Un aperçu historique des peintures murales

Les peintures murales sont définies de manière générale comme une peinture ou une autre œuvre d’art exécutée directement sur un mur, un plafond ou une autre surface permanente. Un aspect unique des peintures murales est que l’architecture physique de la surface est incorporée dans l’œuvre d’art. Les premières peintures murales connues remontent à l’ère paléolithique et ont été découvertes dans des grottes du sud de la France, vers 30 000 ans avant Jésus-Christ. D’autres exemples historiques de peintures murales sont les peintures funéraires hiéroglyphiques égyptiennes, les palais minoens, les grottes d’Ajanta et la cité-État de Pompéi. La technique du marouflage, qui consiste à fixer des toiles peintes sur les murs, remonte à 3 000 ans et est un précurseur de la méthode moderne du collage au blé.

Au Moyen Âge, les peintures murales étaient généralement exécutées sur du plâtre sec. L’occupation mauresque de l’Espagne, qui a duré 500 ans, a apporté avec elle des influences artistiques et esthétiques, comme le zellij, ou des motifs géométriques basés sur des formules mathématiques, qui ont finalement influencé l’art européen pendant la période de la Renaissance. Au XIVe siècle, les peintres italiens ont mis au point la technique de la fresque secco, des peintures murales réalisées sur du plâtre humide – une évolution significative de la qualité de l’œuvre d’art. Parmi les célèbres peintures murales produites pendant la Renaissance, citons « La Cène » de Léonard de Vinci, « La Création d’Adam », « Le Jugement dernier » et le plafond de la chapelle Sixtine de Michel-Ange. Les artistes étant souvent soutenus par des mécènes riches et politiquement puissants, tels que les Médicis, et/ou commandés par l’Église catholique elle-même, de nombreuses œuvres classiques de la Renaissance reflètent des thèmes chrétiens, notamment une fascination pour le christianisme orthodoxe grec qui s’est développée après la chute de Constantinople aux mains de l’Empire ottoman. Cependant, le regain d’intérêt pour les idées grecques et un mouvement intellectuel et artistique en plein essor ont conduit à l’établissement de l’humanisme au 15e siècle, qui s’est finalement répandu dans toute l’Europe et s’est éloigné de l’Église comme centre de la religion, de la politique et de la culture.

Au début du XXe siècle, le mouvement mural mexicain associé à Diego Rivera a apporté un nouveau niveau de sophistication aux peintures murales, en tirant des influences du cubisme et du post-impressionnisme, ainsi qu’en incorporant des commentaires sociaux et politiques – qui avaient souvent été supprimés en Europe. Rivera a contribué à populariser les peintures murales dans tout le Mexique, en Amérique centrale et aux États-Unis, et ses œuvres ont commencé à refléter une conscience politique de gauche radicale ainsi que des influences aztèques traditionnelles.

L’accent mis par le mouvement mural mexicain sur les messages sociaux et politiques – initialement parrainé par le gouvernement à la suite de la révolution de 1910 – est devenu à son tour une influence primordiale sur le mouvement artistique chicano dans les années 1960 – un effort mexico-américain pour mélanger les idéologies du post-colonialisme avec les traditions précolombiennes, et une identité nettement chicano.

Aussi dans les années 60 est apparu le mouvement des murales de la communauté afro-américaine. La principale inspiration de ce mouvement était les luttes de libération des droits civiques et post-droits civiques et l’accent mis sur l’esthétique culturelle et artistique du Black Arts Movement et du ministre de la culture et artiste des Black Panthers, Emory Douglas. Le mouvement des fresques communautaires a débuté avec le Mur du respect à Chicago, qui était révolutionnaire non seulement par sa représentation d’icônes noires, mais aussi par le fait que la communauté partageait la propriété collective de l’œuvre. Le Wall of Respect a donné lieu à de nombreux Walls similaires à Chicago, dont beaucoup ont été peints par William Walker, et à une vague de peintures murales à vocation communautaire dans de nombreuses grandes villes américaines, notamment Détroit, Los Angeles, San Francisco, Portland et Saint-Louis.

Le mouvement des peintures murales communautaires était concomitant de ce qui a été appelé par les non-praticiens « le mouvement moderne des graffitis » (les praticiens ne se qualifient souvent pas de graffiteurs, préférant les termes de « style writers » ou « aerosol artists »), qui a débuté à Philadelphie et à New York, et a utilisé le médium de la peinture en aérosol, ainsi que des surfaces auparavant peu communes : wagons de métro, terrains de handball, passages souterrains d’autoroutes. Les origines du mouvement se situent dans la guérilla, sur des murs non autorisés, et s’articulaient initialement autour de tags identifiant l’artiste, tels que Coco 144 ou Lee 163d, mais ont finalement évolué vers l’ajout d’écritures calligraphiques élaborées, de personnages – dont Yosemite Sam et le Cheech Wizard de Vaughn Bode – et de contours et fonds vibrants et multicolores. Une étape particulière de l’évolution a été l’utilisation de « fat caps » par un écrivain de New York nommé Super Kool 223 ; la large buse permettait des pulvérisations plus larges et des lettres plus épaisses, tout comme un pinceau plus épais couvre une plus grande surface. Les styles ont évolué de manière constante et continue, et les écrivains ont formé des crews – à la fois pour se protéger et se distinguer des autres crews, et aussi pour aider à naviguer dans un environnement avec des gangs de rue très territoriaux.

La première exposition d’art graffiti, en 1972, a fait l’objet d’une critique dans le New York Times, ce qui a conduit à d’autres expositions et à l’intérêt des collectionneurs d’art et de la nouvelle tendance suivante. Tout au long des années 70, les arts graffiti ont continué à réaliser des peintures murales sur les trains et les murs, et plusieurs des écrivains les plus talentueux avaient également commencé à réaliser des toiles avec le médium aérosol.

Initialement un mouvement en soi, le mouvement de l’art aérosol s’est identifié à la culture hip-hop émergente à New York, grâce à des écrivains pionniers comme Phase 2, qui étaient également des b-boys, ou danseurs de hip-hop. Alors que des DJs pionniers comme Kool Herc, Afrika Bambaataa et Grandmaster Flash sont devenus des célébrités locales, des artistes comme Phase 2 ont ajouté la conception graphique à leur CV, en réalisant des flyers pour les soirées DJ.

Malgré son innovation artistique et esthétique, le mouvement d’art aérosol existait en marge de la société, et était contre-culturel jusqu’au bout. Sans surprise, il y avait des conséquences à payer. La police frappait souvent les personnes qu’elle trouvait avec de la peinture en aérosol, peignant parfois le visage de l’auteur avec. L’indignation civique contre le vandalisme a conduit à des amendes (et finalement à des peines de prison). La Metropolitan Transit Authority de New York a dépensé des dizaines de millions de dollars pour lustrer les trains ; en 1977, l’ère du métro était terminée, ce qui a poussé certains artistes à passer à d’autres occupations, tandis que d’autres, comme Lee Quinones, ont commencé à faire des peintures murales sur les terrains de handball.

Dans les années 1980, alors que le hip-hop passait d’une sous-culture new-yorkaise à un mouvement mondial, l’art en aérosol était considéré comme l’un de ses quatre éléments fondamentaux. Son statut dans la culture pop a été considérablement aidé par la publication de deux livres de photographie de format café, « Subway Art » et « Spraycan Art », et par les films « Wild Style » et « Style Wars ». « Subway Art » se concentre sur les productions d’art public étonnamment innovantes des artistes aérosols de New York, qui vont de pièces auto-congratulantes et auto-révérencieuses basées sur des styles de lettres à des œuvres abstraites dans lesquelles les arrière-plans et la composition générale ont une grande importance. « Spraycan Art » a documenté la popularité internationale croissante de l’art des graffitis et des peintures murales à l’aérosol, les écrivains de la Bay Area à l’Europe imitant – et parfois même surpassant – leurs inspirations artistiques. Le documentaire « Style Wars » a personnifié plusieurs écrivains emblématiques, tandis que « Wild Style » a montré les quatre éléments fondamentaux du hip-hop, et contenait également une intrigue secondaire qui décrivait assez littéralement la séduction des artistes de rue dans le monde de l’art grand public.

La calligraphie à l’aérosol figurait en bonne place dans l’émission télévisée de 1984 « Graffiti Rock », issue de la WPIX de NYC et diffusée au niveau national sur CBS. Conçue comme une version hip-hop d' »American Bandstand », son logo arborait un lettrage de style sauvage et était utilisé comme toile de fond sur le plateau. L’émission présentait également des illustrations de Brim. « Graffiti Rock » tire son titre d’un événement organisé par le photographe et cinéaste Henry Chalfant, coproducteur de « Style Wars » et co-auteur de « Subway Art » et « Spraycan Art ». Pourtant, bien que l’émission ait obtenu de bonnes audiences, « Graffiti Rock » n’a inexplicablement pas été retenue pour être distribuée, ce qui a mis fin à l’opportunité de présenter ensemble tous les éléments culturels du hip-hop. Une parenthèse intéressante : le producteur de l’émission, Michael Holman, a ensuite écrit le scénario du grand film « Basquiat », sur la vie de l’artiste Jean-Michel Basquiat, qui avait commencé sa carrière comme artiste de rue connu sous le pseudonyme de « SAMO ». »

À la fin des années 1980 et au début des années 1990, il y avait beaucoup d’interconnectivité et de chevauchement entre les sous-cultures de la peinture murale communautaire, de l’art de rue et de l’art graffiti.

Dans la région de la baie, le Mission District de San Francisco est apparu comme une Mecque des peintures murales, dont beaucoup ont été produites sous l’intendance de l’organisation Precita Eyes. Le mouvement anti-apartheid a produit un déferlement de peintures murales et de personnages à thème politique, et en 1992, Spie et Dream de l’équipe TDK ont lancé une campagne de protestation contre l’anniversaire des voyages de Colomb, appelée « 500 ans de résistance ». La campagne coïncide avec une exposition intitulée « No Justice, No Peace », qui aborde la question de la brutalité policière à la suite du passage à tabac de Rodney King par la police de Los Angeles.

Durant les années 1980, des muralistes de style graffiti font partie du Fresh Fest, l’une des premières tournées nationales de hip-hop, et Futura 2000 peint en direct des arrière-plans et conçoit des graphiques pour The Clash. L’artiste Keith Haring – qui a créé une série de peintures murales iconographiques à la craie dans les stations de métro de New York, s’est fait connaître dans le monde de l’art et a conçu une série de montres pour Swatch (qui sont aujourd’hui des objets de collection). Haze, vétéran de l’aérosol, a conçu des logos emblématiques pour EPMD et Def Jam, et des couvertures de style graffiti ont commencé à apparaître sur les disques de rap de Mantronix et Just-Ice (Gnome and Gemini), des Boogie Boys (Phase 2), etc. Cette période est également remarquable pour la calligraphie et les caractères de style graffiti qui sont peints directement sur les jeans et les vestes en denim – les rendant, en fait, des peintures murales personnalisées qui parlent de l’identification culturelle avec le hip-hop.

Dans les années 1990, Dream TDK a peint des toiles de fond pour le concert annuel Summer Jam de KMEL, et Doze TC5/GM5/RSC a fréquemment peint en direct lors de spectacles de hip-hop et de turntablist. Le logo « Wild Style » – inspiré à l’origine par une peinture murale de métro de Dondi, et peint par Zephyr, Revolt et Sharp pour le film – a été approprié pour une série de rééditions acheter le label hip-hop Wild Pitch.

Aussi dans les années 1990, plusieurs graphistes ayant des antécédents de muralistes sont passés à la mode hip-hop, notamment Haze, Marc Ecko, Futura, Doze, et d’autres, tandis que l’esthétique du graffiti a informé les lignes de produits de sociétés comme Conart, Third Rail, 594 Gear (une référence à la loi anti-graffiti du code pénal californien) et PNB. Des magazines comme International Graffiti Times, Stress, 4080 et On the Go couvrent régulièrement les muralistes à l’aérosol, tout comme The Source, tandis qu’une série de documentaires intitulée « Graffiti Verite » documente davantage la culture et son histoire. De nombreux auteurs d’aérosols se sont lancés dans l’aérographie ou le tatouage pour payer leurs factures. À la fin de la décennie, l’artiste de rue de SF Barry « Twist » McGee exposait au SFMOMA, Futura concevait des couvertures d’album pour Mo’ Wax, Shephard Fairey collait du blé sur « Obey » et l’artiste Banksy, basé au Royaume-Uni, faisait évoluer son art agitprop de la peinture en aérosol au pochoir.

Pendant les deux premières décennies du nouveau millénaire, le muralisme est resté une forme viable et innovante d’art public. En 2002, Ivor Miller a publié le compte rendu académique définitif de la culture des graffitis et des muralistes, « Aerosol Kingdom », et les muralistes ont tenu la cour du Oakland Museum of California au Block Museum de Chicago, en passant par Sotheby’s à Londres et la Cisjordanie de Gaza. Il n’est pas rare que des artistes muraux connus, comme Apex de SF, décrochent de grosses commandes pour des entreprises, tout en réalisant de petits projets de quartier. La liste des collectifs de muralistes actuels est bien trop longue à énumérer, et il existe de nombreuses organisations de muralistes, dont le Community Rejuvenation Project, qui se sont constituées en sociétés à but non lucratif.

Dans le cadre des mouvements de l’art de rue, de la murale communautaire et du graffiti, les muralistes ont fait de nouvelles percées dans le secteur de l’art public et dans le monde de l’art grand public, souvent tout en conservant une crédibilité de rue et un lien avec les communautés qu’ils représentent. Le mouvement mural est devenu un mouvement mondial, bien représenté dans ses centres historiques comme New York, Chicago, Philadelphie, Detroit, St. Louis et la Bay Area, mais aussi à Yokohoma, Tokyo, Montréal, Halifax, Londres, Edimbourg, Melbourne, Sydney, Berlin, Mexico et Sao Paulo. L’écriture sur les murs est l’une des plus anciennes traditions culturelles de l’humanité, et elle ne montre aucun signe d’arrêt alors que nous avançons dans le XXIe siècle.