous l’ayez aimé ou non (j’étais mitigé sur sa qualité globale), mother ! est le genre de film qui ne bénéficie tout simplement pas d’une sortie large à Hollywood – il est violent, il est bizarre, et il essaie sincèrement de déconcerter les spectateurs et de susciter le débat. Il est passionnant de voir une grande star telle que Lawrence utiliser son influence pour faire réaliser ce film, et encore plus de voir un grand studio le diffuser dans tout le pays. Bien que le week-end d’ouverture du film ait été plutôt faible – 7,5 millions de dollars estimés avec un CinemaScore « F » (qui mesure la satisfaction du public pour essayer d’évaluer le bouche-à-oreille), Paramount a défendu le film, déclarant dans un communiqué : « Ce film est très audacieux et courageux … nous ne voulons pas que tous les films soient sûrs. Et ce n’est pas grave si certaines personnes n’aiment pas ça. »
Le studio, essentiellement, mérite d’être félicité pour avoir sorti un film aussi polarisant. Que les spectateurs l’aiment ou le détestent, ils semblent toujours sortir de mother ! avec une forte opinion, ce qui est plus que ce que l’on peut dire pour la plupart des blockbusters hollywoodiens. Pour un film qui semble profondément peu subtil dans sa narration, mother ! est toujours aussi mystérieux que le cristal difforme et oblong à partir duquel Bardem crée son paradis – différent sous tous les angles.