Une histoire de la musique reggae

Jamaïque : le mento

(Voir Contexte : le XXe siècle)

Le premier studio d’enregistrement jamaïcain ouvre ses portes en 1951 et enregistre de la musique « mento », une fusion de musique de danse folklorique européenne et africaine.L’île est inondée de disques de rhythm’n’blues importés par les « sound systems », des dancings ambulants excentriques tenus par des disc-jockeys non moins excentriques comme Clement Dodd (le « Downbeat ») et Duke Reid (le « Trojan »).Les pauvres des ghettos jamaïcains, qui n’avaient pas les moyens d’engager un orchestre pour leurs fêtes, devaient se contenter de ces « sound systems ».Les « selectors », les disc-jockeys jamaïcains qui exploitaient ces sound systems, devenaient les véritables animateurs. Le sélecteur faisait tourner les disques et « trinquait » dessus.L’art de « trinquer », qui consistait généralement en des motifs vocaux rimés et qui s’est rapidement transformé en commentaire social, est devenu aussi important que la musique qui était jouée.

En 1954, Ken Khouri lance la première maison de disques de Jamaïque, « Federal Records ».Il inspire Reid et Dodd, qui commencent à enregistrer des artistes locaux pour leur système de sonorisation.Vers la fin des années 1950, des amateurs commencent à former des groupes qui jouent de la musique des Caraïbes et du rhythm’n’blues de la Nouvelle-Orléans, en plus du mento local. C’est ainsi que sont nés les groupes de « bluebeat », qui sont en fait la version jamaïcaine du son de la Nouvelle-Orléans. Ils comportaient généralement unaxophone, une trompette, un trombone, un piano, une batterie et une basse.

Simplement, la basse est devenue l’instrument dominant, et le son a évolué vers le « ska ». Le rythme « ska » avait en fait été inventé parRoscoe Gordon, un pianiste de Memphis, avec No More Doggin’ (1951).Les chansons ska se targuent d’un tempo enlevé, d’une section de cuivres, d’harmonies vocales afro-américaines, de riffs jazzy et de notes de guitare staccato.

Ska

(Voir L’âge des renaissances)

Théophilus Beckford enregistre le premier disque de « ska », Easy Snapping, en 1959,mais c’est Prince Buster (Cecil Campbell), propriétaire du système de sonorisation « Voice of the People », qui, vers 1961, définit définitivement les traits somatiques du ska (lui et son guitariste Jah Jerry).

Les Wailers, avec le jeune Bob Marley, Peter Tosh et Bunny Livingston,ralentissent le rythme dans Simmer Down (1963).My Boy Lollipop (1964) de Millie Small est le premier tube ska mondial.Les leaders charismatiques du mouvement ska étaient les Skatalites, un groupe d’anciens jazzmen chevronnés dirigé par le saxophoniste Tommy McCook et comprenant le tromboniste virtuose Don Drummond et le saxophoniste ténor Rolando Alphonso, qui n’a officiellement existé qu’entre 1964 et 1965 (Ball O’ Fire, 1965 ; Phoenix City, 1966 ; l’instrumental Guns Of Navarone, 1967), mais la star du ska étaitDesmond Dekker (Dacres), dont les Israélites (1968) ont lancé le « poppa-top » encore plus rapide, et dont les 007 Shanty Town (1967) et Rude Boy Train ont alimenté la mythologie du « rude boy ».La musique ska était relativement sereine et optimiste, une bande-son naturelle pour cette époque de paix et de richesse, un peu comme la musique du « swinging London ».

La Jamaïque était devenue un pays indépendant en 1962, mais les problèmes sociaux s’étaient multipliés.Au milieu des années 60, la musique ska a évolué vers le « rock steady », un style langoureux, nommé d’après le tube Rock Steady (1966) d’Alton Ellis, qui mettait l’accent sur des thèmes sociopolitiques, adoptait des instruments électriques, remplaçait les cuivres par les guitares et promouvait la basse comme instrument principal (effaçant pratiquement la batterie).En d’autres termes, le ska a muté sous l’influence de la musique soul. Le rock steady s’identifie à la foule des jeunes délinquants (les « rude boys ») qui imitent les « mods » britanniques et les « punks » américains.Ses hymnes générationnels sontJudge Dread (1967) de Prince Buster,The Tide Is High (1966) de John Holt par les Paragons,Rivers Of Babylon (1969) par les Melodians.La musique passe au second plan par rapport aux harmonies vocales. Cela a contribué à la suprématie des groupes vocaux : Wailers, Paragons, Maytals (nouveau nom des Vikings du tube ska Halleluja, 1963), Pioneers,Melodians, Heptones, etc.

Reggae

Le mot « reggae » a été inventé vers 1960 en Jamaïque pour identifier un style de musique de danse « débraillé », qui avait encore ses racines dans le rhythm’n’blues de la Nouvelle-Orléans.Cependant, le reggae a rapidement acquis le style lamentable du chant et a mis l’accent sur le rythme syncopé. Il a également explicité sa relation avec le monde souterrain des « rastafariens » (adeptes d’une foi africaine millénaire, ressuscitée par Marcus Garvey, qui prônait une émigration massive vers l’Afrique), tant dans les paroles que dans l’appropriation du style de tambour africain nyah-bingi (un style qui imite les battements du cœur avec son motif « thump-thump, pause, thump-thump »).Par rapport au rock, la musique reggae a fondamentalement inversé le rôle de la basse et de la guitare : la première était le lead, la seconde battait le rythme typique du hoquet.Le paradoxe du reggae, bien sûr, est que cette musique « unique à la Jamaïque » n’est en fait pas du tout jamaïcaine, ayant ses fondements aux États-Unis et en Afrique.

Un label indépendant, Island, a distribué des disques jamaïcains au Royaume-Uni tout au long des années 1960, mais le reggae n’est devenu populaire au Royaume-Uni que lorsque Al Capone de Prince Buster (1967) a déclenché un bref « engouement pour la danse ».La musique jamaïcaine était surtout un phénomène de ghetto, associé à la violence des gangs, mais Wonderful World Beautiful People (1969) de Jimmy Cliff a associé le reggae à la philosophie « peace and love » des hippies, une association qui ne s’est jamais démentie. Aux États-Unis, Red Red Wine (1967) de Neil Diamond a été le premier tube reggae d’un musicien pop. Peu après, Hold Me Tight (1968) de Johnny Nash a propulsé le reggae dans les charts.Do The Reggay (1968) de Toots (Hibbert) And The Maytals est le disque qui a donné son nom à cette musique.Le style vocal de Fredrick Toots Hibbert était en fait plus proche du gospel, comme le prouvent leurs autres succès(54-46, 1967 ; Monkey Man, 1969 ; Pressure Drop, 1970).

Un événement peu remarqué allait avoir des conséquences considérables :en 1967, le disc-jockey jamaïcain Rudolph « Ruddy » Redwood avait commencé à enregistrer des versions instrumentales de tubes reggae. Le succès de son club de danse est entièrement dû à cette idée.Duke Reid, qui est maintenant propriétaire du label Trojan, est le premier à capitaliser sur cette idée : il commence à sortir des singles avec deux faces : la chanson originale et, au dos, le remix instrumental. Ce phénomène a élevé le statut de dizaines d’ingénieurs du son.

La musique reggae a été principalement popularisée par Bob Marley (1), d’abord comme co-leader des Wailers,le groupe qui a promu l’image de la guérilla urbaine avec Rude Boy (1966) et qui a enregistré le premier album de musique reggae, Best Of The Wailers (1970) ; et plus tard comme le gourou politique et religieux (rasta) du mouvement, une posture qui le transformera en star, notamment après sa conversion à la pop-soulmelody avec des ballades comme Stir It Up (1972),I Shot The Sheriff (1973) et No Woman No Cry (1974).

Parmi les groupes vocaux reggae, Satta Massa Gana (1971)des Abyssins est représentatif de l’état d’esprit de l’époque.

En 1972, le reggae devient un incontournable des radios occidentales grâce au film The Harder They Come.

Dub

De plus en plus d’ingénieurs de studio remixaient les faces B des 45 tours de reggae,en supprimant les voix et en mettant l’accent sur la texture instrumentale de la chanson.Le but était de permettre aux disc-jockeys de « trinquer » sur le disque. Les ingénieurs sont devenus de plus en plus habiles pour affiner les textures instrumentales, surtout lorsqu’ils ont commencé à utiliser des appareils de studio sophistiqués, et le « dub » a fini par devenir un art à part entière.Les premiers singles dub sont apparus en 1971, mais l’homme à qui l’on attribue généralement l' »invention » du genre est Osbourne Ruddock, plus connu sous le nom de King Tubby (2), un ingénieur du son qui, en 1970, avait découvert par hasard l’intérêt de dépouiller une chanson de sa piste vocale et qui a conçu le premier disque dub, Psalm Of Dub de Carl Patterson (1971).Lorsqu’il s’associe au producteur Lee « Scratch » Perry, Blackboard Jungle (1973) est né : le premier album « dub » stéréo. C’est une révolution copernicienne : l’ingénieur et le producteur sont devenus plus importants que le compositeur. Il marque également le point final du « ralentissement » de la musique jamaïcaine, un processus qui a conduit du ska au reggae et au rock steady. Comparé à l’original, le dub était comme une version au ralenti.Une collaboration avec le mélodiste Augustus Pablo a donné lieu à une autre œuvre séminale,King Tubby Meets Rockers Uptown (1976).

Rainford Hugh Perry, plus connu sous le nom deLee « Scratch » Perry (3), qui avait soigné les Wailers, a à peu près établi la norme de référence pour les générations à venir avecDouble Seven (1974), le premier album de reggae qui surajoute des synthétiseurs,Revolution Dub (1975) et Super Ape (1976), l’un des chefs-d’œuvre du genre.

Le virtuose du mélodica Augustus Pablo (2), alias Horace Swaby, a écrit les albums instrumentaux This Is Augustus Pablo (1973) etEast of the River Nile (1977), deux des œuvres les plus atmosphériques du genre.

Talk-over

Le « Rapping » est issu de la tradition complémentaire du « talk-over ».Les disc-jockeys des sound systems avaient l’habitude d’accompagner les morceaux de danse avec des voix mélodiques et parlées impromptues, souvent simplement pour ajouter de l’enthousiasmeà la danse. U-Roy (Edwart Beckford) est probablement le premier grand artiste de talk-over, l’homme qui a fait du dub un véhicule très efficace pour des messages d’agit-prop (Dynamic Fashion Way, 1969 ; Runaway Girl, 1976 ; Wake the Town, Wear You to the Ball). D’autres pionniers du rap sont Dennis « Alcapone » Smith, avec Forever Version (1971), Prince Jazzbo et I Roy.Big Youth (Manley Buchanan) a fait monter les enchères avec ses raps sociopolitiques sauvages (S-90 Skank, 1972 ; The Killer, 1973 ; House Of Dread Locks, 1975 ; Every Nigger Is A Star, 1976), notamment sur Dreadlocks Dread (1975).A l’origine, la technique de ces « toasters » consistait à remixer les chansons des autres, en supprimant les voix originales, en accentuant la base rythmique, et en superposant leurs propres histoires rimées sur la piste obtenue.

L’âge d’or du reggae

A mesure que le reggae devenait une attraction mondiale, les styles se multipliaient et se métissaient avec les genres américains.

Burning Spear (1), le projet du visionnaire rastafari Winston Rodney, a libéré le survolté Marcus Garvey (1976), peut-être les plus hautes réalisations artistiques de la musique reggae.

Le trio vocal Culture de Joseph Hill était tout aussi passionné, et la chanson-titre de Two Sevens Clash (1977) est devenue l’hymne des rasta-punks et a inventé le « rockers reggae ».

Ijahman Levi (Trevor Sutherland) était peut-être le vocaliste le plus spirituel de sa génération. Ses chansons étaient des hymnes religieux (Jah Heavy Lord, 1975 ; I’m A Levi, 1978 ; Are We A Warrior, 1978).

L’ex-Wailers Peter Tosh, ou Winston Hubert McIntosh, est passé en territoire rock avec Legalize It (1976).

Les autres classiques populaires comprennent Police And Thieves (1976) de Junior Marvin et Love Is Overdue (1974) de Gregory Isaacs.

Revival jamaïcain en Grande-Bretagne

(Voir British Graffiti)

Le reggae et le ska ont connu un renouveau important en Grande-Bretagne pendant l’ère punk.À partir du milieu des années 1970, des ensembles tels que Aswad, Steel Pulse, Matumbi etUB40offrent une version occidentalisée de la musique jamaïcaine plutôt peu inspirée, mais ont eu la chance que le public trouve des affinités avec les thèmes implicites de protestation des punks politiques.À la même époque, les sensations britanniques du renouveau du ska incluent Specialset Madness.La musique dub britannique était une affaire plus sérieuse, et a mis plus de temps à émerger. Mais, à long terme, c’est la musique dub, et non le ska ou le reggae, qui est restée dans les mémoires, grâce aux productions de qualité d’Adrian Sherwood (le cerveau d’African Headcharge, Dub Syndicate et New Age Steppers), de Jah Shaka et du prolifique Guyanais Neil Fraser, plus connu sous le nom de Mad Professor, qui a écrit Beyond the Realms Of Dub (1982), et même le propre New Chapter of Dub d’Aswad (1982).Des sommets artistiques ont été atteints par le pionnier du dub et expérimentateur Keith Hudson, avec Pick A Dub (1976), et par le peintre sonore instrumental Dennis Bovell (un ancien membre de Matumbi, un ingénieur qui a inventé la fusion soul-reggae appelée « Lovers Rock »), avec Strictly Dubwise (1978), I Wah Dub (1980), probablement son album le plus intense, et Brain Damage (1981), une œuvre cosmopolite qui mélangeait également calypso, rock et funk.Linton Kwesi Johnson, poète jamaïcain installé en Angleterre, a transposé l’humeur du reggae dans des sermons à base de dub, arrangés par Dennis Bovell, sur les problèmes contemporains du lumperproletariat, tout comme l’autre poète du dub, Mutabaruka. Ces poètes dub étaient aussi musicaux que leurs producteurs parvenaient à l’être. Kwesi devait beaucoup à Bovell.

La musique jamaïcaine des années 1980

(Voir Le Nouvel Âge et World-music)

Le trio vocal Black Uhuru, soutenu par la section rythmique de Sly Dunbar et Robbie Shakespeare, enveloppait le reggae et le rastafarisme dans une production léchée de boîtes à rythmes et de synthétiseurs, notamment sur Red (1981).

Third World proposait une fusion commerciale de reggae, de funk et de soul.

Les innovateurs de la génération suivante comprenaient le toaster et turntablist Yellowman (Winston Foster), un pionnier du « dancehall »(musique reggae avec des tambours rock) qui a établi sa réputation avecMister Yellowman (1982),des artistes crossover comme Eddy Grant,avec la fusion électronique afro-rock-reggae-funk deWalking on Sunshine (1979),Eek-a-Mouse (Ripton Joseph Hylton), qui a inventé une technique vocale unique rappelant les débuts du toastage, comme on peut le voir sur Wa Do Dem (1982),etMikey Dread (Michael Campbell), qui a conçu African Anthem/ At The Control Dubwise (1979), avec l’aide de Scientist, King Tubby, Augustus Pablo et Sly & Robbie, et World War III (1981), avec l’aide de Scientist, après avoir collaboré avec le groupe punk-rock Clash.

En ce qui concerne le dub, King Tubby a élevé toute une génération d’ingénieurs du son, qui sont ensuite devenus des innovateurs de la musique jamaïcaine, comme Prince Jammy (Lloyd James), qui a concocté le reggae entièrement numérique Under Me Sleng Teng (1985), crédité d’avoir inventé le « ragga » (une fusion de reggae, de rap et de musique de danse électronique), et Scientist (Overton Brown).

Les musiciens reggae populaires des années 1980 comprenaient Judy Mowatt, qui, en tant que choriste pour Marley, a été l’une des premières interprètes féminines du reggae et, en tant que soliste, a traversé la ballade pop-soul,le barde sociopolitique ivoirien Alpha Blondy (Kone Seydou), et David « Ziggy » Marley, fils du prophète, qui a vendu le mythe de son père aux foules internationales de la disco-pop.Le toaster dancehall Shabba Ranks (Rexton Gordon) et Shinehead (Carl Aiken)étaient les stars du hip-hop ragga.

La star des années 1990 étaitBuju Banton (Mark Anthony Myrie), révélé par Til Shiloh (1995).